¿Cómo tomar mejores fotografías?

Ansel Adams, Montañas Tetons y el río Culebra, 1942

Ansel Adams, Luna con Media Cúpula, Parque Nacional de California Yosemite, 1960

Henri Cartier-Bresson, Detras de la Estacion Gare Saint Lazare, 1932

Minor White, Caida del Diablo, California, 1947

Robert Frank, US 285, New Mexico, 1855

Hola, me interesa saber o aprender a tomar mejores fotografías. Jannet, Chiapas, México

Estimada Jannet, gracias por tu pregunta. Ansel Adams decía, “No tomas una fotografía, la haces”. Eso quiere decir que tú antes de tomar una fotografía tienes que tener todo lo que quieres al frente de tu cámara. Tienes que construir tu fotografía. Una fotografía para un artista, no es la reproducción de la realidad, es la reproducción de su propia realidad. Una fotografía tiene que dar una emoción, mientras más fuerte la emoción, mejor es la fotografía. La estética es también muy importante, si no la fotografía no tiene peso artístico.

“Tus primeras 10,000 fotografías serán tus peores fotos”, decía Henry Cartier-Bresson. Eso quiere decir que tienes que practicar mucho y aprender de tus errores. Para ser un buen fotógrafo tienes que ver y estudiar a los fotógrafos consagrados, porque la mejor lección es su obra. Pero la fotografía como profesión en artes plásticas ha cambiado mucho. Hace 15 años no había ningún centro de educación especializado en fotografía, ahora los hay en muchos países, que son como una universidad de la fotografía, en México DF esta el Centro de la Imagen.

Brassai, Brouillard, Av. del Observatorio, 1934

Paul Outerbridge, Bodegon, 1936

                            Angela Grauerholz, Marie Potvin, 1990

“Si tus fotografías no son buenas es porque no te acercaste lo suficiente”. Dijo Robert Capa, no te acercaste suficiente a la emoción que querías dar, significa que no te salió como tú querías o como debería ser. Una fotografía puede mejorar si le das más énfasis a la emoción que quieres demostrar.

“Siempre estoy fotografiando todo mentalmente para practicar”. Minor White dijo eso. Claro tu mente debe saber cómo va a salir la foto. La cámara esta en tu mente. No puedes dejar que la cámara te sorprenda con otro resultado del que tú querías. Debes conocer todo lo que tu cámara puedes hacer y todas las posibilidades que quieres que tu fotografía tenga.

“Lo importante es ver aquello que resulta invisible para los demás”. Robert Frank. El ojo del artista es único, si varios fotógrafos fueran a tomar la fotografía de una silla, los resultados fueran diferente de cada artista, porque cada uno de ellos tienen diferente valores de estética y análisis de los objetos. Uno la podría tomar de costado, otro de frente, otro de arriba, uno de cerca y otro de lejos, otro podría tomar la mitad de la silla, y David Hockney tomo varias fotos de la silla, las corto hace una collage fotográfico como el de la foto y todos los artistas le dan diferentes valores de sombras, formas, colores, unos pueden hacer la fotografía horizontal, otros la harán cuadrada o vertical. También la pueden hacer pequeña, mediana, de tamaño natural, de gran formato o transparente de 2.20X2.90 metros como la de Jeff Wall. Las posibilidades son muchas.

Roberto Huarcaya, Jendy, 2009

Alexander Apostol, Los Arboles de Pardo I, 2008

Jorge Vera, Arco de St. Louis, 2010

David Hockney, Silla, 1985

“Lo más magnífico de las fotografías es que pueden producir imágenes que incitan la emoción basadas en un único tema”. Brassai. Cada fotografía tiene que buscar una emoción, una respuesta del observador, si no hay un dialogo entre el espectador y la imagen, no es buena la fotografía, así de simple.

