¿Cuáles son los artistas que más te conmovieron?

Alberto Durero, Rinoceronte, 1515

Francisco de Zurbarán, Limones, Naranjas y Rosa, 1633

Pieter Claesz, Para el Desayuno, 1648

¿Cuáles son las obras que más te emocionaron o conmovieron? Jorge, Rio Cuarto, Córdoba, Argentina

Gracias Jorge por tu pregunta personal. Yo soy coleccionista, tengo algunas obras, creo que todo historiador de arte, curador y crítico tiene que tener algo. Pero hay muchas obras que me gustan, pero voy a ser compacto. Voy a hacerlo en forma cronológica. Una obra que me emocionó mucho es un grabado de Alberto Durero, Rinoceronte, que lo hizo con una descripción escrita y un conciso boceto de un artista desconocido. El rinoceronte llegó a Portugal como regalo de un sultán de la india para un gobernador de la India Portuguesa. La descripción del rinoceronte está en la parte de arriba.  

Johannes Vermeer, Muchacha de la Perla, 1665

Henri Rousseau, La Gitana Dormida, 1898

Claude Monet, Impresión: Sol Naciente, 1872

No puede faltar un bodegón de Francisco de Zurbarán, Limones, Naranjas y una Rosa, quien empleo mucho el claroscuro y el misticismo en su obra. Aunque el nombre de la obra dice limones, son cidras, que son un poco más grandes. Esta obra podría ser un homenaje a la Virgen María, las cidras simbolizan fidelidad, la canasta de las naranjas simbolizan virginidad y la rosa simboliza el amor. Como el bodegón tiene tres partes simbolizan la Santísima Trinidad. Pero se han hecho estudio de rayos X que demostraron que Zurbaran había pintado un plato de batatas, confitadas, que era un dulce de la época. Por tanto la interpretación religiosa se cae y solo trato de pintar belleza en su bodegón.

Claude Monet, Puente Japonés, 1897

Marcel Duchamp, Rueda de Bicicleta, 1912

Pablo Picasso, Retrato de Dora Maar con Gato, 1941

Me gustan mucho los bodegones así que tenía que tener uno de Pieter Claesz, un pintor de bodegones de la época dorada Holandesa. El trato del jamón, el pan, el vaso de cristal y el vaso de metal es preciso. La luz que entra significando una ventana lo hace más real, invitando algo externo al bodegón. El alimento y en otros casos frutas no representan objetos comunes, sino que tienen un significado conceptual y moral. Las mesas preparadas con alimentos son temas que manifiestaban el temor de los precios altos de la comida en ese siglo y el deseo de exhibir los bienes materiales. También significaban el paso rápido de la vida, porque se pudrían pronto. Los objetos como joyas, relojes, armas, son  cosas materiales que desaparecen con la muerte, delante de la muerte todos somos iguales, todo desaparece y lo único que cuenta son nuestras acciones personales.

Andy Warhol, Pequeño Desgarro en Lata de Sopa Campbell, (Pimentero) 1962 

Christo, Bajo Manhanttan Edificios Empacados, 1964

Richard Long, Una Linea en Bolivia, 1981

También tenía que haber un retrato, y el que más me gusta es Muchacha de la Perla de Johannes Vermeer. Parece que la muchacha está caminando, el pintor la llamo, ella paro y volteo, parece que dice algo, porque su boca está abierta. Esta obra no es estática, es dinámica.

Una de las obras que me impresionan es la de Claude Monet,  Impresión: Sol Naciente, por ser una de las primeras obras del Impresionismo. Por eso el Impresionismo fue el primer movimiento de vanguardia. También me apasiona la obra de Monet, Puente Japonés. Hay al menos 5 versiones de esta imagen con colores más oscuros y otros con  marrones, amarillos y rojos. La que más me impresiona es la verde. Donde no se puede ver donde empieza el puente, si no solo donde termina.

Pat Steir, Cascada Berlin, 1993

Fernando Botero, La Primera Dama, 1989

Fernando de Szyszlo, Habitacion N. 23, 1994

Una de las obras más bellas y misteriosas es la Henri Rousseau, La Gitana Dormida, aunque la mujer está dormida sostiene un bastón y no está cubierta por nada, solo tiene una almohada. En la luna el pintor pinto una cara haciendo la obra más divertida.

