¿El Hiperrealismo es arte?

Richard Estes, Puertas Giratorias, 1968

Giancarlo Vitor, Coaster, 2011

Santiago Cardenas, Paraguas, 1972

1. Si realmente el hiperrealismo es verdaderamente arte.

Las inquietudes se deben sobre todo a que:

-Se basa en fotografías que luego reproduce al óleo o al pastel.

Por lo tanto, el modelo no es físico: nadie posa, o es raro, sino que se tiene delante la fotografía del modelo; el edificio que se pinta no está físicamente ahí, sino en una fotografía…

La técnica y fidelidad de los pintores sí es laudable.

¿Estamos, pues, ante un pseudoarte?  

2. Le pido los nombres de los hiperrealistas más destacados fuera y dentro de España. Por ejemplo: los seis o siete del resto del mundo, los tres de España. Antonio, Salamanca, España.  

Estimado Antonio, en el Renacimiento se busco el realismo de la mejor manera que podían los artistas. La Mona Lisa es una obra hecha con un estilo realista, la Ultima Cena igual y así muchas obras de esa época. Después a mediados del siglo XIX salió el movimiento Realista iniciado por Gustave Courbet. Fue Courbet quien le dio el nombre a este movimiento al nombrar el pabellón donde iba hacer una exposición, bajo el nombre “Realismo”. En esta exhibición exhibió El Taller del Pintor, que provoco un escándalo en los medios artísticos por ser anti-académico y su crudeza por la mujer desnuda. El arte siempre está en transformación, no es estático. Con la invención de la fotografía, vino después el Impresionismo, el Post Impresionismo, el Fauvismo, el Cubismo, hasta que llego la abstracción completa con el Der Blaue Reiter (el Jinete Azul).

Pablo Patrucco, Playa 2,  2007

Peter Von Artens, Membrillos, 1994

Juan Luis San Miguel, Cenicero, 2010

Claudio Bravo, Antes del Juego, 1973

El hiperrealismo, también llamado foto-realismo o supra-realismo se inicio a mediados de 1960 en Estados Unidos. Los fundadores de este movimiento son: Richard  Estes, Robert Bechtle, Chuck Close, Robert Cuttingham, Don Eddy, Audrey Flack, Ralph Goings y Malcom Morley. La mayoría de estos usaba la fotografía como medio antes de pintar, de allí viene el nombre de foto-realismo.

Para responder tu primera pregunta, si el hiperreaslimo es arte, claro que es arte, solo que su estilo es el realismo, es lo opuesto a la abstracción. ¿Que nadie posa? Lo único que hacia Chuck Close eran retratos y eran gigantescos, eran impresionantes. Malcom Morely también incluía gente es sus pinturas. Claudio Bravo también hacia retratos.

Antonio Lopez, Madrid Desde las Torres Blancas, 1982

Jose Manuel Cajal, Plaza Canalejas

Javier Torices, El Remolcador, 2008

No es un pseudo arte, es otra clase de arte que se parece al mundo real, a mi particularmente me gusta mucho el arte hiperrealista y tengo un grabado de Richard Estes y me gusta mucho Giancarlo Vitor y espero algún día comprar una de sus obras. Lo que pasa es que es un arte diferente. Lo único que como el arte es hacer algo creativo, nuevo y como en el arte hiperrealista no has creado algo nuevo, si no has copiado el mundo real, entonces es más barato que una obra de arte abstracto y donde tú has creado algo nuevo. Es obvio que no es fácil pintar cuadros realistas, pero tienen mucho merito por tu talento y habilidades los artistas que trabajan de esta manera.

Modesto Trigo, Amanecer

Pedro Campos, Día Caliente III

Entre los artistas del hiperrealismo son muchos, Claudio Bravo, Santiago Cardenas, Giancarlo Vitor, Pablo Cardoso, Ricardo Maffei, Helmut Ditsch, Pablo Patrucco,  Daniel Vargas, Peter Von Artens, Juan Luis San Miguel y Dario Morales.

