Diferencia entre arte moderno y arte contemporáneo

Claude Monet, Impresión, Sol Naciente, 1982

Edgar Degas, En las Carreras Ante las Tribunas, 1866-68

Alfred Sisley, Vista del Canal San Martin, 1870

¿Me gustaría saber la diferencia entre arte moderno y contemporáneo? ¿El arte como reflejo social es considerado arte contemporáneo o moderno? Andrea, Pereira, Colombia

El arte moderno empieza en 1870 en París, cuando los artistas empiezan alejarse de la pintura académica. Lo que enseñaban en las escuelas de arte era pintar temas de historia, religiosos, héroes, o mitológicas. Los colores eran oscuros y se pintaban en un estudio. El primer movimiento del arte moderno fue el Impresionismo, porque empezaron a pintar temas del día, madres con sus hijos, paisajes, bailarinas, retratos, caballos y ellos pintaban al aire libre, rompiendo la tradición de pintar en el estudio. Sus cuadros tenían mucha luz y colores claros. Otra cosa importante que paso fue que el arte era mayormente apoyado por el gobierno, la iglesia y por algunos patrones. A partir del impresionismo el arte se empezó a vender por galerías al público. Paul Durand-Ruel fue el más importante galerista de arte impresionista en las últimas décadas del siglo XIX haciendo exhibiciones en Paris y Londres. Los artistas del Impresionismo fueron Claude Monet, Renoir, Mary Cassatt, Edgard Degas, Camille Pissarro, Berte Morrisot, Gustave Caillebotte, Frédéric Bazille y Alfred Sisley entre otros. Entre los pintores académicos para que veas la diferencia son William Adolphe-Bouguereau, Pierre Auguste Cot, Alexander Cabanel, Thomas Couture, Léon Bonnat y Paul Delaroche, entre otros. 

Gustave Caillebotte, Calle de París, Día Lluvioso, 1877

Mary Cassatt, El Baño, 1892

Camille Pissarro, Boulevard Monmartre, 1897

Después del Impresionismo vino el Post-impresionismo con Paul Gaugin, Van Gogh, Paul Cezanne y Henri Toulouse Lautrec. Fue la obra de Cezanne que puso las bases para el cubismo.  Con las Señoritas de Avignon, 1907, Picasso rompió la perspectiva creada desde hace 600 años en el Renacimiento. En 1913 Picasso rompió la base de la escultura creando una obra con cartón y cuerdas de metal, convirtiéndolo en un ensamblaje. Igualmente Marcel Duchamp con su Rueda de Bicicleta hizo la primera obra de arte Cinetico, (que se mueve). Igualmente este fue su primer Ready Made, (objeto completamente hecho). Duchamp con esta obra dio las bases para el Dadaísmo. Rene Magritte causo furor con su obra Esto no es una Pipa, 1929. Porque no lo es, es la representación de una pipa. Pero esas contradicciones chocan a las masas. En 1931 Salvador Dali nos hace su obra más importante, La Persistencia de la Memoria. El hizo esta obra para que después que la hayas visto nunca te olvides que la has visto.

Pierre Auguste Cot, Primavera, 1873

Alexander Cabanel, Samson y Dalila,  1878

William Bouguereau, Elegía, 1899

En 1939 empieza la Segunda Guerra Mundial que duraría 6 años hasta 1945. El fin de la segunda guerra mundial como un gran evento de paz e inicio de una paz mundial. Hizo cambios en el mundo comercial, democrático y artístico igualmente. Con el fin de la Segunda Guerra Mundial termina el arte moderno y comienza el arte contemporáneo hasta nuestros días.  El fin de la guerra marca el tiempo artístico de un cambio. El primer movimiento del arte contemporáneo es el Abstracto Expresionismo con Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Lee Krasner y Philip Guston entre otros.

Vincente van Gogh, El Cuarto de van Gogh, 1889

Paul Gaugin, Mujeres de Tahiti, 1892

Paul Cezanne, Monte San Victoria, 1904

Para responder tu pregunta cuál es la diferencia entre el arte moderno y contemporáneo. Fue tiempo e intención. En el arte moderno, un cambio de actitud para pintar nuevos temas de nuevas manera nunca enseñadas en las escuelas de arte. El arte contemporáneo fue marcado por el fin de la Segunda Guerra Mundial y dura hasta nuestros días. El movimiento Abstracto Expresionista es el primer movimiento creado en Estados Unidos de influencia en el mundo de arte. Este movimiento fue creado por la ayuda de artistas de Europa que salieron por la guerra. Dejo a New York como el centro del arte en el mundo, lugar que ocupaba París.

