¿Cómo se origina el tenebrismo?

Francisco de Zurbaran, Bodegon con Limones, Naranjas y una Rosa, 1633

¿Cuáles son las causas contextuales e ideológicas que influencian, en el barroco italiano, y llevan a los artistas, (sobre todo a Caravaggio) a desarrollar en el "tenebrismo" una búsqueda de lo natural, lo cotidiano y sin posturas convencionales? Domingo, Lima, Perú

Estimado Domingo, el arte siempre está en cambios, cuando los tiempos cambian, cuando hay nueva tecnología, cuando cambia la mentalidad del mundo, el arte cambia también. Como ya he mencionado en preguntas anteriores, los artistas y su arte es producto de la sociedad que los rodea.

La Reforma protestante había traído un renacimiento de los valores religiosos acompañado por mucha agitación política. El entusiasmo mundano del Renacimiento llevó a la ansiedad, a la incertidumbre, al sufrimiento y a un deseo vivo para la experiencia espiritual. Manierismo reflejó este ambiente en su tentativa deliberada de romper los principios del Alto Renacimiento de balance, de armonía, y de moderación. Los pintores manieristas rompieron deliberadamente las reglas de proporción retratando las figuras alargadas que transportaron un sentido del sufrimiento y una atmósfera emocional fuerte llenada de ansiedad y de la confusión. El manierismo fue remplazado por un nuevo movimiento, el Barroco, que dómino el mundo artístico por un siglo y medio. El Barroco era un contraste contra el Manierismo.

El Barroco empezó en Italia en aproximadamente en 1600 y los artistas barrocos trataban de armonizar tradiciones clásicas del Renacimiento con la intensa sensación religiosa traídas por la Reforma protestante. En parte el arte y la arquitectura Barroca reflejaban la búsqueda por el poder que fue caracterizada en parte en el siglo XXVII. Por eso en las iglesias y palacios había las fachadas ricamente adornadas, encantadoras escaleras y un esplendor total que querían impresionar a la gente. Los reyes y príncipes querían que sus súbditos y otros reyes y príncipes sintieran admiración de su poder. La religión católica comisionó nuevas iglesias y querían que la gente viera el poder triunfante de la fe católica.

La pintura Barroca es conocida por el dramático efecto para elevar la intensidad emocional. El arte Barroco fue dominado por el movimiento físico, emocional o espiritual y el contraste dramático entre luz y la obscuridad, para convencer, transformar, engañar con la ilusión. Todos estos son sellos del arte Barroco que parece moverse en todas las direcciones intentando colmar cualquier distancia psicológica el cuadro y el espectador. Artistas del Barroco forzaban la expresión para convertir y para persuadir al espectador. En el Barroco la luz se hace para dar efectos y no importa si refleja fielmente la realidad, lo que importa es crear contrastes brutales entre luces y sombras y la iluminación exagerada que sirve para resaltar un personaje, un objeto, una habitación. El tenebrismo lo podemos encontrar en otros movimientos artísticos pero nunca tan marcado como el Barroco.

Usualmente no diría que hay una diferencia entre el claroscuro y el tenebrismo pero tratándose de un trabajo en la universidad como me dijiste, sí hay una diferencia. El claroscuro es el uso de luz y sombra usado para resaltar un objeto o persona y el tenebrismo es una aplicación radical y más dramática del claroscuro, por la cual las figuras centrales destacan y son iluminadas de un fondo oscuro.

El arte Barroco está marcado por la decadencia política y social. Es la época de la monarquía absoluta y los contrastes, el lujo y la miseria, lo material y lo espiritual, el absolutismo y la inseguridad, la luz y la sombra.

Rembrandt, Autorretrato, 1659

En la obra de Francisco de Zurbarán Bodegón con Limones, Naranjas y una Rosa, el pintor usa el claroscuro para dar énfasis a los limones y las naranjas y para dar tridimensionalidad al cuadro y énfasis al primer plano. El Autorretrato de Rembrandt es otra obra donde el artista usó mucho el claroscuro.

Caravaggio, La Vocacion de San Mateo, 1601

En la obra tenebrista de Caravaggio, La Vocación de San Mateo, se puede ver el mal uso de las sombras. No se debería de ver las caras de Jesús y San Pedro porque están en la sombra y ellos están a la derecha, pero se ven muy claramente. En este cuadro se presenta la historia que cuenta el Evangelio según Mateo 9:9,  Jesús vio un hombre llamado Mateo, sentado en el despacho de impuestos y le dijo, sígueme y Mateo se levantó y le siguió, donde la luz viene a ser una luz de la gracia de Dios, Jesucristo tiene el brazo estirado y el índice apuntando a Mateo y quien confundido y pensativo reclina la cabeza en humildad. Francisco Ribalta usó mucho el tenebrismo; se puede ver en su obra Cristo Abrazando a San Bernardo.