Entre los artistas hiperrealistas de España están Antonio Lopez, Jose Manuel Cajal, Pedro Campos, Modesto Trigo y Javier Torices.  

Antonio, espero mi respuesta te ayude.

Augusto Chimpen

Angel Surichaqui, Manzanas, 2013

Manuel Cienfuegos, Dulce Espera, 2014

¿A qué movimiento pertenecen Piet Mondrian, Ellsworth Kelly y Keneth Noland?

Piet Mondrian, Composición en Amarillo, Rojo y Azul, 1927

Piet Mondrian, Cuadro I con Rojo, Negro, Azul y Amarillo, 1921

Theo van Doesburg, Composición en Mitad de Valores, 1928

Bart van der Leck, Composicion # 8, 1917

Quería saber exactamente como se le llama al estilo de arte de Piet Mondrian, Ellsworth Kelly y Keneth Noland, me gusta ese estilo y como no se mucho de este tema.  Andrea, Alicante, España

Estimada Andrea, para disfrutar más el arte que vemos en las galerías o museos es importante saber a qué movimiento pertenecen las obras que estamos observando. De esa manera podemos ver cuáles son los objetivos del artista y si los cumple al pie de la letra o varía un poco. Tú me preguntas por el estilo cuando en realidad deberías usar la palabra movimiento. Porque estilo es la manera que un artista trabaja, por ejemplo Joan Miro y Salvador Dali tenían diferentes estilos pero pertenecían al mismo movimiento, el surrealismo. Estilo es la manera que un artista trabaja, con colores oscuros, con pinceladas gruesas, en forma abstracta, estilo realista, o formas gruesas como Botero. Cada movimiento tiene ciertas especificaciones muy particulares.

Gerrit Rietveld, Casa Schroder, 1924

Gerrit Rietveld, Silla Roja, Azul Reconstruida, 1923

Gerrit Rietveld, Dormitorio

Ellsworth Kelly, Azul, Verde, Negro, Rojo, 2007

Piet Mondrian perteneció al movimiento De Stijl, palabra holandesa que significa El Estilo, se fundó en 1917 en Leiden, Holanda. De Stijl incluía arquitectura, diseño y las artes visuales por eso se dice que querían la integración de un arte total. Este movimiento buscaba la abstracción y la simpleza usando líneas horizontales, verticales, ángulos rectos, pintados con colores primarios (amarillo, rojo y azul) además el blanco y negro. Los artistas de De Stijl pensaban que trabajando de esta manera creaban un arte puro y universal con espíritu de paz y armonía. Al unir el arte, la arquitectura y el diseño fue el primer movimiento en hacer esto desde el Renacimiento. Los fundadores de este movimiento fueron Theo Van Doesburg, Piet Mondrian y Bart Van der Leck. Otros miembros fueron Gerrit Rietveld, Georges Vantongerloo, Jan Wils, Vilmos Huszar, y J.J.P. Oud. Los miembros de De Stijl tenían una revista que se publico hasta 1931 con sus ideas, teorías y sus diseños.

Ellsworth Kelly, Curva Roja en Relieve, 2009

Kenneth Noland, Comienzo, 1958

Kenneth Noland, Al Otro Lado del Turno, 1964

Omar Rayo, Embrión de Dragón XX, 1997

 Los artistas Ellsworth Kelly y Kenneth Noland pertenecen al movimiento Hard Edge Painting o "Borde Duro" en español. Este movimiento se fundó en 1958 en California.  Este movimiento es una oposición al abstracto expresionista que era más personal y donde el artista ponía se expresión emocional. El Hard Edge Painting es más frio, no hay figura, ni fondo, solo  hay una unidad plana, hay una economía de forma, plenitud de color, una ejecución muy impersonal y superficie lisas. En Hard Edge Painting los contornos de los colores están claramente definidos y está asociado con arte minimalista. Los principales artistas de este movimiento son: Ellsworsth Kelly, Kenneth Noland, John McLaughlin, Al Held, Karl Benjamin, Jack Youngerman y Lorser Feitelson. En Latinoamérica Omar Rayo pertenece a este movimiento.

