Me podrías hablar sobre la cerámica japonesa Jomon

                                                             Jomon, 2,500 AC.

Jomon, 500 AC.

Me podrías hablar sobre la cerámica japonesa Jomon. Alberto, Buenos Aires, Argentina

La cerámica más antigua del mundo es la de Jomon. La palabra Jomon significa "marcas de soga" que caracteriza las cerámicas que hizo esta civilización.  La mas impresiva, mas elaborada y más linda cerámica es de la época Neolítica japonesa que duró 13,500 años fue del periodo Jomon que abarcó desde 14,000 hasta 300 AC. Cuando nosotros pensamos de civilizaciones prehistóricas Neolíticas pensamos en hombres vestidos con piel de animal, con hachas buscando que cazar para comer. En la cultura de Medio Jomon tenían trampas para cazar animales, viajaban en botes, eran excelentes pescadores, cazadores y recolectores de alimentos. Vivían en casas con una fogata en el medio que era usado para cocinar, como iluminación y como calefacción.

                                                                        Jomon 3000 AC.
                                                     
Siempre las cerámicas de una cultura reflejan sus alrededores naturales. La cultura Jomon estaba asentada por el buen clima, la abundancia de comida, por estar en paz y por esta razón tenían mas tiempo para el ocio. Sus vasijas se hacían más grandes porque había más bocas que alimentar en las familias. Por los restos se sabe que sus comidas eran ahumada, asada, seca y hervida. Por primera vez había una amplia variedad de variedades, ollas verticales para cocinar y almacenar, cerámicas para cocinar, recipientes de cuello estrecho para cocinar al vapor. La cerámica hecha en el periodo Jomon es un espejo que hacían su cerámica para cocinar, almacenamiento, ritual y su forma de vida en general.

                                                                     Jomon 2000 AC.

El embellecimiento de la cerámica Jomon es tambien una reflexión de su estado mental psicológico buscando riqueza en forma y estética. La extravagancia de la cerámica muestra que las personas Jomon ponen énfasis en la creación de los recipientes y se vuelven sofisticados en su gusto debido a su tiempo libre.

                                                                     Jomon 3,000 AC.


Gracias a su bendición en la comida y al buen clima, pudieron expresar su buena fortuna en sus recipientes, creando ollas de cocina elaboradas, tarros de almacenamiento para mantener sus alimentos secos, ollas y platos para comer, botellas y tazas para almacenar y beber agua.
El balance y la armonía de sus simétricas cerámicas es una reflexión que eran una cultura pacifista. Ellos se ayudaban en lugar de conquistar los territorios de otros y esta estabilidad puede ser entendida viendo sus cerámicas. También hay indicaciones que la cultura Jomon estaba cuidando a los discapacitados en lugar de echarlos. Se ha recuperado esqueletos de discapacitados de adultos de edad avanzada.  El impacto del buen clima tiene relación con los cambios de subsistencia de la manera que ellos hacían su cerámica, para cocinar, para sus ritos y comercio de alimentos con otras comunidades.

                                                                     Jomon, 2,500 AC.

Durante tiempos de la cultura Jomon, la gente tenia que viajar menos para cazar, había mucha comida, si dieta incluía, ciervos, jabalíes, mariscos, y plantas no cultivadas como nueces, castañas, bayas, hongos y bellotas para su supervivencia. Había muchos suministros y la gente no tenia que migrar para encontrar comida. Algunas comunidades vivían cerca de ríos y eran buenos pescadores, su dieta incluía por lo menos 50 especies de los ríos y de la costa y peces de aguas profundas como delfines, se ha encontrado aceite de delfín pegado en sus ollas.

                                                                 Jomon 1,200 AC.

Para sus pescas ellos usaban anzuelos y arpones para cazar los mamíferos, se han encontrado varias canoas de la cultura Jomon que se han desenterrado y recuperado.   Como cazadores la cultura Jomon tambien tenían avances, ellos barnizaron sus flechas de arco de un metro de longitud y podían perforar un hueso de pelvis de cerdo.