“Influencias vienen de todas partes, pero los disparos salen principalmente por instinto. ¿Cuál es el instinto? Es toda una vida de acumulación de influencias: la experiencia, los conocimientos, ver y escuchar. Hay poco tiempo para la reflexionar en la toma de una fotografía”. Arnold Newman. La influencia que te hablaba, tienes que ver otros grandes fotógrafos y ver porque trabajan así. Porque le pusieron esas formas, esas sombras, ese tema tan banal y salió tan genial. Debes de leer sobre la obra de los fotógrafos que te gustan. Te mando los fotógrafos que me gustan y estos son solo algunos. Joan Fontcuberta, Ansel Adams, Edward Weston, Harold Edgerton, Alfred Stieglitz, Dorotea Lange, Ilse Bing, Brett Weston, Berenice Abbott, Paul Outerbridge, Aaron Siskind, Minor White, William Wegman, Shelby Lee Adams, Irving Penn, Julia Fullerton-Batten, Sandy Skoglund, Daniela Edburg, Ángela Grauerholz, Harry Callahan, Jeff Wall, Naoya Hatakeyama, Serge Tousignant, Roberto Huarcaya, Juan Manuel Echavarria, Jorge Vera, Cecilia Avendaño y Alexander Apostol.

Hay muchos mas fotógrafos, que los que te mencione, búscalos y analiza su obra. Jannet ya sabes que hay una universidad de la fotografía en México DF. También puedes escribir a algún fotógrafo y que te diga que te falta, que te ayude a mejorar. La mayoría de artistas son amigables y les gusta ayudar a los jóvenes para que sean artistas también.

Brett Weston, Lluvia en el Techo

Naoya Hatakeyama, Explosion, 1998

Alfred Stieglitz, Dos Torres, New York, 1913

Edward Weston, Pimiento, 1933

Me acuerdo que una vez hice una crítica para Art Nexus sobre una exhibición de Ángela Grauerholz en Montreal. La serie que ella presentaba eran retratos en blanco y negro de formato mediano, pero casi nadie en las fotografías miraban a la cámara. Alguien tomaba agua, otro fumaba, estaban de costado hablando o riéndose, algunas imágenes estaban borrosas o movidas. Una fotografía era más sombra que luz y se veía el perfil mayormente. Lo que quería hacer Grauerholz era hacer retratos como nunca antes nadie lo había hecho. Hacer lo mismo pero totalmente diferente. Eso es crear algo nuevo, algo nunca visto. Algo banal pero con creatividad, algo puesto por el artista y no por la imagen. El fondo de los retratos no era de un solo color, tenían sombras que le añadían misterio, creatividad y manipulación de parte del artista.

Cecilia Avendaño, Respiración 20, 2011

Joan Foncuberta, Orogenesis Weston,  2004

Irving Penn, Niños del Cuzco, 1948

Si vas a tomar fotografías de algo común, dale una mirada única, crea algo nuevo nunca antes hecho. Para eso necesitas ver y saber de trabajos de otros artistas.

Espero que mi respuesta te ayude a tomar mejores fotografías.

Augusto Chimpen

Alfred Stieglitz, Lago George, 1924

Dorotea Lange, Madre Inmigrante, 1936

Martin Chambi, Víctor Mendívil con el Gigante de Paruro, 1925

Martin Chambi, Campesinos en el Juzgado, 1929

                                           Hans Stoll, Serie Mares, Mar 03, 2015

No se si estudiar para ser artista

Rudolph Castro, 4644 Menos 4643 Igual Putis, 2009

Rudolph Castro,  Comisaria de Palca 1, 2009

Soy un joven de 17 años que tomo decisiones apuradas como también presionadas a la hora de elegir una carrera profesional , ocultando por mucho tiempo ante mis padres mi enorme deseo de estudiar Arte, soy de Perú país tal vez donde la carrera no tiene mucho apogeo y valoración , no es rentable pero aun así quiero estudiarlo, he tenido tantos problemas puesto que la carrera de arte no fue bien recibida en mi familia, mi pregunta es la siguiente: en estos últimos años hay un "boom" profesional que consiste en carreras como: ingeniería (principalmente Ambiental y Civil), arquitectura, economía, administrador de empresas, turismo, etc. Esas carreras son considerados por muchos como carreras con futuro, que será exigido por lo tanto en un futuro por eso pregunto ¿HAY FUTURO EN LA CARRERA DE ARTE? No quiero vivir frustrado y arrepentido de haber escogido mi carrera, por ultimo no es que sea ambicioso con el dinero pero... ¿La carrera es rentable? Yo quiero especializarme en pintura, cine, música pero en Latinoamérica o al menos América del sur no valoran como se debe a la profesión. Edgard, Perú