Pablo Picasso, Bodegón con Guitarra, 1913

Marcel Duchamp, Rueda de Bicicleta, 1913

 Jose Clemente Orozco, Trinchera, 1923-27

Andrea sobre el arte como reflejo social que trata de problemas de la sociedad, pobreza, el trabajo manual, campesinos trabajando fue en el arte moderno, en Rusia hubo el movimiento Los Itinerantes en 1870 hasta 1923. La meta de los Itinerantes era pintar el paisaje rural y las condiciones sociales urbanas. Otro movimiento social fue el Muralismo Mexicano, que tuvo muchos temas sociales y los artistas buscaban educar a las masas para saber su cultura y apreciar sus orígenes. Esto paso en 1920 hasta 1960, pero es considerado un movimiento de arte moderno. Así que el arte como un reflejo social tuvo incursiones en el arte moderno.

Rene Magritte, Esto no es una Pipa, 1929

Salvador Dali, Persistencia de la Memoria, 1932

Jackson Pollock, Uno, Numero 31, 1959

Espero mi respuesta haya sido de tu satisfacción.

Augusto Chimpen

Clyfford Still, 1956J, 1956

Fernando de Szyszlo, Duino Nueve (Orrantia), 1992

Barnett Newman, La Promesa, 1949

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¿Cuáles son los criterios de belleza en una obra de arte?

Andy Warhol, Lata de Sopa Campbell con Abridor, 1962

Andy Warhol,  Lata Rota de Sopa Campbell, 1962

Andy Warhol, Marilyn, 1964

¿Cuáles son los criterios de belleza en una obra de arte (pintura)?  Eduardo

Estimado Eduardo, gracias por tu pregunta. Es muy buena tu pregunta. Para mí lo más importante es la estética, que sea bonita la obra. Sin estética la obra no sirve mucho. Ya he hablado antes del arte comercial que también es bonito, pero no te da una emoción. Solo es bonito estéticamente, no te eleva. El arte visual si te da una emoción así sea arte abstracto. Para empezar cada obra tiene lo que decimos “vida propia”, respira, da vida, embellece, da más energía al espectador y al ambiente.

Barnett Newman, Voz de Fuego, 1967

Barnett Newman, Jericho, 1969

Barnett Newman, Yo Soy, 1970

Aparte de que tenga estética, tiene que haber sido el único de haber hecho algo así. Por eso ninguna obra de un artista bueno se parece a otro artista que está en el mismo movimiento. En arte Pop nadie hizo Marilyn o latas de sopa Campbell. Cada artista usa sus propias imágenes que se hace famoso haciéndolas.

Cada obra tiene que ser la primera que se hizo así, la exclusividad ser único así también añade importancia a la obra. Por que define la imaginación del artista de crear su propio lenguaje visual y con estética. Igualmente la obra tiene que sorprenderte, por su estética y presencia. Si no te sorprende no hay explosión de emoción en el espectador.

Mark Rothko, Naranja y Amarillo, 1956

Mark Rothko, Azul, Naranja, Rojo, 1961

Mark Rothko, Sin Titulo, 1953

Por ejemplo la obra de Barnett Newman Voz de Fuego, el dijo una vez que estaba en una fogata y vio el fuego en medio de la oscuridad y de allí se ideo pintar esa pintura. El tamaño la hace más impresionante todavía. Es tres veces grande que tú, te hace diminuto, por lo tanto te impresiona más. No hay otro artista que haya pintado como él. De allí la importancia de ser el único.

En el caso de arte abstracto que te da una emoción. Por ejemplo en las obras de Mark Rothko describen confrontación. Cada forma representaba algo una situación o un espacio personal. En arte el tamaño, forma y color dan sensaciones. Por ejemplo el color rojo simboliza sangre, pasión, fuego, es el color del poder y acción, del pecado y sufrimiento. El color azul, simboliza el cielo, el amor espiritual, verdad y fidelidad, por eso el manto de la Virgen es azul. El verde, simboliza esperanza, regeneración y fertilidad. El amarillo es simbólico del sol, de la verdad, de Dios y la divinidad. También es simbolizado en forma negativa como símbolo de celos, engaño, inestabilidad, cobardía, y traición. El blanco es símbolo de pureza, luz, inocencia, virginidad, alegría, gloria y fe. Por eso Cristo siempre esta de blanco después de la resurrección. El color negro simboliza luto, penitencia,  muerte y es un color negativo, denotando malas cualidades del diablo, muerte y el bajo mundo.