                                                                Jomon, 3000 AC.

Se ha confirmado la presencia de cultivares encontrados en el montículo de los primeros jomon, esto incluía frijoles, bardana y otras hierbas como semillas de trigo encontradas. Como la comida era abundante, la sociedad tenía suficiente estabilidad para darse el tiempo de crear vasijas utilitarias grandes, ornamentadas y decoradas.

                                                        Jomon, 3000 AC.


Otra razón por la cual la cultura Jomon era sedentaria era que ellos crearon fosas de almacenamiento de comida y que eran muy común y guardaban nueces y otros alimentos secos. Estas fosas tenían 2 metros de profundidad y de ancho y eran usados todo el año.

                                                                     Jomon 2500 AC.


La zona de Sannai Maruyama es la más grande encontrada de la cultura Jomon, donde se han encontrado 600 viviendas, 100 edificios de piso elevado, 800 fosas de almacenamiento, 900 tumbas infantiles y 400,000 cajas con artefactos, herramientas de piedra y hueso, gran cantidad de restos de animales, tela tejida y semillas. Estos restos demuestran cómo vivián, su estructura social y su cerámica.

                                                              Jomon, 3000 AC.

 Sus cerámicas son orgánicas en naturaleza y forma y en la mayoría de los casos zoomorfos. Podemos ver que su cerámica es simétrica, elegante, con armonía, escultura y balanceada. La cerámica Jomon era influenciada por el medio ambiente que era lindo, montañas, ríos, plantas, arboles, donde mas del 70% de la tierra de Japón es bosque.

                                           Jomon 2,500 AC.

Espero haber respondido tu pregunta Alberto.

Augusto Chimpen

¿Qué es el arte alternativo?

Marcia Resnick, David Byrne, 1981

Marcia Resnick, Andy Warhol, 1978

Marcia Resnick, James Brown, 1981

¿Qué es el arte alternativo? Gretel, Ensenada Baja, California

Gracias por tu pregunta Gretel. Arte alternativo no es un movimiento es una manera de trabajar y hacer cosas diferentes a las establecidas por la infraestructura del arte, que son las escuelas de arte, galerías, museos y las críticas de historiadores de arte.

Futura 2000, Sin Título, 1985

Futura 2000, El Arrebato, 1989

Futura 2000, Dedo de Oro, 2016

Arte alternativo es que algunas instituciones sin fines de lucro de artistas que se formaron en New York a principios de los años 1970.  Porque no entraban a museos ni galerías, por eso se formó estas instituciones con artistas femeninas, afroamericanos, latino y asiáticos. Ellos formaron tambien galerías para presentar sus obras y ser conocidos. 

Robert Mapplethorpe, Orquídea, 1982

Robert Mapplethorpe, Lirio de Cala, 1987

Robert Mapplethorpe, Anémona, 1989

Mayormente arte alternativo tambien es basar el arte en lo que pasa en la sociedad. Con el arte alternativo ahora tú puedes encontrar obras de arte que se venden en restaurantes, salones de belleza, igualmente en las redes sociales en facebook o Instagram. Hay algunos artistas que no usan galerías para vender su obra. Las galerías están cobrando el 50% del precio que es mucho y por esa razón algunos artistas ya no quieren usar galerías para vender sus obras. Los artistas ya establecidos no quieren pagar 50% sino menos porque ellos no necesitan galerías para vender sus obras.

Keith Haring, Sin Título, 1985

Keith Haring, Sin Título, 1987

Keith Haring, Sin Título, 1989

Quizás la historia mas importante del arte alternativo fue la de Michael Basquiat, que estuvo en una exhibición New York, New Wave en la galería  PS1 en Long Island, organizada por Diego Cortez en 1981. Los organizadores invitaron a varias galerías de New York. La reconocida galería Annina Nosei  llevo a Jean Michael Basquiat al sótano de su galería y le pago $10,000 mensuales para que pinte y sea su artista.