Francisco Ribalta, Cristo Abrazando a San Bernardo, 1625-27

Domingo, como te das cuenta, Caravaggio usa el tenebrismo para dar más énfasis en las personas y objetos. Caravaggio quería impresionar al espectador con el contraste de luz y también con el gran tamaño de sus cuadros porque algunos medían 3 metros cuadrados. El no solamente quería impresionar con el claroscuro sino con el lenguaje corporal de los sujetos, que ponen más énfasis en la historia. De esta manera Caravaggio se sale de lo cotidiano y de lo convencional.

Espero mi respuesta te haya ayudado.

Augusto Chimpen

El Jardin de las Delicias de Bosch



Bosch, Jardin de las Delicias, 1504-04



¿Qué significan los pájaros pintados en el cuadro de Bosch El Jardín de las Delicias? ¿Comerse a los humanos? ¿Por qué la obra de Bosch El Jardín de las Delicias tiene exceso de desnudos y las aves representan el mal? Jaime, Guadalajara, Mexico.

Estimado Jaime, el cuadro Jardín de las Delicias, 1503-04 del pintor holandés Hieronymus Bosch (1450 / 1516), también conocido como El Bosco o Jerónimo Bosch, es un tríptico que mide 220 x 386 cm. Esta obra se encuentra en el Museo del Prado en Madrid. Es la obra más importante de este artista. Esta obra está compuesta por tres paneles, el panel más grande es el central que cuando se cierra tiene otro cuadro en la parte frontal. Esta obra tenía la intención de moralizar a la gente en su época. Dado que la gente no sabía leer, la única manera de aprender era con imágenes.


Bosch, Paraiso Terrenal, 1503-04

El panel de la izquierda representa el Paraiso Terrenal, cuando Dios creo a Eva y se la presenta a Adán. Al costado izquierdo está el árbol del bien y del mal, se pueden ver las frutas de manzanas en la parte de arriba. Eva está arrodillada en un montículo que termina en el árbol del bien y del mal. El artista está insinuando lo que va a pasar. Adán está mirando a Dios, Eva mirando al suelo y Dios mira al espectador. Al costado de la jirafa hay una palmera con una serpiente que está bajando de un árbol y que será quien va a tentar a Eva. Por el lago, debajo de la serpiente hay una iguana con tres cabezas y animales raros, como diciendo la serpiente pertenece a estas rarezas. El pecado femenino esta personificado por los insectos que se arrastran por la tierra o que nadan por el agua, anfibios y peces, ya que de los cuatro elementos del mundo, tierra, agua, fuego, y aire, la tierra y el agua son considerados esencias pasivas para la fecundidad que como la mujer reciben la semilla. El pecado masculino está representado por todo lo que vuela, insectos voladores, aves y murciélagos, ya que el aire es considerado un elemento activo, asociado al fuego, opuesto a la tierra y el agua y por esa razón masculino.



Bosch, Jardin de las Delicias, 1503-04

En el panel central representa El Jardín de las Delicias. Este panel presenta la caída del hombre después del pecado de Adán y Eva. Para responder tu pregunta, Jaime, toda la gente está desnuda para representar los placeres carnales de la lujuria que los dirigen a la perdición. Aunque Bosch casi no ha representado a nadie haciendo algún acto sexual, por estar juntos desnudos y en grupos en una manera muy casual, la sugerencia es apropiada. En la parte inferior de la tabla se pueden ver muchos desnudos, en grupo y parejas. También se encuentran cerezas, fresas, uvas y frambuesas que son una clara insinuación de los placeres sexuales. Como en los bodegones, las frutas simbolizan la fugacidad de los placeres porque en unos días se pudren. Los pájaros pintados tienen su significado; el pájaro carpintero, que tiene garras fuertes y un pico duro que hace huecos en troncos de árboles, representa a Satanás por su naturaleza destructiva. El búho simboliza el luto y la desolación porque vive en la oscuridad y se encuentra cerca a tumbas y cuevas. El búho se asocia con la desolación, por eso se le presenta como una predicción de los enfermos. El pato sugiere que la persona es poseída por el diablo o, por lo menos, que esté llena de maldad. El petirrojo en un símbolo erótico de la lujuria. Los demás pájaros pueden ser tranquilos pero por su tamaño son peligrosos y dan miedo. La cáscara de la almeja que está en la parte baja izquierda del panel simboliza los órganos sexuales de la mujer. El círculo de animales con gente desnuda en la parte central es interpretado como una alegoría de lujuria. La parada de animales exóticos representan las diferentes etapas del pecado. Las imágenes que son hibridas parte humano, parte animal y parte vegetal, como la representación con cabeza de búho a la derecha, abajo, representa el decaimiento de la raza humana. 