Jules Olitski, Sueño Comprehensivo, 1965

Helen Frankenthaller, Verano Indio, 1967

Morris Louis, Serie Mientras II, 1960

Morris Louis, Magna Sin Titulo, 1960

Pero también Ellswoth Kelly y Kenneth Noland pertenecen a otro movimiento de arte llamado Color Field Painting, “Pintura de Campo de Color” en español. Como su nombre lo dice este movimiento tiene dos componentes, campo y color, rechazando ilusiones de profundidad. Tiene la particularidad de grandes campos de color de forma irregular con otras formas con otros colores. Los integrantes de este movimiento son Lack Bush, Jules Olitski, Larry Poons, Morris Louis, Helen Frankenthaler, Paul Jenkins y Gene Davis.

La diferencia más grande entre Hard Edge painting y Color Field Painting es que el Hard Edge Painting tiene formas más rectas y geométricas, Color Field painting es mas orgánica en presentación y no tan rígida en forma.

Espero mi respuesta te haya ayudado.

Augusto Chimpen

¿A un performance malo se le puede llamar arte?

Yves Klein, Salto al Vació, 2960

Yves Klein, Arte con Mujeres de Azul, 1962

En esta oportunidad requiero su ayuda para comprender sobre el o la Performance, pero no la performance que ya se conoce en la historia del arte...sino en un caso específico ¿Cuándo sabemos validar como arte un acto de performance? ¿Cuándo es o no una obra de arte del performance? La pregunta ocurre en torno a una gran Polémica, sobre un acto de Performance en un evento en mi ciudad Barquisimeto, específicamente en la Plaza Bolívar, centro de convergencia de los ciudadanos comunes.

“Erika Ordosgoitti, proveniente de Caracas, fue la protagonista por un espacio de 10 a 15 minutos- posó desnuda al lado de la estatua del Libertador Simón Bolívar"  así lo reseña el diario local El Informador. Para muchos significó una vulneración a su sistema de conducta moral por el hecho de posar desnuda o vestida, ante la estatua de un icono como lo es el héroe máximo de nuestra historia (ubicada sobre un pedestal a mas de dos metros de altura) y para otros confusión, puesto que el público común no supo descifrar si esto pudiese tratarse sólo de un acto de rebeldía o locura, sin sentido...pareciese descontextualizado por completo, no hubo asomo de una crítica a algo, de una postura por parte de la performancista, solo parecía un desnudo arbitrario en medio de la ciudad; la pregunta es ¿A esto se le puede llamar arte?

Este hecho provocó duras polémicas acusando a las instituciones de arte por la enseñanza de éste tipo de "escenas artísticas", falta de respeto, posiblemente con consecuencias legales, en fin. Por otra parte, aquí en Barquisimeto los partidarios del performance mantienen una línea en detrimento de la pintura, escultura o medios tradicionales que deben ser abolidos de las escuelas y universidades de arte.  ¿Algo tan destructivo puede ser arte? ¿Quisiera defender mi postura, pues no encuentro nada artístico, pero necesito su experiencia y su opinión acerca de este tipo de actos o excusas para supuesta-mente a hacer arte, o tal vez soy yo lo equivocada y mi postura es muy ignorante al respecto? Esté equivocada o no me encantaría pudiese aportarme luces para concretar desde su sabiduría como validar o no, este acto específico del performance.

Carolina, Barquisimeto, Venezuela.

Estimada Carolina, tu pregunta es muy válida, si algo es arte, en este caso una performance hecha por la artista Erika Ordosgoitti. Pero antes de responder tu pregunta quiero hablar sobre qué es una performance. Este movimiento artístico se origino mayormente en Estados Unidos y en Europa empezando en 1965. Los principales artistas de este movimiento son, Meredith Monk, Robert Wilson, Laurie Anderson, Vito Acconci, Chris Burden, Yoko Ono, Yves Klein, Niki de Saint Phalle  y el mexicano Guillermo Gómez Peña. En el performance tiene que haber creatividad, originalidad que es la base de todo arte, pero también tiene que haber improvisación.