Las formas también simbolizan emociones, por ejemplo el rectángulo y el cuadrado simbolizan estabilidad, honestidad, tranquilidad, racionalidad, conformidad, igualdad, integridad y seguridad.  El cuadrado significa perfección por sus 4 lados iguales.  El triangulo sentado en su base simboliza estabilidad, tensión dinámica, acción y agresión. Triángulos tienen energía, poder y son dinámicos y pueden sugerir conflictos of fuerzas. El circulo como no tiene principio ni fin representan eternidad y simbolizan el sol, la tierra, la luna, objetos celestiales y el universo. También sugieren integridad, protección, son cálidos, reconfortante y dan una sensación de sensualidad, amor, lo infinito, la unidad y la armonía.

Aparte hay simbolismo en miles de objetos, animales, plantas etc. por ejemplo, una silla vacía es simbolismo que hay ausencia de algo, un libro es símbolo de conocimiento, ser educado o trasmitir conocimiento. Las frutas representan el placer carnal. El perro es símbolo de fidelidad, el gato tiene el simboliza lujuria, crueldad y mala suerte si es negro. El león es símbolo de fuerza, valor, coraje y fortaleza. El girasol es símbolo de logro espiritual, flexibilidad, oportunidad, pero también son símbolos de buena suerte, riqueza y ambición. Los símbolos en arte es la más vieja manera de comunicación.

Mark Rothko, Naranja, Rojo, Amarillo, 1961

Mark Rothko, Naranja, Rojo, Naranja, 1961-62

Mark Rothko, Magenta, Negro, Verde y Naranja, 1949

Te digo esto solo para darte información con lo que los artistas saben y trabajan. Que todo lo que se pone el artista en su obra está puesto con una función para mandar un mensaje al espectador y hace que la obra sea buena o no sea tan buena.

  Como te dije la obra de Mark Rothko  se trata de confrontaciones por ejemplo en la obra Anaranjado y Amarillo. Te puedes dar cuenta que el anaranjado no es paralelo el lado derecho tira hacia arriba, el color de fondo no es parejo, en la parte de arriba es más oscuro. La forma anaranjada es más grande que el amarillo, por lo tanto más importante. Siempre en la obra de Rothko hay una figura más grande que las demás, eso significa que ese color gano la confrontación.  En la obra Magenta, Negro y Verde en Anaranjado, se pueden ver 6 diferentes formas. Empezando que allí no hay color magenta, tampoco hay anaranjado, el fondo es color ocre tierra. Rothko quería interactuar con el espectador con el nombre. ¿Sera que quería decir, no te lleves por lo que dice la gente, si no por lo que ves?

Rothko decía, “No soy un pintor abstracto… No me interesan las relaciones del color, ni la forma, ni nada; lo único que me interesa es expresar mis emociones humanas básicas: tragedia, éxtasis, muerte. La gente que llora ante mis cuadros, tiene la misma experiencia religiosa que yo cuando los pinto”.

Por eso como dije antes las forman toman forma de confrontación donde el rectángulo más grande es más poderoso que el pequeño. El éxtasis que habla Rothko es la belleza de las formas, colores y su interacción dentro de la obra. La tragedia es la confrontación que hay entre los rectángulos, como el color negro simboliza la muerte, cuando Rothko uso el negro simboliza la muerte también. Eso se puede ver en la obra Sin Titulo donde el rectángulo azul está rodeado de negro. En la obra de Rothko hay dos maneras con las que el trata los rectángulos, muy pegados como si estuvieran casi juntos y bien separados, como se puede ver en la obra Azul, Naranja, Rojo. En la parte de abajo se pueden ver el color ocre casi junto con el azul, mientras que los dos azules están más separados. Aunque los dos rectángulos azules parecen del mismo color, el azul de abajo es más oscuro. No ha habido otro pintor que haya hecho algo parecido a lo de Rothko. Su obra explora el potencial del uso del color y forma en la psique humana. La obra Naranja, Rojo y Amarillo de 1961 fue vendida en el 2012 en 86.9 millones, un record de precio en una obra de arte contemporáneo. 