Bosch, El Infierno, 1503-04

 El panel en la derecha representa El Infierno, el castigo después del pecado. Bosch ha pintado un mundo endemoniado, opresivo y con tormentos y se puede ver en el incendio en la parte de arriba. Lo más llamativo de este panel es el hombre árbol, que tiene el cuerpo de un huevo roto. La cara de ese personaje es la cara de Bosch, es un autorretrato también. Igualmente se ven dos orejas cortadas por un cuchillo largo. Se puede ver también un corazón que hace sugerencia de una separación del cuerpo humano. En la parte baja se puede ver a Satanás devorando gente y después las defeca. También se pueden ver torturas y sufrimiento. En otra parte se pueden ver 6 perros comiéndose a un hombre. Este trabajo de Bosch fue para moralizar al espectador. Que el pecado fue la razón de salir del paraíso y si no paras de pecar terminaras en el infierno. Bosch utilizó imágenes oníricas para realizar su obra.


Bosch, Creacion del Mundo, 1503-04



Cuando los paneles están cerrados se puede ver la obra, Creación del Mundo, en el tercer día, Dios está en la esquina con una tiara y la Biblia sobre sus rodillas. En la parte superior se puede leer Salmos 33 ”Él lo dijo y todo fue hecho. Él lo mando y todo fue creado”. La obra es directa y moralizadora. Bosch en realidad fue el primer artista que pintó surrealismo. Aunque esta obra no se considere surrealista, lo es en esencia.

Espero mi respuesta sea de tu agrado.


Augusto Chimpén

Comentario sobre la obra de Lucian Freud

Lucian Freud, Cuarto del Pintor, 1944

Lucian Freud, Muchacha con Gato, 1947

Lucian Freud, Muchacha con Hojas, 1948

Hace muchos años, y en dos ocasiones diferentes, tuve la oportunidad de estar frente a la obra de Lucian Freud y desde entonces soy su gran admirador. En mi opinión, sus personajes están marcados con una fuerte introspección psicológica que me remite, por un lado, a Edward Hopper (aunque a éste le interesaba más escudriñar en el terreno de la soledad e incomunicación), y por otro lado, al erotismo de Egon Schiele, sin llegar a las palabras mayores de éste último.

Fiel a un lenguaje vigorosamente figurativo, la obra de Freud representa con mucha altura la resistencia del oficio de pintar, en tiempos que la expresión artística se manifiesta de maneras tan nuevas, como diversas. Estimado Augusto, te agradeceré me des tu punto de vista al respecto.

El personaje que aparece en el intaglio que te adjunto es Leigh Bowery, quien fuera en vida su modelo favorito. En este grabado se puede apreciar el carácter y maestría de su dibujo. A mi me gusta mucho el trabajo de Lucian Freud, y me gustaría de tu parte un comentario respecto de su obra. Juan, Lima

Estimado Juan, Lucian Freud, nieto del psico-analista Sigmund Freud, es uno de los artistas británicos más importantes del siglo pasado y uno de los artistas figurativos más importantes del mundo. Su obra pertenece al movimiento Nuevo Realismo, que es una nueva clase de realismo en oposición a los abstractos expresionistas que había en los años 50, como Jackson Pollock, Mark Rothko y Willem de Kooning. Su primera exhibición individual fue a los 22 años donde pinto el celebrado Cuarto del Pintor, 1944. A los 25 años pinto Muchacha con Gato y a los 26 años pinto Muchacha con Hojas, sólo para que veas que ya hacía buenos retratos cuando era joven.

Más que todo, Freud hacia retratos y es considerado el retratista más importante del mundo en el último siglo. Su contra parte sería el artista del Barroco, Rembrandt, que también fue retratista. Juan, tienes razón en la obra de Lucian Freud se encuentra soledad tal como lo hacía Edward Hopper y Alice Neel, también hay un erotismo suave como el de Egon Shiele o Philip Pearlstein. Freud pinta retratos con un estilo muy especial y pinta la piel en diferentes colores, lo cual vino a ser su lenguaje visual. Igualmente, le gusta plasmar espacio y tridimensionalidad en el plano.