Yves Klein, Antropometria, 1960

Yves Klein, Arte con Mujeres de Azul, 1962

http://www.youtube.com/watch?v=h50IzHh4T_g

Robert Wilson, Philip Glass, Einstein en la Playa, 1976

https://www.youtube.com/watch?v=b26E0D2pm1c

En el performance hay una interacción con la música, la poesía, el teatro, la poesía, cinematografía o la danza. Hablando de desnudos, Yves Klein, tenias unas modelos desnudas que se pintaron de su color preferido, azul ultramar, por ser el color cósmico y su color favorito. Las modelos después de estar pintadas casi completas con el color azul fueron a una tela y pintaron los movimientos de sus cuerpos en la tela, así pintando un cuadro con sus cuerpos de la performance. De esta manera usando los cuerpos de la mujer como pinceles. Yves Klein patento este color como el Azul Klein Internacional.    Este cuadro se vendió después como obra de Klein. Una de las obras más grandes del performance fue la opera Einstein en la Playa creada por Robert Wilson y Philip Glass donde Robert Wilson hizo la parte teatral y el escenario. Meredith Monk en Dancing Voices,  incluye el baile y el canto de una manera nunca vista antes, pero muy atractiva. Guillermo Gómez Peña hace performances sobre su identidad mexicana y el estereotipo mexicano hacia el norteamericano. La artista más grande del performance es Laurie Anderson, quien da conciertos con canto, música, videos y efectos especiales. El performance no se ha desarrollado mucho en Latinoamérica.

Robert Wilson, Nieve de la Mesa, 1995

https://www.youtube.com/watch?v=iBlm5AsOsaI

Meredith Monk, Voces bailables, 2010

https://www.youtube.com/watch?v=5OMYbyDeB1Y

En mi anterior pregunta respondo sobre la ética del arte, donde una obra de arte no debe ofender a nadie. Desde el momento que ofendes a alguien vas hacer noticia por la misma razón de la controversia.  Tu pregunta es cómo se valida o si algo es arte, o se le puede llamar arte. La respuesta es si la artista en este caso ha expuesto en alguna galería. La galería te certifica que lo que tú haces es arte, porque lo que venden las galerías es arte. Ahora que sea arte bueno o arte malo es otra cosa.

Guillermo Gomez Peña, Bienvenido al Tercer Mundo, La Pocha Nostra, 2004

http://www.youtube.com/watch?v=EdEF3Sg-5w4

Guillermo Gomez Peña, Borde Brujo, 1988-89

http://www.youtube.com/watch?v=txaY7ZAV5ck

Laurie Anderson,  O Superman, 1981

https://www.youtube.com/watch?v=Vkfpi2H8tOE

Ya que la artista Erika Ordosgoitti está respaldada por una galería donde ella vende fotografías de sus performances y videos y todo su arte es parecido desnudarse en lugares públicos. Pero como te dije anteriormente, tiene que haber creatividad e interacción con música, teatro, danza, videos, cinematografía, no solo desnudarse hace buen arte. Eso lo hace cualquiera. Hay que ver las razones, la originalidad y creatividad.  Carolina tienes que aceptar que lo que hizo esta artista es arte, porque está en venta en una galería su performance. Pero que sea buen arte eso es otra pregunta que tiene más importancia. 

Gracias espero que mi respuesta sea de tu agrado.

Augusto Chimpen

¿Hay ética en el arte?

Caravaggio, Muerte de la Virgen, 1606

¿Cuáles son los límites éticos del arte? Y ¿El aporte que ella hace a la ética? Gloria, Chiclayo, Perú

Estimada Gloria, en el arte hay una sola regla y es que no hay reglas. Todo está permitido en el arte, ahora depende de cada artista y su moral de hacer obras que no ofendan a nadie.  Como decía Leonardo da Vinci, “el arte debe ser universal’.  Esto quiere decir que el arte debe ser entendido y sentido por todos sin excepción de cultura. Claro en su tiempo se pintaba realista y por eso decía que el arte debe ser la exaltación de la belleza natural. Por esta razón da Vinci decía que la “la pintura es hija de la naturaleza y pariente de Dios”.