Estimado Edgard, tu pregunta es la misma que me han hecho varios aquí en el blog y así hay muchos en todas partes del mundo. Hay tres clases de sueños, te voy a poner un ejemplo en música, los que quieren ser músicos profesionales, pero no tocan ningún instrumento, pero algún día piensan aprender, pero está en su mente ese deseo. Los que quieren ser músicos y tocan algún instrumento y tienen esa meta viva. Y los que tocan un instrumento y aprenden más cada día para hacer ese sueño realidad. Te pongo un ejemplo de un músico, conozco a Richie Zellon, http://richiezellon.com/, guitarrista de jazz que compone canciones en la computadora, es arreglista, compositor, productor, profesor de jazz en dos universidades en Florida y cuando compone una canción, hace toda la partitura de la música para todos los instrumentos, hasta para la batería. Eso es músico profesional, Zellon a los 16 años ya tenía un grupo de rock y ya componía canciones. http://www.youtube.com/watch?v=wmiEF1I8gvA El sueño no es para los próximos años, es para empezar hoy día o mañana.

Igual en el arte, el que tiene más conocimiento de arte estará más adelante que otros. No sé en qué nivel de sueños tu estas. ¿Ya pintas, dibujas, haces acuarelas, haces esculturas, vas a galerías, museos, lees sobre arte? ¿Tratas de aprender más de arte todos los días, investigas? A parte de hacer todo esto tienes que tener mucho talento. Pero el talento puede ser nacido o adquirido con tu esfuerzo. Artistas hay muchos, pero buenos pocos. Vivir del arte no es fácil, es toda una vida, dedicada solo para hacer arte. Hay un dicho,”los artistas no se forman, nacen”. Yo creo ese dicho, si tú naciste para ser artista y tienes talento entonces te recomiendo que estudies para ser artista. Pero si eres como el primero que quieres ser músico y no tocas ningún instrumento no vas para ningún lado.

Fernando Botero, Flores, 2000

Fernando Botero, Gato, 1984

Si quieres ser artista, busca el artista que te gusta en su galería y has una cita con él/ella, búscalo en facebook, etc. y conversa y enséñale tus dibujos, tu trabajo y que te diga que piensa y que dirección debes tomar. Ya tienes la edad de conversar con un consejero de carreras profesionales en alguna universidad. Como artista puedes tener otra profesión relacionada con el arte y hacer las dos profesiones a la vez. Conozco a Rudolph Castro, artista de primera y trabaja como diseñador en una empresa y trabaja en las dos carreras muy bien. Las carreras relacionadas al arte son: Profesor de arte, artista, historiador de arte, diseño grafico y terapista de arte.

Omar Rayo, Mullida Huella del Viento VIII, 2005

Omar Rayo, Urdimbre Germinal III, 1990

Hay muchos desafíos para ser artista, pero si tienes la voluntad, y si algún artista te ha dicho que tienes talento, y conversas con un consejero de profesiones de una universidad y si todavía quieres ser artistas, bienvenido al maravilloso mundo del arte. La decisión tiene que ser tuya, pero basada en lo que dicen el consejero y algún artista. Me puedes enviar tus trabajos por e-mail y te daré mi opinión si eres bueno y que tienes que hacer.

Si eres buen artista la carrera es muy rentable, conozco artistas que tienen mucho dinero, sus estudios son casa con piscina, Mercedes Benz en la puerta, etc. Otro artista que conozco tiene un gimnasio y piscina en su casa o como Botero que tiene casas en Pietrasanta, Mónaco, New York, Paris y Bogotá. No solamente en lo material, si no que son felices en trabajar en lo que más les gusta.