Nan Goldin, Nan un Mes Después de Ser Golpeada, 1984

Nan Goldin, Gina en la Fiesta de Bruce, 1991

Nan Goldin, Guido en el Muelle, 1998

Cuando Basquiat tenía 21 años en 1982, pintó un cuadro Sin Título, (está ilustrado abajo) que fue vendido por en la galería por $4,000. Esta obra fue vendida en 2017 por $110.5 millones en Sotheby’s.

Jean Michel Basquiat, Sin Título, 1981

Jean Michel Basquiat, Sin Título, 1981

Jean Michel Basquiat, Sin Título, 1982

Muchos artistas se han hecho famosos en la exhibición New York, New Wave, Basquiat, Marcia Resnick, Futura 2000, Robert Mapplethorpe, Keith Haring y Nan Goldin.

El arte alternativo se sigue transformándose dentro de la historia del arte. Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen

Me puedes hablar de la pintura El Baño de Mary Cassatt

Mary Cassatt, El Baño, 1892

Mary Cassatt, Niño Alcanzando una Manzana, 1893

Me puedes hablar de la pintura El Baño de Mary Cassatt, Leandra, México DF, México 

Gracias por tu pregunta Leandra. La maternidad es la relación más importante que una mujer puede tener con su hijo. Esta relación será magnificada a través de sus vidas. La representación de este tema ha sido documentada en diferentes matrices por artistas mujeres, a lo largo de la historia del arte. De hecho, una de las primeras esculturas hechas en la civilización, la Venus de Willendorf, invoca el argumento de la fertilidad. En contraste, el tema de la paternidad es casi inexistente, por homólogos masculinos a través de la historia del arte.  Sin embargo, la opresión patriarcal en la esfera pública y el control de las artes ha estado allí probablemente desde el comienzo de la civilización.

Mary Cassatt, La Fiesta del Canotaje, 1893-94

Mary Cassatt, Un Beso Para la Niña Anne, 1897

Desde finales de la década de 1960, los artistas feministas han intentado atreverse al sistema patriarcal con un arte que ha desafiado el rígido arte masculino del sistema. Han tenido éxito hasta cierto punto, pero aún hay más trabajo por cumplir.

Mary Cassatt, Desayuno en la Cama, 1897

Mary Cassatt, Después del Baño, 1901

 Mary Cassatt fue una artista muy respetada en su época y miembro del grupo impresionista. Cassatt, como la mayoría de las mujeres de su época, se limitaba a los espacios de feminidad, que eran los interiores, los dominios domésticos y los jardines. La idea de la maternidad y la esfera privada fue impuesta por la sociedad patriarcal. La contraparte masculina usó temas en los dominios públicos y principalmente para la mirada masculina utilizando a las mujeres como un objeto visual de consumo, creando así una dicotomía de representaciones por género. Cassatt creó imágenes universales de humanismo raramente vistas en la historia del arte. Ella enfatizó particularmente las imágenes familiares en la relación madre-hijo. Irónicamente, nunca tuvo hijos, pero el amor materno fue el tema principal de su trabajo. Esto significa que ella era una gran observadora de la vida a su alrededor y podía cumplir muy bien sus intenciones en su trabajo.

Mary Cassatt, Madre e Hija, 1905

Berthe Morisot, En la Villa a la Orilla del Mar, 1874

Mostró los placeres y alegrías de cuidar y criar a un niño con tal naturalismo, que sus intenciones se trasmiten al espectador. Ella fue influenciada por Degas y por la fotografía en la espontaneidad y forma de imposición de sus temas. Nunca miran al espectador, son casuales y van en sus actividades particulares. Ella estuvo casi influenciada por la exposición de grabados japoneses que se mostró en París en 1890.