Lucian Freud, oleo sobre tela, Leigh Bowery, oleo sobre tela, 1991

Lucian Freud, intaglio, Cabeza Grande (Estado II) 1993



Lucian Freud, oleo sobre tela, Cabeza de Muchacha Desnuda, 1999

Lucian Freud, intaglio, Cabeza de Muchacha Desnuda, 2000



Lucian Freud, oleo sobre tela, Madre del Artista III, 1972

Lucian Freud, intaglio, Madre del Artista (Version Final), 1882

Freud hacía dos clases de retratos, unos que son “más reales” y otros que “deforman” al sujeto. El intaglio al que te refieres se llama Large Head (Cabeza Grande), en el que el sujeto es Leigh Bowery, quien fue su modelo de 1990 a 1994. Este intaglio sería el que está deformado, ya que le hizo un hueco en la cabeza, también le hizo la cabeza más larga, la cual él no tiene así. Su cabeza es redonda y lo puedes ver en el óleo a su costado. En el otro retrato de Cabeza de Muchacha Desnuda, igualmente le dibujó un bulto en la frente, le deformó la nariz, le hizo un hueco en la cabeza, hizo el cuello más delgado y más largo y puso sombras en los ojos, con lo que deforma el aspecto de ella, según el retrato en el oleo. En el intaglio de Madre del Artista se puede ver el labio partido y deforme, la nariz desfigurada, casi ninguna esclerótica en el ojo (la parte blanca del ojo), y unas sombras en el centro de la cara, haciéndola de esta manera deforme. Igualmente la hizo molesta. En el retrato de Bella quien es la hija de Lucian Freud, también la deforma, le hace la nariz gruesa, la cara más ancha, le hace unas marcas en la frente y le pone la mirada perdida. Pero en el retrato al oleo, la pinta muy bien y se le ve delicada y pensante. Hasta en su autorretrato Freud se deforma como se puede ver en su intaglio, con sombras que no pertenecen a la cara, los ojos negros, los labios caídos y un hueco debajo del cuello. El retrato al oleo se ve mejor, casi como él era.

Lucian Freud, oleo sobre tela, Bella, 1981

Lucian Freud, intaglio, Bella, 1987

Lucian Freud, oleo sobre tela, Autorretrato: Refleccion, 2002

Lucian Freud, intaglio, Autorretrato: Refleccion, 1996

Una de las características de los retratos de Freud es que los sujetos casi no miran al observador sino están de una manera casual. La lectura de los intaglios es que Freud saca la esencia de las personas pero pone algo de su creación para deformar la cara, añade algo nuevo para de esa manera hacer arte y no copiar la realidad. En la pintura consiguió tener su lenguaje visual muy particular, pintando la carne con varios tonos.
Otra característica de los retratos de Freud era que no buscaba belleza de los sujetos, sino, el crear algo nuevo en ellos. Otra cosa es que el Freud les decía a los sujetos cómo tenían que posar, de esa manera se puede ver la manipulación y control del artista desde el inicio hasta el final. Las poses que tenían sus desnudos eran únicas, nunca antes habían sido pintados de esa manera.

Lucian Freud decía, mucha gente está inclinada a ver retratos no por el arte en ellos, pero para ver como ellos son semejantes a las personas. Esto es un profundo error… Yo pienso que buenos retratos tiene que ver con la manera que han sido hechos… Tiene que ver con el sentimiento, la individualidad y la intensidad, el respeto y de la concentración en el sujeto. Por eso Freud quería que el observador no vea un retrato, sino una obra de arte basada en un sujeto.

Juan lo importante de Lucian Freud es que pudo probar que no sólo el arte conceptual, instalaciones o video arte están de moda, sino que el arte figurativo también puede ser bueno y estar de moda.

Lucian Freud, Supervisora de Beneficios Durmiendo, 1995

Lucian Freud, trabajo en progreso

Su obra Supervisora de Beneficios Durmiendo batió record de ventas para un artista vivo cuando se vendió en 33.6 millones de dólares. Lucian Freud demostró que lo que hace una obra de arte no es lo que presentas, sino cómo lo presentas.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpén

Mucha tonteria en el arte actual

Nam June Paik, Perro Guardian II, 1997

Damien Hirst, El Increible Viaje, 2008

¿Cómo es posible que la pintura haya "evolucionado" más en los últimos cien años que en sus cientos de años de historia? ¿No cree que los "artistas" se hayan excedido en su papel? ¿No cree que la pretensión de destacar, no por la calidad ni la aptitud, sino por el hecho de innovar a toda costa, haya supuesto que exista mucha "tontería" en el arte actual? ¿No cree que ello pudiera provocar un retorno al figurativismo como objeto principal de la pintura? Carlos, Almassora, España

Estimado Carlos, es cierto que desde el Renacimiento (1390) hasta 1900 ha habido solo 8 movimientos artísticos: Renacimiento, Barroco, Rococó, Neo-clasicismo, Romanticismo, Realismo, Impresionismo y Post-Impresionismo. Pero en los últimos 100 años de 1900 al 2000 ha habido aproximadamente 33 movimientos artísticos. Esto se debe a que el artista es producto de la sociedad en que vive. Después del invento de la cámara fotográfica en 1839, la pintura cambio a ser más emocional que ser una reflexión de la naturaleza y el mundo real.