Franz Kline, Hazelton, 1957

Frank Stella, Ifafa II, 1968

Jackson Pollock, Uno, Numero 31, 1950

En la obra de Franz Kline Hazelton, se puede sentir la emoción de fuerza por las líneas gruesas que hacen las formas abstractas. En la obra de Frank Stella Ifafa II, se puede ver y sentir orden y oposiciones. En la obra de Jackson Pollock Uno, Numero 31, la emoción es de desorden pero armonía en una imagen total, sin partes mayores o menores ni centro.

Te explico esto para que veas que hasta los cuadros abstractos dan emociones y sensaciones a los espectadores. Toda buena obra te da una emoción.

Eduardo para capitular tu pregunta, los principales criterios de belleza en una pintura son los siguientes, que tenga estética, que sea único, que te de una emoción y que te sorprenda.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen

¿Arte Conceptual sobre valorado?

Damien Hirst, El Reino, 2008

Damien Hirst,  La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo, 1991

Damien Hirst, Madre he Hijo Divididos, 2007

¿Cuál crees que sea la razón por la cual el arte conceptual está tan sobrevalorado en las galerías y en las casas de subasta? Y digo sobrevalorado porque, por ejemplo, que Damien Hirst pueda vender una vaca partida en dos o un tiburón como "arte", y que se lo compren, me parece alucinante (cuando cualquiera con dinero podría agenciarse de su propia vaca o de su propio tiburón). Hoy en día puedes hacer una montaña de bosta de vaca y con solo colocarle un rótulo que diga, más o menos: "esto es una deconstrucción del lenguaje dadaísta en versión postmoderna que simboliza el poderío de las grandes transnacionales y sus decisiones económicas y políticas" ya se supone que "eso" es arte. Y no es que yo sea conservador ni puritano, ni nada de esas cosas, ojo. Francisco, Lima

 Estimado Francisco gracias por tu pregunta. Es verdad que el arte conceptual tiene mucho valor en estos días. Debe ser porque es de vanguardia. Hacer algo de vanguardia significa no hacer arte con materiales tradicionales. Cuando yo estudie historia del arte en la galería de la universidad cada dos semanas habían exhibiciones y en dos años solo hubo una exhibición de pintura sobre tela. Todo lo demás eran instalaciones, arte conceptual y video arte. La gran mayoría de arte que se hace ahora es arte conceptual y muchas veces el arte hecho no es ni tocado por el artista. Solo es supervisado por el artista.  Por ejemplo en la obra Perro de Globo de Jeff Koons, el no hizo nada allí. Lo mando hacer, pero es su idea y por lo tanto su obra. Igualmente Damien Hirst, no creo que el haya hecho nada en la pecera con el tiburón adentro.

Damien Hirst, Lejos del Rebaño, 2010

Damien Hirst, Formas Sin Vida, 1991

Damien Hirst, Himno, 1999-2005

Ya el arte se ha transformado de objeto a idea objeto. Un objeto hecho por las manos del artista a un objeto ideado por el artista. Lo principal es el objeto y no quien lo hizo, si no quien lo pensó. La obra del tiburón de Hirst llamada, La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo. Hasta el nombre es atractivo y misterioso, esta obra fue vendida en aproximadamente 10 millones de dólares.

Damien Hirst, Hermosa Tick Tick Tickety Pintura Boo, 2005

Damien Hirst, Arte hermoso, infantil, expresivo, insípido, no, demasiado simplista, a un tiro de distancia, cosa de niños, falta de integridad, rotación, más que dulces visual, celebrando, sensacional, indiscutiblemente hermosa pintura (por encima del sofá), 1996

Damien Hirst, Farmacia, 1992

Pero vale por su estética y por lo novedoso. Si alguien pone un animal en una vitrina con formol como lo hace Damien Hirst ya no valdría tanto porque ya hubo alguien que lo hizo primero. Lo que vale en arte es ser el primero en hacer algo. Esa primera idea viene a ser el lenguaje visual del artista. Hirst tiene varios lenguajes visuales. Sus mariposas, sus instalaciones, sus esculturas y sus pinturas que son inconfundibles. Te tengo que decir que Hirst es el segundo artista más importante en el mundo hoy día, Botero es el artista más importante.