También tiene que estar Marcel Duchamp. El segundo artista más importante del siglo XX. El primero es Pablo Picasso, pero conceptualmente fue Duchamp quien hizo más. Duchamp no quería hacer cosas para deleitar los ojos si no la mente. Con sus ready mades, es indiscutible el proceso de desarrollo creativo más influyente para los artistas. Por eso la Rueda de Bicileta es una obra que me impresiona mucho.

No puede faltar una obra de Picasso escogí un Retrato de Dora Maar con Gato. Ella fue amante y musa de Picasso. Esta obra fue pintada cuando eran novios, a ella se le ve alegre, confidente y segura por la pose del cuerpo. El estilo de Picasso es indiscutible, claro así tenía que ser, el artista más importante del siglo XX.

Juan Pastorelli, Zapatos de Mar, 

David Rejas, New York Empire State, 2018

Giancarlo Vitor, Avenida, 2011

Tampoco podría faltar al menos una obra de Andy Warhol, que fue el artista más influyente en la segunda mitad del siglo XX. Warhol trabajaba como nadie lo hizo. Su estudio llamado “La Fabrica”, porque el quería hacer como si fuera una fábrica y hacer miles de obras, pero las galerías lo controlaban. Hizo más de 8,000 grabados de la sopas Campbell en su formato regular, pero más 23,000 en todos sus formatos, abiertas, con abridores, etiquetas rotas, en otros colores, etc. Mientras que la mayoría de buenos artista hacen no más de 50 por cada imagen. Warhol hacía 250 grabados, más 26 de letras de A hasta Z, más 5 pruebas de artista.

No podía faltar Christo, con sus empaquetaduras, un artista que me impresiona mucho, el ha cubierto palacios, edificios, árboles, costas de mar, ríos, puentes, etc Christo subvenciona sus proyectos con las obras que hace, no recibe auspicios de ninguna empresa. Sus imágenes son impactantes con mucha creatividad y trabajando con el medio ambiente. Único en su género.

Claudio Bravo, Paquete

Cecilia Avendaño, Sin Titulo, Fig 11, 2008

Sandra Gamarra, Otras Fuentes III, 2009

Otro artista que no puede faltar en Richard Long, un artista que hace Land art, o Arte Terrestre, Long fue una de las figuras más importante de este movimiento. Long hace trabajos en el campo, les toma fotografías  que quedan como precedente fotográfico y esa es su obra, la fotografía sobre las figuras que hizo en la tierra.

Botero no puede faltar, tiene muchas buenas obras. Botero hoy día es el pintor más famoso e importante del mundo. Botero es un pintor de detalles erróneos. Lo hace para resaltar la obra y para que el observador mire bien y encuentre los errores. En la obra Primera Dama, hay una palmera a la derecha de la dama que no tiene base, otro detalle es que si fuera real la imagen la dama se caía al suelo porque está sentada fuera del asiento del caballo. Esa es la maestría de Botero, sus detalles erróneos. 

La obra de Szyszlo, trata formas de espíritus durante la conquista de los Españoles, donde han torturado a los Incas y esos espíritus vuelven para matar a los conquistadores. Por eso en su obra se ven cuartos, mesas, escaleras y colores oscuros mayormente. 

Me encanta el hiperrealismo así que tengo que incluir a Giancarlo Vitor, que esta haciendo cosas de vanguardia como nadie ha hecho. Está pintando carros en movimiento de noche, avisos comerciales de noche etc y parecen fotografías tomadas de noche. Eso es algo nuevo y de vanguardia. El cuadro Avenida es mi favorito.

Ramiro Llona, Habitación Amarilla,2013

Roberto Huarcaya, Campos de Batalla, 2011

Fernando Bryce, Americas, 2005

David Rejas, un artista hiperrealista, está haciendo cosas que ningun otro artista ha hecho. Ha hecho postales de New York y de Tokio, ha pintado esculturas que parecen esculturas reales, ha hecho retratos de gente famosa y varios autorretratos, igualmente está pintando desnudos de obras maestras con grafiti de paredes de New York o Lima en el fondo, la combinación de lo histórico con lo actual. Tambien está haciendo algo nunca visto, descomposiciones de obras maestras, que son cuatro imagenes de la misma obra maestra con diferentes efectos de color y descomposición de la obra maestra.  Esto es totalmente nuevo, con un efecto de historia y de vanguardia al mismo tiempo.