En nuestros días el arte ha evolucionado y tenemos arte abstracto, arte geométrico, arte conceptual que no es basado en la naturaleza. Pero queda que el arte debe ser universal. Los límites éticos del arte, es que no ofenda a nadie. Pero en el arte no hay ética por que el artista es quien hace el arte y se basa en sus gustos e influencias. Pero han habido casos que el arte a ofendido a sectores de la sociedad.  Uno de los casos más sonados fue el de Andrés Serrano quien hizo una fotografía Cristo en Orina, aunque el también hizo, Satanás en Orina, como diciendo no me influencio de ninguno de los dos. La fotografía de Cristo en orina le causo mucha controversia, porque ofendía a los seguidores de Cristo. Serrano no uso ética aquí. El arte no debe ofender a nadie.

En otro caso más reciente, la policía decomiso de una exhibición una fotografía del cantante Elton John por ser pornografía de niños. De una artista  famosa que no voy a decir su nombre para no hacerla más grande. Pero en la fotografía se ven las partes privadas de una niña jugando con otra niña donde esta vestida sugestivamente y se le ve parte del pecho. Están jugando casi inocentemente. El arte tiene límites, si no todo seria arte y no puede ser así. Esa fotografía de arte no tiene nada, pero es hecha por una artista, entonces valida que es arte.

Hay galerías y museos que nunca enseñarían esa clase de arte. Pero en este mundo también encuentras galerías y museos que están dispuestos a mostrar esa clase de arte.

Otro artista hizo una obra de la Virgen María y uso heces de elefantes en la obra, donde supuestamente tiro las heces al cuadro pintado. Para esto el alcalde de New York le dijo a un museo que le cortaba el apoyo financiero al museo si traía a ese artista con esas obras. Una vez vi en una galería en New York una virgen con un velo hecho de condones. La imagen se veía muy bonita, pero ofendía a los cristianos. Y el artista nunca debió hacer algo así.  

En tiempos pasados Caravaggio pinto Muerte de la Virgen basada en su modelo y amante que era una prostituta y la iglesia rechazo ese cuadro de la Virgen por esa razón.

Uno como curador también pone sus reglas de lo que es bueno y lo que no es bueno. Yo nunca haría una crítica de obras como estas, porque creo que hay buen arte que necesita más espacio.

Así que en el arte no hay ética, depende de cada artista y de la gente de criticar y decirle al artista no hagas estas cosas porque ofendes.  El arte no hace ningún aporte a la ética.

El arte no es para cambiar el mundo, el arte es para embellecer el mundo.

Gloria espero que mi respuesta te haya gustado.

Augusto Chimpen

¿Qué tan difícil es para un artista nuevo el ser reconocido?

Cecilia Avendaño,  Fig 6. Serie Pride, 2009

Cecilia Avendaño, Respiracion 20, 2011

Erick Sanchez, El Viento ya no Esta a Favor, 2011

Erick Sanchez, Ahora lo Tuyo no te Pertenece, 2011

¿En que se basa un historiador o curador para juzgar la obra de un nuevo artista plástico y poder reconocerlo como tal?  ¿Qué tan difícil es para un artista nuevo el ser reconocido? Patricia, Sonora, México