Mark Rothko, Naranja y Amarilo, 1956

Mark Rothko, Sin Titulo #17, 1961

Últimamente se está valorando mas todas clases de arte en Sud América, ya no tengas miedo, si eso es lo tuyo persíguelo. Has escuchado la cita de Confucio “Escoge un trabajo que te guste y no tendrás que trabajar ni un solo día de tu vida”. Estudia lo que más te gusta así harás el mejor trabajo allí. No escojas una carrera por dinero, sino, no serás feliz. Tu pregunta si hay futuro en el arte, la respuesta es compleja, si eres bueno y vas a estar entre los pocos muy buenos, si hay mucho futuro. Pero si no tienes mucho talento y vas a estar en el montón, entonces va ser más difícil. Eso se sabe con las obras que haces y se ve tu imaginación, creatividad y la estética de lo que haces. La cualidad de mayor importancia en una obra, es la estética, si haces algo novedoso, nunca antes hecho y no tiene estética no has hecho nada. Lo que más vale en el arte es que tenga estética. Lo segundo es que tengas tu propio lenguaje visual, que la gente vea tu trabajo y diga este es de Edgard. Así como la obra de Botero, Omar Rayo y de Mark Rothko, que son reconocibles fácilmente. Ya la gente reconoce tu obra, si tú puedes hacer eso, ya tienes más de la mitad en tus manos. Solo para que veas la magnitud del arte, la obra de Mark Rothko, Sin Título #17 se vendió en 33 millones de dólares en mayo de este año.

Me dices que también te gusta el cine y la música, eso indica que te gusta mucho las artes y te aconsejo que estudies algo relacionado al arte.

Espero te haya ayudado en algo.



Augusto Chimpen.

El hiperrealismo

Richard Estes, Escena de Calle en Paris, 1972



Malcolm Morley, En la Terraza, 1966



John Salt, Omnibus de Colegio y Camioneta Roja, 1973

Ralph Goings, Pastel y Te, 1987

En este momento me apasiona especialmente el hiperrealismo, me gustaría conocer mucho más de este movimiento a nivel teórico, sus principales exponentes, su nacimiento, los hechos sociales que le dieron origen, ¿cómo se encuentra en la actualidad esta corriente pictórica? Mayrene, San Cristóbal, Venezuela


Estimada Mayrene, el hiperrealismo empezó en Estados Unidos a mediados de los años 60 hasta los 70s. Los principales artistas que crearon este movimiento artístico son Richard Estes, Robert Bechtle, Chuck Close, Robert Cottingham, Don Eddy, Ralph Goings, John Ahearn, John Salt, Duane Hanson, John de Andrea, Ron Mueck y Malcolm Morley.

Claudio Bravo, Paquete Blanco y Amarillo, 2005

Giancarlo Vitor, Jarron, 2009

Daniel Vargas, Sin Titulo, 2010

Cada uno de estos artistas trabaja con diferentes temas y una variedad de sujetos. Richard Estes trabaja con reflejos de vitrinas; Chuck Close trabaja con retratos gigantes; Audrey Flack trabaja con bodegones; John Ahearn hace esculturas de retratos de residentes del Bronx; Malcom Morley hace imágenes de viajeros en cruceros extravagantes y de gente de dinero; Escultor Duane Hanson trabajaba con la vida cotidiana de los americanos, Gerhard Richter en sus foto-pinturas, trabaja con fotos encontradas en periódicos, revistas o las que el toma; Ralph Goings trabaja con la cultura de las carreteras, sus restaurantes, carros, tráileres y los hace sin la presencia humana, representando la soledad.

La meta de este movimiento es imitar la realidad con una fidelidad como la del mundo real o como una fotografía. La mayoría de artistas de este movimiento usan la fotografía como herramienta para su trabajo y por eso este movimiento se llama también Foto-realismo. Este movimiento también ha sido llamado Suprarrealismo y Realismo Radical. Latinoamérica tiene muy buenos artistas realistas, entre ellos, Claudio Bravo, Santiago Cárdenas, Giancarlo Vitor, Alejandro Sánchez, Helmut Ditsch, Pablo Patrucco, Daniel Vargas, Bill Caro, Peter Von Artens, Pablo Cardoso, Ricardo Maffei, Dario Morales y Diego Gravinese. En Canadá también hay artistas que representan este movimiento, como, Ken Danby, Robert Bateman, Jason de Graaf, Mary Pratt, John Hall y Alexandra Haeseker.