Jorge como te imaginaras me conmueven muchos artistas más que no puedo hablar de todos. Pero me gustan también Giuseppe Arcimboldo, Giacometti, Pollock, Henry Moore, Rene Magritte, Dali, Mark, Franz Kline, Rothko, David Hockney, Morris Louis, Francis Bacon, Roy Lichtenstein, Ed Ruscha, Pat Steir, Gerhard Richter, Chuck Close, Robert Longo, Miquel Barceló, Ana Mercedes Hoyos,  Santiago Cárdenas, Tilsa Tsuchiya, Helmut Ditsch, Ramiro Llona, Guayasamín, Edgar Negret, Catalina Mejia, Sandra Gamarra, Christian Bendayan, Fernando Bryce, Cesar Cornejo, Gerardo Chavez, Jose Carlos Martinat, Omar Rayo, Nadin Ospina, Julio Larraz, Jorge Cabieses, Roberto Huarcaya, Claudio Bravo, Aldo Chaparro, Milner Cajahuaringa, Cecilia Avendaño, Pablo Patrucco, Juan Pastorelli, Guillermo Kuitca, Martin Chambi y Kcho,

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen

Aldo Chaparro, Aquí Viene el Éxito, 2009

Guayasamin, El Grito II, 1983

Fernando de Szyszlo, Pasajeros I y II, 1997

Martin Chambi, Gigante de Paruro, 1925

                                                

David Rejas, Deconstruyendo a Van Gogh, 2021

                                                            Vija Celmins, Oceano, 1969

Milner Cajahuaringa, Sin Titulo,1986

El arte como desarrollo de un país

Fernando de Szyszlo, Sol Negro, 1977

Fernando de Szyszlo, Mar de Lurín, 1995

¿Quisiera saber si existen teorías que se basen en el arte como el desarrollo mental del ser humano y teorías o estudios que comprueben que el desarrollo de un país es su cultura? Doris, Cajamarca, Perú

Gracias por tu pregunta Doris. Si existen teorías del siglo XIX de los movimientos políticos de izquierda, especialmente del socialismo utópico donde el filósofo y teórico social francés Henri de Saint Simon, el teórico social y uno de los padres del cooperativismo Charles Fourier y el filósofo político y revolucionario francés, uno de los padres del pensamiento anarquista y el mutualismo, Pierre Joseph Proudhon. Ellos defendieron la función social del arte, que contribuyen al desarrollo de la sociedad, asociado con la belleza y su utilidad en un conjunto armónico.

Ana Mercedes Hoyos, Palenquera, 1989

Ana Mercedes Hoyos, Papaya, 1994

Las razones son obvias, el arte te eleva el espíritu, cuando aprecias la belleza de los colores, las formas y las historias que los artistas cuentan en sus obras entras en un mundo espiritual de aceptación. Para aceptar ese mundo no tienes que tener obras de arte en tu casa. Solo tienes que apreciarlo.

En el mundo practico, los países que gastan más en cultura son los más ricos. El país Holanda gasta el 1.4 del total de su PBI de 696.3 billones y el 1.4 de PBI es 9.74 billones en cultura, igualmente otros países de Europa, Dinamarca gasta el 1.6 del PBI de 211.1 billones por un total de 3.37 billones en cultura. Eso quiere decir que sus museos e instituciones culturales trabajan sin necesitar dinero y así pueden culturizar más a la población. En los países de Latino América no hay esas inversiones, si se gastan 15 millones en cultura es mucho, por eso la pobreza sigue rampante.

Giancarlo Vitor, Carro, 2008

Giancarlo Vitor, Sin Titulo, 2009

El filosofo Nuccio Ordine y profesor de literatura italiana de la universidad de Calabria y que ha sido profesor de la universidad de Yale, la Sorbona y el instituto de Warburg de Londres y desde 2012 es caballero  de la Legión de Honor Francesa. El escribió su último ensayo “La Utilidad de lo Inútil” dice que en tiempos de crisis es cuando hay que doblar el presupuesto para la cultura. Sera eso porque Einstein dijo, “En momentos de crisis, solo la imaginación es más efectiva que el intelecto”.