Damien Hirst, Trinidad - Farmacología, Fisiología, Anatomía Patológica, 2000

Damien Hirst, Una Cosa Linda, 2003

Damien Hirst, Simpatía en Blanco Mayor, Absolución II, 2006

Todo el arte está sobrevalorado especialmente el buen y novedoso arte. Si se vendió en 10 millones en 2004 el tiburón en formol, dentro de algunos años costara el doble. Es una inversión el arte sobrevalorado. Pero no cualquiera puede hacer algo parecido y venderlo en millones. Tienes que hacerte un nombre primero, tienes que demostrar que eres innovador y tus obras tienen que tener estética. Si las peceras que hace Hirst no tuvieran estética no se venderían. 

Jeff Koons, Cachorro, 1992

Jeff Koons, Perro Globo, 1994-2000

Una de las cualidades del buen arte conceptual es la idea y la estética de la obra. Hisrt tiene otra obra con un tiburón dentro de una pecera llamada The Kingdom, (El Reino), explotando su original idea. Toda la obra de Hirst es novedosa y buena, con mucha estética y eso es lo que vale ahora en estos días. No creo que se pueda poner estiércol de vaca y hacer una escultura con estética. Se ha usado si para hace una obra como hable en la anterior pregunta. Pero solo de estiércol no creo se vea bien y tampoco nadie lo haría.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

 

Augusto Chimpen

¿Considera que ser un artista polémico y agresivo es bueno?

Eugenio Merino, Todavía Andando Vivo, 2007

Eugenio Merino, Always Franco, 2012

Eugenio Merino, Viva Fidel Zombie, 2008

¿Considera que ser polémico y agresivo es bueno? ¿Piensa que la sociedad aplaude dichos comportamientos?

Pues por lo que he buscado tengo una pequeña recopilación de los que me parecieron más impactantes. 

Entre ellos están: Eugenio Merino (con su obra, Always Franco), Marina Abramović, Regina José Galindo,  Antonio Garullo y Mario Ottocento (El Sueño de los italianos), Patricia Piccinini (El más Esperado), David Cerny (We are the Champions), Tracey Emin (My Bed) y Andres Serrano (Piss Christ). Iria, Galicia, España

Gracias Iria por tu interesante pregunta. El artista hace lo que es. El artista deja su personalidad en su obra, deja la manera que piensa, deja todo en su obra. No creo que algún artista quiera ser controversial ya que eso llama dos bandos, uno que está de acuerdo y el otro que no está de acuerdo. El artista quiere que a todos les guste su obra. El artista crea lo que le gusta, no crea algo con la intención que sea controversial. Si el artista tiene une mente controversial hará obras controversiales.

Antonio Garullo y Mario Ottocento, El Sueño de los Italianos, 2011

Antonio Garullo y Mario Ottocento, El Sueño de los Italianos, 2011

Antonio Garullo y Mario Ottocento, Gesto Inconfesable, 2012-13

Quiero comentar sobre la obra de Eugenio Merino, Always Franco. Merino lo ha puesto dentro de una nevera de Coca Cola, como un tanto de broma, que fue tan popular. Para mucha gente Franco fue polémico. Igualmente Merino quiso responder a esa manera de pensar. Pero la obra tiene más de humor que de realidad. Franco esta con las rodillas dobladas una posición incómoda y no normal. Se puede ver que esta hecho de manera de burla. Claro que toda la obra es parecida, ha hecho esculturas de Osama  Bin Laden bailando como lo hizo, John Travolta en la película Fiebre de Sábado por la Noche. Igualmente tiene a Dalai Lama con una ametralladora. Todas estas esculturas son de humor para hacer reír a la gente. No hay que tomarlo en serio. 

Marina Abramovic, La Cocina III, Homenaje a Santa Teresa, 2009

Marina Abranovic, Relación de Tiempo, 1977

Toda la obra de Marina Abramović son performances donde explora los límites de su cuerpo, la relación de entre el público, su presentación y las posibilidades de la mente. Al presentar su femineidad pone en vista las ocupaciones impuesta a las mujeres como cocinar. En sus performances se quema o corta ligeramente para demostrar la vulnerabilidad de su cuerpo. Otros temas que ella toca son la confianza, la resistencia, la purificación, el agotamiento y el escape. Al cortarse o quemarse ya pasa al otro nivel de auto dañarse y esto no es normal. De allí sus performances que son controversiales. Los museos no deberían de permitir esas clases de performances.