En el mundo ha habido muchos cambios tecnológicos en los últimos 100 años y eso es lo que ha hecho que el artista utilice ideas y medios para expresarse de otra manera. Debido al adelanto tecnológico de la TV y video, en 1960 Nam June Paik invento el movimiento Arte Y Tecnología. Este movimiento se hacía con televisores, con videos y era algo totalmente nuevo, nunca antes hecho. La televisión salió en 1920 y se demoro 40 años para que se use como un medio de arte. Ahora hasta el cine se usa como medio de hacer arte y la película dura una hora, como las que hacen Michael Snow y Bill Viola. Ahora se usa la computadora para diseñar obras de arte abstracto que se van a pintar al oleo. El hombre usa todo lo que está a su alcance para hacer arte y es influenciado por lo que lo rodea.

Jeff Koons, Cachorro, 1992

Jeff Koons, Perro de Globo, 1994-2000

Carlos, es importante que sepas que el artista no pretende destacar sin calidad por el hecho de innovar sacrificando la calidad de su obra, si lo hiciera los críticos se darían cuenta y su obra se caería. Los críticos son ‘críticos’ en todo el sentido de la palabra. Solo lo bueno pasa a ser reconocido. No hay artista de renombre que no se merezca ese reconocimiento. Si ha llegado es por algunas razones muy importantes y vale la pena que este allí. Quizás la gente no ha leído o no sabe, pero sí hay suficientes razones. No te olvides que el arte es una infraestructura y nadie llega a ser famoso rápidamente. Hay niveles que todos los artistas tienen que pasar. Esa infraestructura está compuesta en primer nivel por galerías, y hay galerías buenas y malas. Los buenos artistas van a las mejores galerías y no es fácil llegar a una buena galería, hay que tener méritos. En segundo nivel son los críticos, historiadores, curadores y los medios de comunicación, periódicos y revistas. Aquí varios críticos de diarios y revistas tienen que hablar bien de tu obra y así te haces más conocido. El tercer nivel son las ferias de arte, donde solo las mejores galerías van porque son costosas, y allí solo van los mejores artistas de las galerías. Cada galería tiene un promedio de 30 artistas y solo llevan a 2 o 4 artistas a cada feria. Esto se hace para internacionalizar a esos artistas. El cuarto nivel son los museos. Si un artista llega a varios museos importantes entonces viene a ser un artista de renombre. Solo un puñado de artistas llega a este nivel. Unos cuantos de cada país. Sí hay artistas que hasta han puesto a un tiburón, una oveja o una zebra en una pecera, como Damien Hirst. Sin embargo, justamente el atrevimiento de hacer eso lo ha llevado a lo que él es ahora, uno de los artistas más importantes del mundo porque trabaja de una manera como ningún otro artista lo ha hecho. Y la imagen tiene estética, porque si no hay eso, no hay nada. Hirst vendió una calavera en 99 millones de dólares porque está cubierta con 8601 diamantes. El costo de los diamantes fue de 23.6 millones. En esto se equivocó el comprador; el arte no se valora por lo que te costó hacer la obra, sino el valor estético que tiene. Carlos Zerpa ha hecho calaveras más bonitas y son más baratas. Otro artista que ha hecho obras que nadie ha hecho es Jeff Koons, que ha hecho una escultura inmensa de 12.4 metros de acero y plantas, Puppy (cachorro), algo nunca hecho antes. Esa es la clave ahora, hacer arte nuevo nunca antes hecho. También ha hecho esculturas que aparentemente son de globo, pero tienen estética. Eso es lo que más vale y lo que representa, algo nuevo, único, creativo y con estética. Si un artista puede hacer esto, llegaría a ser famoso como Koons o Hirst.

Damien Hirst, Por el Amor de Dios, 2007

Carlos Zerpa, Calaveras, Poderes Unidos, 1993

Lo que si hay ahora son dos clases de obras: las que son para los museos, como son las instalaciones, que son grandes y pueden llegar a pesar toneladas, y los artistas que trabajan de una manera más práctica, que pintan cuadros, que hacen esculturas, grabados y dibujos. El video arte también es mas para museos porque pueden durar varios minutos y es difícil tener un video en la casa y ponerlo cuando lo quieran ver.