El catedrático en educación Sir Ken Robinson dijo, que “la creatividad se aprende igual que se aprende a leer”. La creatividad se aprende a través de la música jazz, música clásica, con las artes plásticas, con la literatura, cine y teatro, dado que en todas estas disciplinas hay creatividad, originalidad, composición y buen gusto. Toda esa creatividad, originalidad y buen gusto es absorbido por las personas y por eso cambian su forma de ser de pensar y mejora tu calidad de vida.

Cecilia Avendaño, Sin Titulo, fig 13, 2009

Cecilia Avendaño, Respiración 15, 2012

Si los científicos, filósofos, curadores y profesores dicen que el arte te da beneficios de progreso. ¿Por qué no escuchan los políticos estas ideas? Por su falta de educación y irresponsabilidad hacia el pueblo. Solo hay que imitar lo bueno en esta vida, si otros lo hacen y les va bien hay que imitar eso.

El artista Giancarlo Vitor me dijo una vez que “a un pueblo culto no se le puede engañar”, será por eso que no culturizan a la gente. Para poder seguir engañándolos fácilmente. Esta comprobado que trabajar con arte hace que te canses menos. Porque tu subconsciente observa tu espacio y como está con belleza, imaginación y control, entonces tu subconsciente se siente muy bien. Así no mires las obras, tu subconsciente lo está viendo. Esta comprobado que tener arte en tu casa o trabajo te baja el estrés, te baja la presión, quita la ansiedad, incrementa la imaginación, da más energía, aumenta la productividad, alza la moral y realza el ambiente y decoración.

Carlos Cruz Diez, Inducción Cromática S B, 2012

Carlos Cruz Diez, Serie Semana, Jueves, 2013

Doris para responder tú pregunta cómo te explique si hay algunas teorías del siglo XIX que dicen que el arte contribuye al desarrollo de un pais. 

Igualmente, arte + cultura = cambio social. Esa es la fórmula del progreso y se puede ver en los países europeos.

Espero que mi respuesta haya sido de tu agrado.



Augusto Chimpen

                                                   Sérvulo Gutiérrez, Los Andes, 1943

Servulo Gutierrez, Paisaje de Ica,1957

Servulo Gutierrez,  Amanecer, 1954

Oswaldo Viteri, Taita Sol, 1987

Oswaldo Viteri, Subiendo al Cotopaxi, 2003

                  Martin Chambi, Niño con Policía, 1924

Martin Chambi, Joven Mendigo, 1934

¿Qué tipos de paisajes existen en arte?

Ivan Shiskin, Robledal, 1887  (paisaje natural)

Meindert Hobbema, La Avenida Middleharnis, 1689  (paisaje rural)

Ivan Shiskin, Lluvia en Bosque de Robles, 1891  (paisaje Natural colonizado)

¿Qué tipos de paisajes existen? Marian

Gracias por tu pregunta Marian. Existen muchos tipos de paisajes.

Paisaje natural, no ha sido modificado por el hombre, hay abundancia de plantas, árboles, animales, bosques, montañas, ríos y lagos.

Paisaje rural, donde el hombre ha puesto la mano, como agricultura y ganadería. Podría haber una casa de campo y caballos o camiones donde transportan cosecha, ganado.

Paisaje natural colonizado, donde el hombre ha puesto su mano creando casas, caminos, canales, carreteras al lado de campos cultivados, colinas, bosques o valles.

Paisaje urbano, son imágenes de la ciudad.

Paisaje cultural, es de alguna imagen arqueológica, iglesia, monumento o escultura famosa.

Paisaje marino, son pinturas del océano, mares,  orillas o  playas.

Paisajes fluviales, son composiciones de los ríos, lagos o riachuelos.

Paisajes nublados, son pinturas o fotografías de nubes, el clima, lluvia, truenos y condiciones atmosféricas.

Paisajes aéreos, son imágenes mostrando la superficie de la tierra vista desde arriba en aeroplanos o naves espaciales.