Estimada Patricia, no es fácil ser reconocido por los curadores de museos. Solo pocos artistas llegan a ser reconocidos por los museos importantes.  En el arte hay una infraestructura que está compuesta en el primer nivel por las galerías de arte. En cada ciudad importante hay dos o tres buenas galerías como máximo. Entrar a una buena galería es muy difícil. Uno tiene que ser muy bueno. Si a la galería le gusta tú obra tendrás una primera exhibición y solo si vendes muy bien te quedaras en la galería. Cuando esta galería te acepta tendrás una exhibición cada 3 o 4 años. En el segundo nivel está compuesta por los críticos, medios de comunicación, diarios y revistas especializadas tales como Art Nexus, Art News, Aperture en fotografía, Arte al Dia, Art Motiv y otras revistas de arte. Pero solamente artistas buenos reciben críticas en los medios de comunicación. En el tercer nivel están las bienales y ferias de arte. La bienal de Venecia la más importante del mundo, pero solo van uno o dos artistas de cada país. La bienal de La Habana la más importante de este continente nuevamente solo  3, 4 o 5 como máximo. Asimismo está la bienal de Sao Paulo que es de renombre e importante. Los buenos artistas van a todas estas bienales. Entre las ferias de arte están ArteBA en Buenos Aires, ArteBO en Bogotá, Pinta en New York, ArteAmericas y Art Basel en Miami, Ch.ACO en Santiago de Chile, CIRCA en Puerto Rico y ARCO en Madrid,  las galerías llevan solo 3 o 4 artistas, de los 25 o 30 que representan y solo van las mejores galerías a estas ferias. Una o dos de cada país. En estas ferias se internacionalizan algunos artistas que galerías extranjeras se interesan. En este nivel también están las monografías de los artistas y sus páginas web.

Giancarlo Vitor, Avenida, 2011

Giancarlo Vitor, Karaoke, 2011

Rafael Gomez Barros, Casa Tomada, 2010

Rafael Gomez Barros, Casa Tomada, 2010

Cuando tú expones en galerías importantes de varios países y tienes bastantes criticas en diferentes medios de comunicación, recién los museos que son el cuarto nivel se interesan por ti. Si varios museos importantes como el MOMA de New York, el Tate Modern de Londres, El Art Institue of Chicago, compran tu obra entonces vienes a ser un artista importante. Hay miles de artistas que no tienen obras en estos museos y son buenos artistas. Porque no hay sitios para todos. No tener una obra en estos museos no quiere decir que seas malo. Lo que pasa es que no has traído algo nuevo.

Pero nadie salta de ser desconocido a los museos. Hay un periodo de tiempo que el artista tiene que pasar y eso toma años. El proceso de ser reconocido es largo y arduo. En algunos artistas fue más rápido, el caso de Christo, Jean Michel Basquiat, y  Warhol, pero estos han sido genios del arte. Solo unos cuantos llegan a los buenos museos. Solo los artistas de primera categoría tienen exhibiciones en estos museos. Como te podrás dar cuenta es difícil para un nuevo artista ser reconocido, es un largo trecho y muy difícil de llegar. Pero para uno que tiene talento, no se hace difícil.

Sandra Gamarra, The Guest XIII, 2009

Sandra Gamarra, Otras Fuentes III, 2009

Geovanny Verdezoto, Vivant, 2011

Geovanny Verdezoto, Vivant, 2011

Cristian Segura, Valijita de ex Director de Museo, 2003

Cristian Segura, Libros Sonoros, 2007

Para responder tu pregunta en que se basa un historiador de arte o curador, para juzgar a un nuevo artista plástico y reconocerlo como tal. Primero tiene que tener estética, segundo tiene que traer algo nuevo, algo nunca visto, tercero tiene que ser original y tener su lenguaje visual propio o su estilo propio. Cuarto tiene que decir algo, tiene que haber un dialogo entre la obra y el espectador, así sea abstracto, los colores y las formas hablan y dan sensaciones especiales. Una obra de arte que no da una emoción, no dice nada y no solo de estética, es una buena obra.

Entre los artistas jóvenes que tienen estas características y que van a llegar lejos te puedo nombrar a Cecilia Avendaño, Erick Sánchez, Giancarlo Vitor, Sandra Gamarra, Rafael Gómez Barro, Geovanny Verdezoto y Cristian Segura.

Espero que mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen

¿Porqué a Van Gogh no se le reconoció su gran talento en vida?