Helmut Ditsch, Traunsee, 2003

Ricardo Maffei, Sin Titulo, 2009

Santiago Cardenas, Silueta, 2005

El hiperrealismo nace como consecuencia del arte pop porque toma la iconografía de lo banal produciendo las imágenes frías y estáticas. Es también la oposición al arte abstracto expresionista y al minimalismo. El arte hiperrealista nació por la abundancia de imágenes de las revistas, diarios, TV, por la buena economía estable del mundo. Cuando esto pasa se buscan los placeres visuales estéticos y eso dio el nacimiento del hiperrealismo.

Pablo Patrucco, Caramelo en la Calle, 2011

Pablo Cardoso, 04°19.78’S-78°39.26W , 2007

Ken Danby, Acapulco, 1985

El arte hiperrealista no está de moda ahora, pero sí está presente en el mundo del arte y siempre lo estará porque era la esencia del arte, imitar el mundo real de una manera manual.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpén

Manuel Francisco Cienfuegos, Romantica Transparencia, 2014

¿El grafiti es arte?



Samo, Jean Michel Basquiat, Aaron 1, 1981

Keith Haring, Ignorancia=Muerte, 1989

¿El grafiti es arte?
Arturo, Valdivia, Chile


Estimado Arturo, grafiti se le llama a las inscripciones en las paredes de las ciudades. Pero eso no es arte, eso es vandalismo, contaminación visual y es desagradable ver eso. Escribir en las paredes de una ciudad está penado por la ley y si un policía te agarra te va a poner una multa. Hay que hacer una distinción entre el arte plástico que se vende en las galerías y lo que se hace en la calle y que también es llamado erróneamente arte urbano. Este no es arte plástico y de arte solo tiene el nombre. Hay que establecer la diferencia. En el arte plástico hay una infraestructura que hace que el arte valga y sea ordenado y no sea impulsivo. En el arte no hay quien sea famoso y no haya hecho meritos para estar allí.

La infraestructura del arte está compuesta en primer nivel por las galerías de arte. Pero entrar en una buena galería no es nada fácil. No hay muchas buenas galerías en cada ciudad. Si a la galería le gusta tu obra, tendrás una exhibición y sólo si se vende tú obra ellos te querrán como artista de la galería. Cuando la galería te acepta tendrás una exhibición cada tres o cuatro años.


Lady Pink, Sandra Fabara, Baroque Pink, 2009

Lee Quiñones, Sin Titulo, 1982

En segundo nivel está compuesta por los críticos, diarios y medios de comunicación especializados, como Art Nexus, Art News, Art in America, Artforum, Aperture en fotografía, Arte al Día, ArtMotiv y otras revistas de arte que hay. Solamente los buenos artistas reciben buenas críticas en los medios de comunicación.

En tercer nivel están las bienales internacionales y ferias de arte, ArteBA en Buenos Aires, ArteBO en Bogotá, Pinta en New York, CIRCA en Puerto Rico, ArteAmericas en Miami, Art Basel in Miami y ARCO en Madrid. Pero sólo las galerías muy buenas asisten a estos eventos. Las galerías que asisten solo llevan unos 4 artistas de los 25 que ellos representan. En estas ferias de arte, otras galerías se interesan por artistas de otros países y así se internacionalizan algunos artistas. A las bienales solo van uno o dos artistas, los mejores artistas de cada país. La más importante del mundo es la Bienal de Venecia. A la Bienal de la Habana, que es la más grande del continente Americano, sólo van tres o cuatro por país, como máximo. También está la Bienal de Sao Paulo que es de gran renombre. En este nivel también están las monografías de los artistas y sus páginas webs.