Paisajes lunares, son pinturas o fotografías de la luna.

Paisajes estelares, son pinturas de estrellas, planetas o el universo.

Paisaje onírico, son pinturas de los sueños, son irreales y fue usado mucho en el Surrealismo. Busca expresar la visión psicoanalítica de la mente como un espacio tridimensional.

Tom Thomsom, El Pino Jack, 1916-17   (paisaje fluvial)

Juan Pastorelli, Orillazo,  2013 (paisaje marino)

Dr. Atl, Primavera en el Valle de México, 1956  (paisaje rural)

Marian dentro del paisaje hay dos partes; el escenario que son la tierra, el cielo y el mar. Los elementos, que son las que aparecen dentro del escenario que pueden ser, personas, animales, rocas, botes, árboles, nubes, casas, carreteras, puentes, etc.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen

Ansel Adams, Moonrise Hernandez, New Mexico, 1941  (paisaje lunar)

Modesto Trigo, Reflejos, 2009  (paisaje urbano)

Marilyn Bridges, El Gran Triángulo Nazca, 1979  (paisaje cultural)

¿Como un pintor encuentra su lenguaje visual?

Jackson Pollock, Ritmo de Otoño, 1950

Alberto Giacometti, Hombre Caminando, 1960

¿Cuándo es que un pintor encuentra un lenguaje propio? La madurez plena, el lenguaje propio. Yaldo, Trujillo, Perú

Estimado Yaldo gracias por tu pregunta. Para un artista lo que más le vale es tener un lenguaje visual propio. Sin eso, no es un artista bueno. Porque un artista es un creador, no un imitador.

Lo que más que le importa a un artista es crear su mundo y transportarlo a su arte. Por eso que su lenguaje visual va ser su carta de presentación. Jackson Pollock tiene un lenguaje visual como nadie en el mundo. Ningún artista debe tener un lenguaje visual parecido a otro, si no ya no es propio, si no copiado y allí cae su arte, como copia y entonces ya no es original.

Jose Tola, Sin Título, 2002

Jose Tola, No Has Escuchado mis Sueños Mientras Dormias, 2012

Kcho, Al Borde del Abismo, 2004

Kcho, Rectificación del Curso, 2006

El lenguaje visual de Botero no se compara con el de nadie, es propio. Igualmente el de Carlos Cruz Diez, el de Jose Tola, Kcho, Ana Mercedes Hoyos, Guillermo Kuitca, Nadin Ospina, Christo, Mark Rothko, etc.  Tú no necesitas ver la etiqueta de la obra en el museo. Cada uno de estos artistas tiene un lenguaje visual muy propio y conocido.

¿Cuando uno se encuentra con su propio lenguaje visual? Creo que mirando obras de buenos artistas y viendo como ellos se han desarrollado y estudiando por que trabajan como trabajan. Apreciando la naturaleza que hay a nuestro alrededor. Trabajando muy duro, algunos artistas trabajan 14 horas diarias dibujando y pintando y pintando lo que más te gusta. Tienes que innovar, hacer algo nunca antes hecho.  Tienes que amar la naturaleza que es bella por sí sola. Apreciando la naturaleza y buscando inspiración en ella te va ayudar mucho.

En los años 50 Botero copiaba las obras maestras y las vendía para sobrevivir. Igualmente hizo Fernando de Szyszlo hacia replicas de obras famosas, para sobrevivir en Europa. Aparentemente es bueno copiar obras de grandes maestros para saber por qué pintan así y ser influenciados por ellos. Se dice que Botero en los años 60 cuando empezó a pintar tenias miles de dibujos y más de mil pinturas.

Carlos Cruz Diez, Physichromie 1345, 2001

Carlos Cruz Diez, Induccion Cromatica, 1974

Guillermo Kuitca, Esquina Infantil, 1994

Guillermo Kuitca, The Old Vic, 2004

Algunos pocos artistas comenzaron con su propio lenguaje visual desde un principio, Christo, Giacometti y Jean Michel Basquiat. Pero la gran mayoría han hecho transiciones hasta llegar a su lenguaje visual.