Ramon Agosto, Epitus Felinus B, 2002

Erick Sanchez, Quiero Hacer mi Sueño Realidad, 2008

No creo que los artistas hayan excedido su papel para destacar. El mundo ha cambiado también en los últimos 100 años como no cambió en 2000 años y el arte tenía que cambiar igualmente. No creo que haya ‘tonterías’ en el arte actual. Obras que puedan parecer casuales, sí, pero una obra de arte, es una obra de arte con vida propia y en esa casualidad se encuentra la grandeza. Van Gogh pintó su silla y su cuarto, pero lo hizo de una manera con mucha estética. La cosa es saber cómo presentar las cosas a través de la obra.

Pero como dije en mi respuesta a la pregunta sobre ‘corrientes pictóricas delimitadas en nuestros tiempos’, considero que hay una saturación de tecnología en el arte, instalaciones, arte conceptual y ha empezado un ‘retro arte’ en todo el mundo, donde el realismo, figurativismo, el retrato y lo primitivo han regresado. Las calaveras de Hirst y Zerpa son obras primitivas. Al parecer tú también piensas así y lo has notado, me imagino. La obra de Ramón Agosto también es primitiva, la obra de Erick Sánchez es de paisajes, la obra de Ron Mueck es híper-realista y primitiva porque son desnudos, la obra de Stephan Balkenhol son retratos y así muchos otros artistas que trabajan de este modo.

Ron Mueck, Recien Nacido, 2000 

Stephan Balkenhol, Cabeza de Hombre, 1992

No te olvides que no sólo el arte ha evolucionado, también la arquitectura, la música, la literatura y el cine.

Carlos, lo que tienes que acordarte es que el artista es producto de la sociedad en que vive y trasmite sus experiencias, emociones y sus gustos en su obra de arte.

Espero mi respuesta te haya ayudado.

Augusto Chimpen

Comprar arte y no apreciarlo



Christo, Latas y Botellas Envueltas, 1958-59

Jeff Koons, Tres Pelotas en Perfecto Equilibrio en el Tanque, 1985

¿Por qué la gente -algunas personas- gastan miles de euros en decorar sus casas y jardines y hacerlas a su gusto, y sin embargo, apenas ponen atención al arte que pueden adquirir? Los cuadros, esculturas, etc. les rodearán en sus casas durante años, y sin embargo parece no importarles ser selectivos, buscar piezas que les gusten, visitar galerías, etc. Se limitan a rellenar la pared vacía...una pena. Por supuesto no hablo de la mayoría de los mortales que no pueden permitirse acceder al mercado del arte, pero hay miles de pintores dispuestos a vender y desgraciadamente no se les presta atención.  Gracias por responder. Julia, Valencia, España

Estimada Julia, para tener una colección de arte sea del tamaño que sea, la persona tiene que educarse y comprar objetos de arte que le gusten mucho. Algunas buenas galerías cumplen la función de educar a sus clientes para que ellos compren lo que más les gusta y se vayan contentos con su adquisición porque se supone es para toda la vida. Hay la posibilidad de que algunas personas han comprado arte para decir que saben de arte, o que tienen un gusto exclusivo sin importar lo que compran, o solo para llenar las paredes, como dices tú.

Es verdad que se puede comprar buen arte de artistas en formación que tienen potencial, por menos de 2,000 euros. Lo principal es encontrarlos cuando son jóvenes. Christo a los 25 años ya hacia sus empaquetados y ahora esos mismos objetos valen millones de dólares. Jeff Koons hizo la obra Tres Pelotas en Total Equilibrio cuando tenía 30 años y esa obra ahora cuesta muchos millones de dólares. Igualmente Jean Michel Basquiat vendió obras en $10,000 US a los 21 años y 6 años después costaban $250,000, una vez murió a los 27 años. La Pequeña Silla Eléctrica de Warhol fue vendida en $1,800 US en 1964 y esa misma obra fue vendida en 2.3 millones de dólares en 2001 en Sotheby’s en Londres. Igualmente, un retrato de Warhol que se vendió en $20,000 US se remató en 32.6 millones de dólares en 2010. Fernando de Szyszlo vendió una obra en $3,000 US en 1969 y ésta se vendió en Christie’s este año en $182,500 US. El arte es la mejor inversión que uno puede hacer, pero necesitas conocimiento y buen ojo.

Jean Michel Basquiat, Africanos de Hollywood, 1983

Andy Warhol, Silla Electrica, 1964

Además, si uno no sabe de arte, hay curadores de arte que pueden hacer el trabajo de comprar arte y educar a una familia o corporación teniendo en cuenta los gustos del cliente para las obras vayan a la par con la personalidad del cliente o la misión de la empresa. El trabajo del curador es complacer al cliente y educarlo, de esa manera el cliente adquiere conocimiento sobre lo que le gusta y lo va a apreciar. Lo principal es ver bastantes obras y leer sobre los artistas que te gustan antes de adquirir algo, para saber más del artista y sobre su obra.