Fab Five Freddy, Fred Brathwaite, Abstract Remix #1, 2011

Futura 2000, Leonard McGurr, Nuevo Rojo, 2008

Cuando tú expones en varias galerías de diferentes países y tienes buenas críticas en los medios de comunicación, los museos, que son el cuarto nivel, leen sobre tu obra y entonces se interesan por tu trabajo. Si varios museos importantes compran tus obras como el Tate Modern de Londres, el MOMA de New York o el Art Institute of Chicago, entonces recién eres un artista del primer nivel y allí llegan muy pocos. Cuando un artista tiene una individual en un museo importante es porque ya es muy conocido en el mundo artístico y eso pasa muy poco.

Entonces no podemos decir que lo que se hace en las paredes en la calle es arte. El arte tiene alguien que lo hizo y su nombre lo sabe todo el mundo, el nombre de la obra y en qué galería se vende su obra, a qué bienales y ferias ha ido y qué museos tienen su obra. Todo esto toma mucho talento y esfuerzo.


Sin embargo, el grafiti como movimiento en artes plásticas empezó en 1975, cuando africanos americanos y latinos empezaron a pintar en las paredes de los mercados, trenes del subway y ómnibus de la ciudad de New York. Ellos firmaban las paredes con un seudónimo, Samo que era Jean Michel Basquiat y Lee Quiñones que pertenecía a los Fabolous 5, Taki 183 que era el pseudónimo de Demetaki, Zephyr era Andrew Witten, Lady Pink era Sandra Fabara, Fab Five Freddy era Freddy Brathwaite y Futura 2000 era Leonard McGurr. Todos estos empezaron pintando trenes del subway y después hicieron la transición a ser artistas vendiendo sus obras en galerías y ahora sus obras se encuentran en los mejores museos del mundo.

Bansky, Paloma de la Paz Blindada, 2007

Bansky, Turismo

Los principales artistas de este movimiento son Jean Michel Basquiat, Keith Haring, Lee Quiñones, Alex Vallauri y Freddy Brathwaite. Pero hay alguien que por su calidad de artista e innovación, aunque no se ha presentado en galerías, ha sido considerado como artista y ha hecho exposiciones en museos. Se trata de Bansky, quien por su maestría, creatividad y originalidad ha expuesto en museos.

Para responder tu pregunta, el grafiti lo hace cualquiera en la calle, si ese mismo dibujo fuera hecho en tela y vendido a través de una galería fuera arte. El grafito en la calle, no es arte, el grafiti arte como movimiento de arte plástico es otra historia, eso se vende en galerías. Espero mi respuesta haya aclarado tu duda.



Augusto Chimpén

La pintura dentro de 100 años



Julio Larraz, La Pesca de la Langosta, 2011




Ana Mercedes Hoyos, Bazurto, 1992




Fernando Botero, Primera Dama, 1989



Refiriéndome explícitamente a los cuadros, las pinturas o los dibujos (dejando de lado momentáneamente a las esculturas, literatura, etc.). En estos tiempos donde para bien o para mal estamos inundados de vídeo, donde ahora al vídeo se le da el tratamiento 3d de manera más versátil y pronto la "realidad virtual" será más "real" y que luego no nos sorprenda que en la transmisión de vídeo también emitan hasta el olor.

Pregunta: ¿Cómo imagina la realización y difusión de cuadros, pinturas, dibujos como expresión artística dentro de 100 años? ¿Tendrá el mismo peso que aun pueda tener hoy?

¿Cómo imagina a un excelente pintor dentro de 100 años? ¿Se le valorará más o se le valorará menos? Si es que esta pregunta es admisible. Yvan, Lima


Estimado Yvan, es verdad lo que dices, hay mucha influencia de video y de computación en las artes hoy día. El arte conceptual también está de moda, tal como lo es el de Damien Hirst, Pepón Osorio, Doris Salcedo, Joseph Kosuth, Cristina Lucas, Priscilla Monge, José Carlos Martinat; pero también hay buenos artistas que pintan como Julio Larraz, José Bedia, Fernando Botero, Ana Mercedes Hoyos, Gerardo Chavez, Erick Sánchez, Giancarlo Vitor, David Hockney, Sandra Gamarra, Georg Baselitz, Gerhard Richter y Guillermo Kuitca.