Lo que la mayoría de artistas hacen es poner sus emociones en su arte. Por ejemplo, Henry Moore en escultor más grande del siglo XX, lo único que hacía es hacer esculturas de mujeres. Eso es todo lo que él hizo. Picasso, casi siempre después del cubismo siempre trabajo con diseños que parecen hechos por niños. Botero hace desfiguraciones con personajes con sobrepeso. Giacometti hizo lo contrario, sus figuras eran desfiguraciones de personajes flacos en sus esculturas. “Yo no pinto lo que veo, pinto lo que pienso” decía Picasso. Porque los artistas no pintan lo que ven, si no lo crean. Botero dice, “si alguien me dice “un árbol”, yo no pienso en el árbol que uno ve en la naturaleza, inmediatamente pienso en un árbol pintado por alguien, cuando uno vive obsesionado con la pintura le puede suceder eso”. Eso pasa cuando uno piensa en cuadros y no en la naturaleza.

Fernando de Szyszlo, Habitación #23, 1997

Fernando de Szyszlo, Pasajero, 2001

Fernando de Szyszlo, Sol Negro, 1989

Igualmente hay que tomar algo como referencia que a uno le guste, así como lo hizo Henry Moore, que todas sus esculturas fueron de un solo tema, la mujer. O como Botero, que todo tenga volumen, o como Jackson Polllock, chorreo por todas partes, la formula es simple, pero encontrarla es difícil. Si copias a los grandes maestros, analizas sus obras, aprecias la naturaleza, sigues un tema que te gusta, trabajas 14 horas diarias, tengas miles de dibujos y oleos vas a encontrar tu lenguaje visual. Querer es poder, si te lo consigues lo vas a lograr.

Yaldo la madurez plena se consigue años después que has conseguido tu lenguaje visual. Un artista es maduro a los 50 años.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen

Ana Mercedes Hoyos, Porcelana al Medio Dia, 1995

Ana Mercedes Hoyos, Palanquera, 2005

¿Por qué la Mona Lisa es tan importante?

Leonardo da Vinci, Ginevra de Benci, 1474- 76

Leonardo da Vinci, La Dama del Armiño, 1488-90

Leonardo da Vinci, La Belle Ferronniere, circa 1490

¿Por qué la Mona Lisa es tan importante? Habiendo tantos retratos de otras mujeres y tantas obras. Alondra,  México D.F., México.

Gracias por tu pregunta Alondra. El cuadro de la Mona Lisa es la pintura más famosa en la historia de la pintura.  Hay varias razones por la cual este retrato es tan famoso. Empezando por su misteriosa sonrisa que es lo que la hace famosa. Si tú miras su cara, principalmente sus ojos,  Mona Lisa está sonriendo, pero si miras su boca no está sonriendo. Esto se debe a que si miras sus ojos, tu visión fóvea, la que mira los detalles, colores y letras, está viendo sus ojos y tu visión periférica es menos precisa y no reconoce detalles y observa las sombras de sus pómulos y hacen que se vea su sonrisa.

Leonardo da Vinci, La Mona Lisa, 1503-06

Igualmente la gran mayoría de retratos son hechos en el interior, pero Leonardo era diferente, el hizo este retrato con el interior y exterior. Mona Lisa está sentada en una silla con respaldar de brazos donde ella recuesta su brazo. Se puede ver la esquina del respaldar de la espalda en la parte derecha. Ella está sentada en el balcón y se puede ver el muro bajo del mismo puede ser de un apartamento en un tercer piso probablemente para tener una vista tan amplia y alta. Pero parece que estuviera en un piso 10 por la perspectiva aérea que tiene el cuadro. Ya empieza allí la imaginación de Leonardo.

Al estar Mona Lisa en un balcón Leonardo está jugando con lo interior y exterior y posiblemente este sea el único retrato de tanta importancia que tenga este juego. Leonardo pinto el paisaje detrás de la Mona Lisa, por razones filosóficas que la mujer es la madre tierra y el agua que se ve, es la fertilidad de la naturaleza. Cada detalle de esta obra fue puesto para hacerte pensar y dejarte asombrado.

Bronzino, Leonor de Toledo con su Hijo Giovanni de Medici, 1544-45

Al mirar el paisaje nos podemos dar cuenta rápidamente que es un paisaje fantasioso, dado que a pesar que hay bastante agua, no hay árboles, solo hay montañas de piedra, un camino encorvado a la izquierda que te lleva al rio. Igualmente en el paisaje hay 2 ríos uno con bastante caudal y el otro seco. En la parte derecha se puede ver el río seco, que inclusive tiene un puente. El puente termina casi donde empieza el chal de la Mona Lisa y su chal es como una catarata de agua, jugando con la naturaleza. Igualmente el chal hace juego con el camino hacia el rio que está en la parte izquierda. De esta manera Leonardo juega detalles de la Mona Lisa con la naturaleza para que haya interacción visual. El paisaje al ser fantasioso hace a la Mona Lisa real.

Igualmente te das cuenta que el paisaje es imaginario por los colores, al agua no es azul claro sino un azul muy oscuro, las piedras de la montaña igualmente son unos grises muy oscuros, que no se notan muy bien, si no que te los imaginas al no poder verlos claramente, el cielo verduzco. En la parte de arriba del paisaje es lo que parece ser un lago, pero el rio en la izquierda lo hace imposible porque el lago y el río deben estar en el mismo nivel sino hubiera una cascada. Detrás de la cabeza de la Mona Lisa supuestamente hay una cascada de agua. Como el paisaje detrás de la Mona Lisa es fantasía y ella está hecha de una manera realista. La Mona Lisa se hace real, como que si estuviera saliendo de la fantasía del paisaje. Leonardo nos está diciendo el paisaje es imaginario, ella es real.

Las arrugas de la manga fueron hechas con mucha tridimensionalidad para complementar con las montañas encima del camino. Creando así un dialogo entre el exterior y el interior donde está el observador.

La Mona Lisa con sus brazos y su cara tiene una forma piramidal, esto da estabilidad y entonces calma. Mona Lisa fue pintada cerca al plano bajo del cuadro, esto para acercarnos a ella y dar la impresión que estamos muy cerca de ella, y más con la lejanía del paisaje atrás de ella.  La posición de la mano derecha la hace de toque delicada, así Leonardo la impresión de su personalidad y por sus ojos alegres y su cara tiene confidencia en sí misma. Las manos fueron pintadas para complementar la cara con la técnica de esfumado, que fue inventada por Leonardo donde usa degradaciones de color para dar forma, sombras y crear profundidad.

Francois Gerard, Retrato de Catherine Starzeńska, 1803

Leonardo uso todos estos detalles y trucos para no aburrir al espectador, por esa razón de imaginación del paisaje y la mujer que parece real hace que el retrato te cautive. Cada detalle de este cuadro es muy importante, para Leonardo los detalles eran muy importantes creando una totalidad, que nada se quedaba fuera del cuadro. Mona Lisa no tiene cejas porque era la moda en ese tiempo en Florencia. Hay una teoría que Mona Lisa tenia cejas y que se han borrado con el tiempo. Pero yo no creo esa teoría, porque hay otros 3 retratos de da Vinci y las cejas se ven muy bien todavía en esos 3 retratos.

En su cabeza tiene un velo fino y delicado para dar la impresión de refinamiento.  La pintura es asimétrica, esto para no aburrir al espectador. No tiene joyas para dar importancia a la belleza natural de ella. Mona Lisa da la impresión que está viva, que es de piel y sangre. Tú no la estás viendo, ella te está viendo a ti.

Da Vinci usó las proporciones de oro o el rectángulo áureo en la cara de la Mona Lisa. Este rectángulo dorado fue usa tambien en la arquitectura del Partenón, las meninas de Velázquez y el logo de la manzana de Apple.  

En Italia la conocen por la Gioconda, porque el esposo de la Mona Lisa es Francesco del Giocondo, un mercante de seda adinerado. En países ingleses se le conoce como Mona Lisa y en países de habla hispana se le conoce con los dos nombres. Mona es la forma cariñosa de Madonna en italiano, mi señora, madame o my lady en ingles.

Alondra si hay muchos retratos a través de la historia pero ninguno como la Mona Lisa por el misterio de la sonrisa, el paisaje fantasioso y el juego de interacción de la Mona Lisa con el paisaje.

Espero mi respuesta hay sido de tu agrado.

Augusto Chimpen