Berthe Morisot, La Lección de Costura, 1884

Debido a su adinerada familia, su trabajo mostraba a madres burguesas cuidando a sus hijos. a mediados del siglo XIX, la economía florecía en Francia y había una gran sociedad burguesa. Las sirvientas se ocupaban de la mayoría de los hogares burgueses con niños, pero Cassatt pintaba a las madres con sus hijos, definiendo el papel de las madres con sus hijos. Ella desafió al sistema de arte con su forma de trabajar, ya que usó diferentes medios usando pasteles y grabados en sus mejores trabajos. Sus obras artísticas fueron producto de la opresión de la dominación masculina, ya que las mujeres en ese momento eran homogéneas en su dependencia de sus esposos. Esta es una de las características del feminismo material. Todo su trabajo, así como el de su colega impresionista Berthe Morisot, fue en relación con el feminismo material.

El Baño 1892, 100.3 cm × 66.1 cm, se encuentra en el Art Institute of Chicago.  es una de sus obras más representativas, representa la esfera de la mujer a finales del siglo XIX en Francia: el dominio domestico de la familia burguesa y la madre que cuida a sus hijos. La textura y el patrón del vestido de la madre es una atracción en sí misma, obliga al ojo a mirar y encontrar belleza en un simple vestido a rayas.

Berthe Morisot, Madre e Hija, 1894

Berthe Morisot,  La Cuna, 1872 

El rico adorno en la decoración de la habitación, como el papel de la pared en el lado izquierdo, la cómoda decorada y la alfombra oriental, establecen los estándares para el estatus social de la familia. El abrazo protector de la madre asegurando al bebé en sus piernas, mientras que la otra mano lava los cautivadores pies de la niña. Los tonos bien equilibrados de la piel de la niña son de excepcional realismo. Lo natural en el que tanto la madre como la niña interactúan en sus movimientos y gestos es muy natural. Te hace pensar que está pintado a partir de una fotografía por la toma y los recortes que son de una fotografía en los 4 lados de la madre. La vista aérea dada en este lugar de trabajo coloca al espectador en la misma sala que ellos al lado de la jarra blanca.

La madre y la hija están viendo la vasija donde la madre le lava los pies a su hija. Esto lo hace así Cassatt para hacer el punto de vista de la madre, la hija y del espectador. La madre tiene la boca ligeramente abierta como si le esta diciendo algo. Las dos cabezas están juntas haciendo esto una manera física de amor. La niña, pone su mano izquierdo en la rodilla de su madre apoyándose para mantenerse derecha. Esta mano esta abierta como la de su madre que la aguanta en la cintura. La otra mano de la niña que se agarra la pierna tiene la misma forma de la mano de la madre lavándole el pie. Esto lo hizo Cassatt para decir que la hija seria igual que la madre.  Mandando un mensaje subliminal de amor tanto de madre a hija, como de hija a madre  y el futuro de la niña.

Espero mi respuesta sea de tu agrado.

Augusto Chimpen

Me podrías leer la Anunciación de Botticelli de San Martino de la Scala

                   Sandro Botticelli, Anunciación della Scala, 1481

Me podrías leer la Anunciación de Botticelli de San Martino de la Scala.  Verónica, Lima, Perú

Gracias por tu pregunta Verónica. Fresco es una clase de pintura de mural, que fue la primera actividad artística de la humanidad. Estas son encontradas en las cuevas de Altamira y Lascaux, 17,000 BC. Los frescos fueron muy populares en el Renacimiento y el precio dependía del tema, número de personajes en la obra, el número de asistentes que el artista tenía, quien suplía los materiales, el tamaño y la fecha de terminación.

                     Sandro Botticelli, Anunciación, 1485-92

Pintar un fresco era muy dificil porque la pared tenia que estar preparada por los alumnos del artista. Por las implicaciones del yeso húmedo tenía que ser pintado de arriba hacia abajo. Uno de los más impresionantes frescos es el Andrea Mantegna, Camera degli Sposi por el ilusionista y escorzo como lo principal del mural. El mural más importante es La Última Cena de da Vinci.