Jose Bedia, Utenu Kazaye, 2007

Erick Sanchez, Esa Luz no es Como las Demas, 2011

Giancarlo Vitor, Avenida, 2011

No creo que haya que remontarse a dentro de 100 años para ver si la pintura se va a valorar más o menos. En este momento, la pintura es casi considerada pasada. Solo el 10% del arte actual es pintura. La fotografía ha ganado mucho espacio en el arte hoy día, igualmente el arte conceptual, el video arte, y las instalaciones. Sí, la pintura ha perdido su importancia y su cache, ha perdido el liderazgo que tubo por siglos. Pero el espacio y la conveniencia decidirán el futuro de la pintura. El espacio es la razón porque la gente no compra instalaciones, tampoco compra mucho video arte ya que este toma minutos de concentración. Los apartamentos y casas se hacen cada vez más chicos, debido al poco espacio que hay en las ciudades del mundo, y esto va a influenciar inclusive en tener menos esculturas por falta de espacio. Los museos tampoco disponen de demasiado espacio para guardar tantas instalaciones. Todo va a llegar a un punto de quiebre, donde los museos ya no van a poder comprar más instalaciones, por falta de espacio, donde el depósito va a ser más grande que el mismo museo. Lo más práctico o conveniente es comprar y guardar cuadros, porque es funcional. El arte siempre ha sido producto de la sociedad y la falta de espacio va a llevar a los museos a parar de comprar más instalaciones, que también toma tiempo el hacerlas y muchas pesan toneladas y pueden ocupar cuartos enteros.

La belleza de la obra no está en el medio, sino en la manera que fue hecha por el artista, cuanta creatividad hay, cuanta originalidad hay, cuanto de emoción emana la obra al espectador y cuanta estética tiene la obra.

Gerhard Richter, Paisaje Marino, 1969

Guillermo Kuitca, Sin Titulo, 1992

David Hockney, Splash Grande, 1967

La pregunta que hay que hacerse ahora es. ¿Quién es el artista más importante en el mundo? La respuesta en mi opinión es, Fernando Botero. El es el artista que más fama tiene en el mundo. Se ha presentado en las ciudades más importantes del mundo con sus pinturas y esculturas, y Botero es pintor primeramente. El artista más importante antes de Botero fue Picasso, y antes de Picasso fue Claude Monet, y los tres fueron pintores. La pintura nunca dejará de existir y siempre tendrá un gran peso, en menor cantidad, sí. Pero el artista más importante será un pintor dado que es lo que la gente conoce, y es lo que más gusta y lo más práctico para llenar tu sala, tu casa, o tu apartamento. Leonardo da Vinci dijo “el arte para que sea bueno tiene que ser universal”, Monet, Picasso y Botero son universales, sus obras eran comprendidas y reconocidas por todos. Esa universalidad se llama figurativismo, donde se reconoce lo que se ve. Lo que ha cambiado es la manera en que se presenta.

Gerardo Chavez, Animal de Medianoche, 1981

Sandra Gamarra, El que no Tiene de Inga Tiene de Mandinga, 2007

No te puedo decir qué clase de pintura se hará de aquí a cien años, quizás se haga en pantallas de computadoras del tamaño que quieran los artistas, pero siempre se usará oleo o acrílico también. La pintura será importante en el arte por el medio que es y lo único que sé es que el artista más importante será un pintor. El hombre ha pintado desde sus inicios, 17,000 AC, en las cuevas de Lascaux y siempre habrá pintura y siempre será importante porque, a mi parecer, es lo más práctico de coleccionar y más fácil de apreciar. No te olvides que las obras más importantes en la historia son pinturas, la Mona Lisa, La Ultima Cena, La Muerte de Marat, Las Señoritas de Avignon, Guernica, Marilyn (de Warhol), etc. Si preguntas a alguien que no sabe mucho de arte si le gusta más una pintura o una instalación, te dirá la pintura. Los cuadros son parte de la historia del arte y siempre lo serán. En este momento se valora al buen pintor y siempre se valorara al buen artista pintor. No es cuestion de que medio haces, es cuestion si tu arte es bueno.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpén