El arte de Tapies

¿Por qué está tan bien valorado el arte de Tapies cuando a mi entender es un tipo de arte carente de mérito y en cuyo lanzamiento han tenido mucho que ver criterios ideológicos como fue el hecho de ser un opositor al franquismo? ¿No podría crearse un observatorio de críticos independientes que valoren el arte sin tener en cuenta la adscripción ideológica de los artistas y sólo por sus valores estéticos? Juan, España

Estimado Juan, me parece que no te gusta el arte de Antoni Tapies (tres primeras imagenes) y tal vez va a ser un poco difícil convencerte de sus méritos. Pero en el mundo del arte no interesa tu ideología política o tu manera de pensar. Picasso (cuarta imagen) también estaba contra Franco. Te puedo dar otro ejemplo más convincente. El famoso artista mexicano Diego Rivera (quinta imagen) era comunista, pero aun así, trabajó y pintó murales en Estados Unidos. Uno de los murales que pintó fue en la Ford Motor Company de Detroit en 1930, la era de la gran depresión americana. Mucha gente se opuso a que el mural fuera pintado por Diego Rivera. Después de pintado, el mural lo tildaron como “vulgar y no-americano”. Pero el mural existe aun y es considerado uno de los mejores murales de Rivera. Nelson Rockefeller, un icono de la industria americana, vio el mural de Detroit y le pidió un mural para el edificio del RCA en New York. Diego Rivera pintó el mural, pero había pintado la cara de Lenin entre los sujetos del mural y por esta razón destruyeron el mural después de 4 meses. Todo el mundo sabía que Rivera era comunista pero su arte fue aceptado por sus méritos, no por su ideología.

El primer artista que pinto arte abstracto fue Vassily Kandinsky (ultima imagen), quien era ruso. Se le da el crédito a Kandinsky como el primer artista que pintó arte abstracto. No se le quita el valor que su obra merece por su manera de pensar, su ideología política o su lugar de nacimiento.

En el caso de Tapies, su éxito tampoco es por su ideología anti franquista. El es un artista muy conocido en el mundo artístico, sus obras se encuentran en los mejores museos del mundo. Eso lo dice todo. Si un artista es aceptado por la infraestructura del arte, no es por ideología política a favor o en contra de algún régimen, es porque se merece estar allí.

Juan la mayoría de críticos son independientes y no hay necesidad de crear un observatorio de críticos independientes. Y nosotros, porque yo también soy crítico de arte, somos imparciales y no nos llevamos por la manera de pensar, su política o su ideología del artista, si no por su obra que es lo único que interesa. En el arte no hay fronteras, ni ideologías políticas, hay arte, y por sus meritos vale.

Juan espero que mi respuesta te haya sacado de tus dudas. Gracias por tu pregunta.

Augusto Chimpen

¿Cómo se forma un artista y como se vende su obra?

¿Cómo se forma un artista y como se vende su obra?
Emmanuell, Puerto Vallarta, Mexico

Durante la edad media hasta el renacimiento los artistas se formaban en ‘gremios’ donde aprendían todo lo relacionado a su profesión. Eran un grupo de comerciantes y artesanos, todos artistas, carpinteros o cerrajeros etc. independientes de un pueblo o una región que formaban un gremio. Por ejemplo Da Vinci perteneció al gremio de pintores de Florencia y a los 20 años ya era maestro independiente. En el siglo XVII en Francia se origino la Academia de Pintura y Escultura fundada por el artista Charles Le Brun (imagen arriba), quien fue quizás el artista más importante en Francia en el siglo XVII. Eso para darte la esencia de las cómo se formaba un artista en esas épocas. Desde ese tiempo se estudia en un instituto superior que ahora se llama universidad. Ahora hay universidades en todo el mundo donde puedes aprender a ser pintor, escultor, grabador etc. Esta carrera se llama artes plásticas o artes visuales. También hay institutos superiores de fotografía, que son como universidades, donde se puede estudiar fotografía como carrera de artes plásticas, reportero grafico o fotografía publicitaria. Tal como lo es el Centro de la Imagen en México DF, la EAF, Escuela Argentina de Fotografía en Buenos Aires, ARCOS en Santiago de Chile, Centro de la Imagen en Lima y EFTI, Centro de la Imagen en Madrid y Barcelona.

También hay maestrías en artes plásticas tal como la recibió Brice Marden (segunda imagen) artista minimalista. Marden se graduó con maestría en artes plásticas en la Yale Escuela de Arte y Arquitectura. Chuck Close (tercera imagen) otro artista que tiene maestría en artes plásticas de Yale University. Donald Judd (cuarta imagen) artista minimalista tuvo una maestría en historia del arte de la universidad de Columbia. Pero también hay artistas autodidactas tales como Henry Rousseau (imagen abajo), el autodidacta más famoso del mundo.

Eammanuell, para responder la segunda parte de tu pregunta, después de haberse graduado en una universidad los artistas hacen CDs y blogs de sus obras y las mandan a galerías. Si alguna galería les gusta sus obras, ellos van a ver las obras personalmente. Si luego de verlas, a la galería le gusta su obra, se hace una exhibición individual y si el artista vende, vendría a ser un artista más de la galería y podría tener una exhibición cada tres o cuatro años en esa galería. Si el artista es muy bueno. Otras galerías se pueden interesar en su obra, y así podría tener exhibiciones cada dos años. Las críticas empiezan a salir sobre su exposición en periódicos y revistas de arte. Las galerías más importantes después van a ferias de galerías en diferentes ciudades del Mundo y presentan sus obras. Algunas ferias son: ArteBA en Buenos Aires, ArteBO en Bogota, Pinta en New York, CIRCA en Puerto Rico, ArteAmericas en Miami y ARCO en Madrid. Obviamente las galerías llevan a sus mejores artistas y de allí se pueden exportar obras de algunos artistas a otras galerías internacionales. Tener una monografía de tu obra ayuda a ser más conocido. Cuando tu nombre está en varias galerías, en ferias y en los medios de comunicación, los museos empiezan a buscarte y comprarte obras. Ya en este momento eres casi ya un artista establecido. Cuando varios museos compran tu obra, ya estas establecido, pero si un museo como el MOMA de New York o el Tate Modern de Londres compra una de tus obras, es porque ya eres de renombre. Para ser un artista establecido tienes que estar aceptado en la infraestructura del arte, que son las galerías, los críticos (los medios de información, periódicos y revistas), las ferias y los museos.

Emmanuell, espero que mi respuesta sea de tu satisfacción.

Augusto Chimpen

¿Porque es tan popular el Grito de Munch?

¿Quiero saber por qué la espantosa pintura El Grito es tan popular y porque él esta gritando, ha visto algo malo?
Francine, Montreal

Francine la pintura a la que te refieres es de Edvard Munch (1863-1944). El Grito, 1893, es oleo, tempera y pastel en cartón 91X73.5 cm., está en la National Gallery en Oslo. Munch hizo más de 50 versiones de este cuadro incluyendo litografías.

Es muy importante para ti Francine saber a qué movimiento artístico pertenece cada obra, te va ayudar a entender más sobre la obra que estás viendo. Investigando a que movimiento pertenece cada obra y es parte de la diversión en el arte.

Esta obra pertenece al movimiento del expresionismo y su estilo era representar símbolos cargados de emociones y sensaciones a través del color, figuras y formas. La mayoría del trabajo de Munch trata de emociones de la vida, amor, muerte, desesperación y tragedia. Francine tienes que acordarte que cada cosa que ves en una obra, el artista quiso que este allí. Cada color, cada línea y cada detalle tienen una razón importante, cada detalle tiene una intención de crear una sensación en el observador. Nada por casualidad está allí.

El Grito es una pintura de contrastes, porque hay colores calientes amarillo, rojo y anaranjado del cielo que parece fuego. Colores calientes en cuadros nos pueden hacer sentir tener más calor y nos pueden hacer elevar levemente nuestra circulación y temperatura de nuestro cuerpo. De la misma manera colores fríos, verde, azul, violeta, que se encuentran en la tierra, en la baranda del puente, y la ropa de los sujetos nos pueden hacer sentir fríos y disminuir levemente la temperatura de nuestro cuerpo. La obra tiene formas onduladas en el cielo, el agua y la tierra en la naturaleza. Pero también tiene líneas rectas hechas por el hombre, el piso del puente, el pasamano del puente y el poste. Entonces hay contrastes de forma y color. Acuérdate que Munch pinto cada detalle de color y forma conscientemente con una intención en su mente. La obra no es simétrica, entonces no hay balance en las formas ni en los colores, entonces hay contrastes creando desequilibrio y caos dentro la obra.
Si te fijas cautelosamente el puente está cubriendo el agua con los botes. El puente tendría que ser muy largo, por lo tanto, imposible. Los botes están en una área naranja, amarilla y gris que se supone es el agua y la parte que es azul en lugar de ser agua es la tierra.

El sujeto principal que grita esta en el centro del cuadro, el sexo del sujeto no es claro. La ropa es como de una mujer, una túnica y él/ella tiene un cráneo como cara y no tiene pelo, pero la boca tiene labios para realzar la acción del grito. El sujeto que grita tiene una forma de un fantasma con el cuerpo curvilíneo y solamente se ve la mitad de su cuerpo.

Si te fijas bien en la pintura, Munch tiene el puente de un lado del cuadro al otro lado, invitando al observador dentro del cuadro a través de la perspectiva del puente. Munch está jugando con nuestro espacio y su intención es poner al sujeto que grita en el espacio del observador. O el observador está parado en el puente frente al sujeto que grita. Esto significa que el sujeto que grita esta gritando al observador.

El Grito nos asusta porque toca el tema de la muerte, por el cráneo y por la soledad del sujeto. También se ocupa de oposiciones, contrastes y de un mundo irreal que Munch nos ha creado. Esta obra es tan popular, porque después que las has visto nunca te vas a olvidar de la imagen y por que luce tan real por las emociones tan fuertes, pero a la vez es tan imaginaria. Tú pregunta. ¿Por que el sujeto grita, vio al malo? Pienso que el sujeto esta gritando al observador y Munch quería sacudir al espectador y lo hizo con esta obra.

El Grito es un icono de nuestro tiempo pero no solo el sujeto esta gritando, también el mundo natural esta gritando con los diferentes colores y sus irreales formas.

Gracias por tu buena pregunta Francine.

Augusto Chimpen

¿En qué consiste el arte Minimalista?

Donald Judd, Sin Titulo, 1969/1982

Dan Flavin, Rosa de una Ezquina, 1963

Carl Andre, Rectangulo Napoli, 2010

¿En qué consiste el arte Minimalista y que auge puede llegar a tener?
Carlos, Los Angeles

El arte Minimalista es el movimiento artistico que elimino la representación y la ilusión pictórica en favor de una simple unificada expresión geométrica. Este movimiento de pintura y escultura tuvo su nacimiento entre 1960 hasta 1970 principalmente en Estados Unidos. Los precursores de este movimiento son americanos y japoneses. Los principales artistas de este movimiento son Carl Andre, Dan Falvin, Donald Judd, Brice Marden, Richard Serra, Sol LeWitt, Robert Morris, Tony Smith y Kishio Suga, 1962. Aunque todos ellos trabajan de diferente manera. Por ejemplo Carl Andre  trabaja con y con madera, granito, pero mayormente con aluminio y metales. Dan Flavin  trabaja con florecentes de colores, Donald Judd  trabaja con plexiglass, Brice Marden  pinta solo franjas y a veces pinturas monocromáticas, Richard Serra hace esculturas inmensas con acero, mientras que Kishio Suga trabaja con madera pintada con acrílico. A pesar que todos estos artistas trabajan con diferentes materiales y de diferente manera, todos tienen un énfasis en la simplificación de formas y con obras monocromas mayormente.