El fresco de la Anunciación del Sandro Botticelli 1444-1510 fue hecho en la logia de la iglesia del hospital Sant Martino della Scala en Florencia. El fresco se daño en el siglo XXVII y en 1920 fue sacado y trasladado a la Galería degli Uffizi. La fecha del fresco es conocida por documentos de dos pagos hechos a Botticelli para la Anunciación el 8 de abril y el otro el 8 de mayo de 1481.

                  Sandro Botticelli, Anunciación, Cestello, 1489

La iconografía del fresco representa una muy importante narrativa basada en la Biblia de Nuevo Testamento. Lucas 1:26-36. Cuando el Arcángel Gabriel, le da el mensaje a a Virgen María, que ella va a tener un hijo con la intervención del Espíritu Santo. Gabriel significa “Dios es mi fortaleza” y es el guardián del tesoro celestial, es el Ángel de la redención y el principal mensajero de Dios.

Esta narrativa religiosa era muy conocida en el Renacimiento y fue hecha por cada artista de ese tiempo y en diferentes versiones por el diferente patrocinio. No solamente las comisiones de la iglesia, pero también de las poderosas familias ricas como los Medici en Florencia, Este en Ferrara, Sforza en Milán, Cornaro en Venecia y los Gonzaga en Mantua.

                  Sandro Botticelli, Anunciación, Glasgow, 1490

En el fresco Gabriel entra en el patio e interrumpe a María que esta leyendo en el libro de Isaías 7:14, 14 “Por tanto, el Señor mismo os dará una señal: He aquí, una virgen, concebirá y dará a luz un hijo, y le pondrá por nombre Emmanuel”. (El nombre de Emmanuel significa, “Dios está con nosotros”). Ella pensó, que bendita la mujer de quien están escritas estas palabras y en ella se cumplió la profecía.

Este fresco es de tamaño natural, 243X550cm. Y hecho de acuerdo con el modelo de sus otras anunciaciones, el Arcángel Gabriel a la izquierda y María en la derecha.  Gabriel esta en el aire en el patio y su túnica representa movimiento por que parte de su capa esta flotando. La cara del Arcángel está en éxtasis y es la cara más linda y poética hecha por Botticelli o cualquier otro artista, incluyendo el Gabriel de da Vinci . El está mirando hacia abajo en símbolo de humillación, con sus brazos cruzados, llevando un lirio, que es símbolo de pureza, maternidad y fertilidad. La flor esta inclinada por la acción del viento y el movimiento. El color de la capa de Gabriel es de mismo color muro del jardín. Esto fue hecho para atraer la vista del observador hacia atrás. A la izquierda de Gabriel salen unos rayos de luz que representan al Espíritu Santo, como está representado en otras Anunciaciones. Los rayos de luz están hechos con pintura bañada en oro. Otros artistas que hicieron esta pintura religiosa usaron una paloma para representar al Espíritu Santo, esto no es inusual pero no se hace a menudo.

                     Fra Angelico, Anunciación, 1437-46

Hay arboles visibles en la parte de afuera y del “hortus conclusus” huerto cerrado por paredes, que simboliza la virginidad de María.  Se ve la perspectiva aérea como es habitual con sus anunciaciones. Otro patrón de Botticelli es que Gabriel y María tienen su propio espacio. Mientras que Gabriel está casi en un escenario al aire libre, la Virgen está en su habitación, en un ambiente privado. Debido a que Gabriel todavía está en el aire, su cuerpo está inclinado y con las paredes inferiores del jardín hay una forma de triángulo, con el propósito de llamar la atención hacia el paisaje y dar la ilusión de profundidad. Esto hará evidente el contraste exterior-interior.