Regina Jose Galindo, Angelina, 2001

Regina Jose Galindo, Libertad Condicional, 2009

Regina Jose Galindo, Perra, 2005

Regina Jose Galindo, se corto la piel escribiendo la palabra “perra”, para denotar la violencia hacia las mujeres en su país. En otro performance se vistió de mucama o sirvienta por un mes para mostrar la discriminación que sufren las mujeres que trabajan así. Cortarse puede ser malo pero era la única manera que ella pensó que podía hacerlo para dar su mensaje.

Antonio Garullo y Mario Ottocento hicieron la escultura El Sueño de los Italianos. En esta escultura pusieron al ex­-presidente Silvio Berlusconi en el interior de una caja de cristal y madera. Pero la cara de Berlusconi está con una sonrisa muy grande, tiene zapatos de dormir de Mickey Mouse, esta con la correa abierta y la corbata desarreglada. Todo esto es para hacerlo de manera de broma. La vida de Berlusconi fue muy marcada por las mujeres y su vida de playboy, por supuestas conexiones con la mafia y la corrupción de sus asesores. Los artistas Garullo y Ottocento quisieron hacerlo cómico y consiguieron eso. Esto no es polémico ni agresivo, es una burla al ex-presidente. 

Patricia Piccinini, El Mas Esperado, 2008

Patricia Piccinini, Familia Joven, 2002-03

David Cerny, We are the Champions, 2003

David Cerny, Guns, 1994

Patricia Piccinini, El más Esperado, es una obra de humor y dulzura igualmente. A pesar que la mujer animal, es deforme parece que es incapaz de hacer daño a nadie. La obra completa de Piccinini es hacer monstros basados en la raza humana. Asi que la obra El Más Esperado es un juego de la imaginación y la realidad. David Cerny, We are the Champions es una obra escultórica de humor. En esta obra uno puede subir y ver por la apertura un video de dos políticos checos dándose de comer uno al otro mientras suena la canción de Queen, We are the Champions. Pero toda la obra de Cerny tiene un sentido de humor. 

Tracey Emin, Mi Cama, 1998

Tracey Emin, Todo el Mundo con quien he Dormido 1963-1995, 1995

Tracey Emin, Todo el Mundo con quien he Dormido 1963-1995, 1995, Interior

En la obra de Tracey Emin, My Bed (Mi Cama), es sobre la cama de la artista, sin hacer, con manchas en las sabanas, con condones en el suelo, zapatillas, (tenis) cajetillas de cigarrillos vacías, ropa interior con manchas menstruales. Pero mucha de la obra de Emin es sobre su sexualidad, y es autobiográfica. Pero no le veo algo muy creativo en su obra, pero la originalidad es la que la ha llevado a ser una de las artistas británicas importantes. En la obra Todo el Mundo con quien he Dormido, 1963-1995, escribió los nombres de todos los hombres con quien durmió. La presentación muy interesante, pero la idea un poco absurda. 

Andres Serrano si es un artista controversial, ya que su obra Piss Christ (Orinar a Cristo) ofende a los católicos y cristianos. Aunque también hizo otra obra que se llama Piss Satan (Orinar a Satanás), porque Serrano dice que él no se influye por ninguno de ellos. Pero no podemos pensar así. Porque lo que ofende a otros hay que respetar. Serrano ha hecho obras muy buenas, pero también ha hecho fotografías muy crudas que solo algunos museos podrían exhibirlas. Igualmente hubo otro artista británico Chris Ofili, hizo una pintura de la Virgen con estiércol de elefante y con cortes de revistas pornográficas de genitalia de mujeres. Esta exhibición ofendió al alcalde de New York, Rudy Giuliani que amenazo al museo de cortar las donaciones a ese museo por la exhibición de esa obra. No podemos dejar que los artistas hagan cosas que ofendan a personas.

Según mi opinión de todos los artistas que he nombrado arriba los únicos que son controversiales son Serrano y Ofili. Los demás artistas tienen gustos diferentes a la mayoría de personas. Para responder tú pregunta. ¿Si ser polémico es bueno? No es bueno dado que muchos no apoyan esa clase de arte. La gente controversial apoyara esos artistas, pero la gran parte de la población no lo aprueba. Por eso ninguno de los artistas mencionados son de primera línea.

Iria mí me parece que Ofili si trato de ser controversial para ser más conocido. Pero no le salió, ya que no es tan conocido. Si lo hizo un poco más conocido, pero hasta allí llego.  ¿Quién quiere comprar algo así? No mucha gente.

Espero mi respuesta sea de tu agrado.

Augusto Chimpen