Conversé con un gran coleccionista, Armando A., y me hablo de su colección. “En mis casas las obras de arte lo son todo, es el elemento central y todo gira alrededor de ellas. Lo que también es cierto, que mi colección opera fuera de las paredes o casas, pues la cantidad de obra está en depósitos y documentada en archivos digitales; el espacio físico es un problema y de allí que el espacio de una colección es siempre mental”. ¿Te puedes imaginar Julia, no tener más paredes para poner obras? Yo no tengo ese problema felizmente.

Le pregunté a otro gran coleccionista de fotografía, Luis G., y me dijo, “Hay gente que tiene dinero pero no necesariamente han desarrollado un gusto por el arte. Algunas personas piensan que tener dinero es sinónimo de gusto o conocimiento. Algunos más inteligentes recuren a compradores de arte (curadores), que compran a su gusto para sus clientes indicándole lo más reciente del arte o lo que pueda estar dentro del estilo de vida de su cliente. Otros, piensan que comprar caro es sinónimo de gusto. Hay personas que tiene horror al vacío y tienen los recursos para llenar las paredes de su casa de arte y piensan que ya son coleccionistas o tienen una gran colección. El gusto es algo que se adquiere y se educa. El dinero no necesariamente hace a un buen coleccionista pero ayuda mucho en el proceso de adquisición. Dinero puesto en manos conocedoras puede ser más productivo que en manos ignorantes o desconocedoras. En mi caso, mi colección es parte de mi vida. La investigación, el estudio y conocimiento de las obras que adquiero dan un valor añadido a la misma y a la experiencia de adquirir”.



Ramon Agosto,  Suoideos Taurus Ovibus, 2002

Fernando de Szyszlo, Inkarri, 1968

Erick Sanchez, Hoy Voy a Descubrirte, 2008

Otro coleccionista, Gonzalo C., nos dice, “Nuestra colección tiene la importancia que nosotros le damos, así como reza el dicho “todo depende del color del cristal con que se mira.” Las cosas, como los cuadros y otras obras de arte que hemos ido adquiriendo en diferentes momentos de nuestras vidas, reflejan la comunión que sentimos ante ese objeto que nos atrajo y nos estimuló emociones. Si tuvimos la suerte de adquirirlos, los disfrutamos cada vez que los vemos y recordamos el viaje o las circunstancias particulares que los rodean. Nuestra colección es ecléctica, pero enfatiza artistas jóvenes, sobre todo aquellos talentos que no tienen acceso a las pocas galerías conocidas o al marketing que les correspondería. Intentamos comprar cosas que transmitan la pasión y originalidad de cada artista. Además de oleos, buscamos esculturas y otros objetos singulares, tanto antiguos como modernos. Evitamos los artistas sobre-expuestos o excesivamente comerciales y que han dejado de crear con pasión profunda y original”.

Gonzalo Endara Crow, Sin Título, 1987

Julia, quería que te des cuenta cómo piensan los grandes coleccionistas y que aprendas de su experiencia. Es verdad lo que dices, que hay miles de artistas dispuestos a vender por menos de 1,000 Euros, pero hay que buscar bien, y eso no es tarea fácil porque hay que tener conocimiento del mercado y encontrar los buenos artistas cuando son jóvenes.

Espero mi respuesta haya despejado tus dudas.

Augusto Chimpén

El papel del artista y polemicas de Andy Warhol



Andy Warhol, Latas de Sopa Campbell, 1962

Andy Warhol, Pequeña y Rota lata de Campbell, 1962

Andy Warhol, Grande Lata de Sopa Campbell con Abridor, 1962

Andy Warhol, Lata de Sopa Campbell Verde y Violeta, 1965

¿Por qué Andy Warhol con su obra comenzó a desatar polémicas sobre el papel del artista y los fines del arte? Carolina, Barquisimeto, Venezuela


Gracias por tu pregunta Carolina, Andy Warhol salía todos los días a comprar cosas, tenía una casa de tres pisos en New York City pero solo tenía la sala, el comedor y dos dormitorios donde se podía vivir, todo los demás espacios de la casa se usaban como depósito de las cosas que el compraba. Esto quiere decir que era un comprador compulsivo. Warhol grababa en “casettes” sus conversaciones con amigos y gente con quienes él hablaba. El museo Warhol tiene 4,000 “casettes” de audio de las conversaciones de Andy Warhol. Esto hacía que Warhol no fuera una persona común y corriente, era excéntrico. Su estudio se llamaba La Factoría, porque él quería hacer miles de serigrafías, como una fábrica. Y en parte lo hizo, su serie de Latas de Sopa Campbell, 1962 es una serie de serigrafías de 32 clases de latas de sopas Campbell. Cada una tenía un tiraje de 250, más 26 pruebas de artista (PA). Si multiplicamos eso, son 8,832 serigrafías del mismo tema con la sola diferencia del sabor de la sopa. Además, Warhol hizo otras serigrafías con las mismas latas con otros diseños. Ningún otro artista ha hecho esto antes o después de Warhol. El quería explotar al máximo el mismo tema. No ha habido un artista más repetitivo que Andy Warhol en el mundo de las artes plásticas. La obra Pequeña y Rota lata de Campbell, 1962 fue vendida en 11.7 millones de dolares en 2006.