Van Gogh, Comedores de Papas, 1885

Van Gogh, Naturaleza Muerta con Biblia, 1885

Van Gogh, Craneo Fumando un Cigarrillo, 1885

¿Porqué a Van Gogh no se le reconoció su gran talento en vida? Juanma, Andalucía, España

Estimado Juanma, Van Gogh pinto más de 900 cuadros durante su vida, de los cuales 27 son autorretratos, pero solo vendió una obra, fue la obra La Viña Roja, 1888 y fue vendido por 400 Francos que seria $351 dólares hoy día. Theo van Gogh, hermano menor era quien vendía su obra y era él quien lo mantenía con dinero. De esa manera Vincent van Gogh se podría dedicar a pintar solamente. Theo era vendedor de arte y trabajo en La Haya en Goupil & Cie que era como una galería de arte. Goupil & Cie vendían obras de Charles François Daubigny, Camille Pisarro, Claude Monet y de Vincent van Gogh. Daubigny era pintor del movimiento de la Escuela de Barbizón y fue precursor del Impresionismo. Mientras que los otros artistas vendían poco, Van Gogh no vendía nada. La razón por la cual no vendía era porque la gente no entendía su obra. Van Gogh estaba muy adelantado a su época. Sus pinceladas eran más gruesas que las de los impresionistas. La imagen realista a la que la gente estaba acostumbrada se estaba deshaciendo muy rápido y no entendían eso. Por eso el arte es un proceso largo de cambios continuos.

Van Gogh, Los Zapatos, 1886

Van Gogh, Melocotonero en Flor, 1888

Van Gogh, La Viña Roja, 1888

Pero no te olvides que Van Gogh murió joven a los 37 años. Claude Monet vivió 86 años, Camille Pisarro vivió 73 años y Charles Francios Daubigny vivió 61 años. Monet al principio no vendía, el mundo se resistía a comprar algo nuevo y diferente. Pero Monet, el fundador del Impresionismo también fue pobre en varias ocasiones de su vida, por la misma razón que vendía poco. Hasta que en 1888 las pinturas de Monet vinieron a ser famosas y allí vino a ser rico. Pero tomo tiempo, porque el impresionismo empezó en 1870. Lo que pasa es que Monet vivo más tiempo y pudo ver el fruto de su trabajo. Van Gogh no pudo ver el fruto de su trabajo porque murió a los 37 años de edad.

Van Gogh, Jarron con 12 Girasoles, 1888

Van Gogh, El Cafe Nocturno, 1888

Van Gogh, El Dormitorio en Arles, 1888

Lo que hay que notar es que Van Gogh fue autodidacta y estudio arte en 1881, con un primo Anton Mauve. Van Gogh recién empieza a pintar acuarelas en 1882. Su primera obra importante fue Los Comedores de Papas, 1885 y el murió en 1990. Así que su carrera como artista duro solo  5 años. Aparentemente su última obra fue Campo de Olivos con Cuervos, 1890.

Van Gogh, Irises, 1889

Van Gogh, Campo de Trigo con Cipreses, 1889

Van Gogh, La Noche Estrellada, 1889

Así que Juanma, para recapitular, van Gogh no fue reconocido por dos razones. Primeramente la gente no estaba preparada para entender su obra, tal como le paso a Claude Monet y porque murió muy joven. Si van Gogh hubiera muerto de 65 años si hubiera visto su obra reconocida y vendida.

Van Gogh, Terraza de Cafe por la Noche, 1888

Van Gogh, Autorretrato, 1889

Van Gogh, Campo de Trigo con Cuervos, 1890

Ahora obras de van Gogh son codiciadas por museos y coleccionistas. Su obra Jarrón con Quince Girasoles fue vendido en 39.5 millones de dólares. Las Irises fueron vendidas en 53.9 millones. Autorretrato sin Barba, se vendió en 71.5 millones y Retrato del Doctor Gachet en 82.5 millones. Cualquiera de sus 900 obras cuestan decenas de millones de dólares. Por eso uno debe estar al tanto de lo nuevo, aceptarlo y comprarlo. Comprar buen arte es la inversión más grande que uno puede hacer.

Espero que mi respuesta te agrade.

Augusto Chimpen