La configuración del fresco es una composición simétrica separada por una pilastra pintada que le da un poco más de espacio a la virgen, ya que ella es más importante. En la habitación hay sensación de tranquilidad, pulcritud y organización.

En el patio debajo de Gabriel hay 2 círculos que significan la eternidad y Dios, como una fuerza eternal y el cielo por la perfecta simetría y su equilibrio invariable. Como emblema de Dios representa su perfección y su poder ininterrumpido. La habitación de María está decorada con un patrón de losas cuadradas. El cuadrado es opuesto al círculo, y representa la tierra, las 4 estaciones, las 4 direcciones del compás, las 4 edades del hombre y los 4 elementos, el fuego, la tierra, el aire y el agua.

                                      Joos van Cleve, Anunciación, 1525

El triángulo equilátero formado por las cortinas donde María esta sentada, simboliza la Trinidad por la misma dirección en sus lados. La Virgen se representada con gracia y ella estaba leyendo la Biblia y está al lado del atril. La cara de María está en perfil de tres cuartos con sus ojos cerrados y su cabeza ligeramente agachada de una manera sub misiva y parece pasiva.

La reacción de la Virgen de la entrada de Daniel es de timidez con un movimiento humilde de sus brazos.  Cuando Gabriel aparece delante de ella, la Virgen está sentada, como si fuera incapaz de levantarse, todo el peso de su misión ya estaba sobre ella. Nosotros sabemos que Gabriel no le ha dado el mensaje a María porque el tiene que estar arrodillado con el gesto de bendición.

La virgen María tiene una capa azul que simboliza humildad, el vestido rojo simboliza amor y sufrimiento, el velo blanco simboliza virginidad y modestia. El jardín con muros, “hortus conclusos” simboliza su virginidad. Ninguno, ni Gabriel ni María tienen aureolas, de las 6 versiones que Botticelli hizo solo 2 versiones no tienen aureolas, la de San Martino y la de la colección Hyde.

                         Rafael, Anunciación, 1502-04     
                                                          

En la pintura de Leonardo da Vinci, la Virgen María acepta el anuncio de Gabriel porque su antebrazo esta extendido con el gesto de bendición. La versión de Botticelli de la Anunciación de Cestello, es una de sus más impresivas versiones, por su excelente estado de trabajo y de su enfoque altamente religioso. Donde Gabriel está arrodillado y bendiciendo a María.  Aunque el espacio de María es más pequeño que el de Gabriel la proeza de esta pintura es la interacción religiosa muy intensa entre Gabriel y la Virgen. Ella está aceptando el mensaje con humildad y timidez.

En este fresco Botticelli enseña las influencias del Renacimiento del norte poniendo énfasis en el paisaje idealizado, el rio, roca cortada y los árboles, esto fue hecho para representar la técnica de perspectiva aérea de la cual Leonardo vendría a ser un maestro. Porque Botticelli era un pionero del retrato, otra influencia del norte, por esta razón Botticelli fue el principio del Alto Renacimiento.

                                Leonardo da Vinci, Anunciación, 1472-75

El propósito de Botticelli no es solamente el evento de la Anunciación, pero el mundo terrenal en el que Dios entra. El artista usa una alfombra oriental donde la Virgen tiene sus pies. El simbolismo de este objeto es la oposición entre judaísmo y cristianismo, entre la sinagoga y la iglesia. Este fresco está lleno de simbolismo y Botticelli usa el tremendo espacio para experimentar con diferentes objetos y está usando el medio a su favor.

                         Andrea Mantegna, La Camara de los Esposos, 1465-74

La fortaleza de la Anunciación de Botticelli de San Martino es el simbolismo, la armonía, la tranquilidad de la composición y la relación de exterior y lo terrenal celestial. La belleza de la obra no pone en peligro el sentimiento religioso de que la obra emana.

Espero mi respuesta sea de tu agrado.

Augusto Chimpen