La idea de hacer las latas de Campbell no fue de Warhol sino de una galerista, Muriel Latow que le vendió la idea en una fiesta en noviembre de 1961. Warhol estaba bloqueado y no tenía idea de lo que quería hacer; la galerista le dijo, ‘te vendo una idea’ y Warhol respondió, ‘te la compro’. La galerista le dijo, ‘usa una imagen que todos conocen pero que nadie ha usado, algo como una lata de sopas Campbell’, Warhol dijo, ‘wow, voy a usarlas’ y las usó. Después le preguntó, ‘¿qué es lo que más te gusta?’, ‘el dinero’, dijo Warhol, ‘entonces pinta dinero’, le dijo ella. Warhol le pagó $50 dólares por las ideas con un cheque. Entonces Warhol pintó dinero y billetes y la obra 200 Billetes de a Dólar, 1962 fue vendida en $43.7 millones de dólares en Sotheby’s en 2009. Warhol trabajaba de una manera como ningún otro artista trabaja.

Andy Warhol, Signo de Dolar, 1982

Andy Warhol, Rollo de Billetes, 1962

Andy Warhol, Billete de a Dólar, 1962

Andy Warhol, 200 Billetes de a Dólar, 1962

En La Factoría trabajaban varias personas, las cuales hacían las serigrafías en tela y a veces Warhol les preguntaba, ‘¿Qué color iría aquí?’. Algún ayudante le decía, ‘aquí puede ir un verde’, y Warhol le decía, ‘pon esta parte verde’, y después le preguntaba a otro ayudante, ‘¿Que otro color podría ir a aquí?’, el ayudante le respondía, ‘rojo’, ‘pon rojo entonces’, decía él. Al final, el firmaba porque era su creación, pero hecha y decidida casi en su totalidad por sus ayudantes. En esencia, el principalmente dirigía a sus empleados allí y sólo firmaba las obras. Muchas obras él si las pintó, pero en otras sólo firmaba. De esta manera Warhol creó discusiones sobre el papel del artista con su obra.

Ya se ha hablado muchas veces que el artista es el de la idea, así no intervenga en el procedimiento de hacer la obra. El arte ha evolucionado mucho de lo que era antes, pero son pocos los artistas que trabajan de esta manera.

Warhol desató polémicas porque él quería hacer miles de serigrafías de sus obras, pero las galerías no querían eso. Quería hacer miles de Marilyns sobre tela. Las galerías guardan y quieren conservar el elitismo de alguna manera. Que sea algo especial y único.

Andy Warhol, Marilyn, 1967

Andy Warhol, Marilyn, 1967

Carolina, otra cosa que revolucionó Warhol fue que tomó imágenes pertenecientes a otras personas y las uso para sus serigrafías, como por ejemplo Flores. Esa imagen de las flores fue tomada por la fotógrafa Patricia Caulfield para una revista de flores y Warhol uso la imagen de las flores y llenó la galería de Leo Castelli en 1964 con esas imágenes tomadas por Caulfield. Cuando Caulfiled vio en una librería sus fotos en un afiche siendo usadas por Warhol, lo enjuició. Ellos arreglaron fuera de corte y ella recibiría un royalty por la venta de las obras con su imagen, más dos de las pinturas.

Andy Warhol, Flores, 1964

Andy Warhol, Flores, 1964

Andy Warhol, Flores, 1964

La obra vendida más cara de Warhol fue Ocho Elvises, 1963, que se vendió en $100 millones de dólares en 2009, y que lo puso en la categoría que muy pocos artistas han llegado, como Jackson Pollock, Pablo Picasso, Pierre August Renoir, Willem de Kooning, Gustav Klimt y Vincent van Gogh.

Andy Warhol, Ocho Elvises, 1963

De esta manera Warhol creó debates sobre el papel del artista, su creatividad, la apropiación de imágenes, la creación de las obras y el número de la edición de la serie. Warhol tuvo una producción de más de 10,000 obras durante su carrera artística.

Espero mi respuesta te ayude Carolina, gracias por tu pregunta.


Augusto Chimpen