Sol LeWitt, Cubo Incompleto Abierto, 1974

Richard-Serra, Una Tonelada de Peso ( Casa de Tarjetas) 1986

Brice Marden, Para Perla, 1970

Minimalismo puede ser interpretado como una reacción al movimiento abstracto expresionismo que mostraba una feroz expresión psíquica. El minimalismo era lo contrario, el artista no mostraba emociones solo esencias de la abstracción de formas geométricas.

Robert Morris, Sin Título, 1969

Kishio Suga, Entorno Admitido, 1987

Tony Smith, Perdimos, 1962

El Minimalismo también se expreso en arquitectura, diseño, literatura y música.

Carlos para responder la segunda parte de tu pregunta, el arte minimalista no tuvo mucho apogeo en Latinoamérica. La razón podría ser porque quizás los artistas pensarían que no los iban a tomar muy en serio. La mayoría de la gente en latinoamerica piensa, esto no es arte, cualquiera lo puede hacer. Es verdad después que está hecho lo pueden hacer, la cosa es decirlo antes que haya sido hecho y hacerse famoso haciéndolo. Ya no aparecen nuevos artistas de este movimiento y algunos ya murieron como es el caso de Dan Flavin y Donald Judd, así que el movimiento está disminuyendo, pero ya tuvo su auge en los años 1970s. En Norte América, Europa y Japón este movimiento si tuvo un gran apogeo y estos artistas son muy conocidos y muy respetados en la infraestructura del arte.

Carlos espero que mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen

¿Cuál es la obra más importante del Siglo XX?

Pablo Picasso, La Señoritas d' Avignon, 1907

¿Cuál es la obra más importante del Siglo XX? Carmen, Lima

Estimada Carmen, que buena pregunta. Hay algunos historiadores de arte que no les gusta responder esta clase de preguntas porque el arte no es una ciencia. Existen
muchas variables a considerar para decidir cuál es la obra más importante en un tiempo definido. Yo te puedo decir una obra y otro historiador te puede decir otra obra. Pero como me has preguntado, yo con mucho gusto te la voy a responder, según mi criterio.

En el Siglo XX se hicieron varias obras que han impresionado al mundo artístico. Te las voy a mencionar cronológicamente. Las Señoritas de Avignon de Pablo Picasso, 1907. Es de la colección del museo de Arte Moderno de New York. Con este cuadro Picasso rompió 600 años del uso de la perspectiva, que se inició en el Renacimiento, haciendo esta obra plana, en dos dimensiones en lugar de hacerla tridimensional, como se hacía desde el Siglo XV. Otra cosa importante de este cuadro es que Picasso terminó con la representación del realismo. Las 3 caras de las mujeres de la izquierda son basadas en muñecas ibéricas de la época y las 2 de la derecha son basadas en muñecos africanos que Picasso vio en el museo Trocadero de Paris (conocido hoy día como el Museo del Hombre). Cuando Matisse vio esta obra antes que saliera al público dijo, “este cuadro está botando fuego”, porque nunca antes nadie había pintado así, todo era nuevo. Esta obra también es importante porque inicia el desarrollo del cubismo y el comienzo del arte abstracto. Aunque la obra no tiene mucha estética, es una obra muy importante porque rompió caminos a otros movimientos de arte.

Marcel Duchamp, La Fuente, 1917

Fuente (urinario) 1917, una obra de Marcel Duchamp, era un urinario puesto de lado que parecía una fuente de un jardín. Esta obra es lo que Duchamp llamaba un “ready-made” (prefabricado) ya que era un objeto comprado y Duchamp no hacía nada y lo presentaba como su obra. Duchamp fue el primer artista en hacer eso. La obra de Duchamp rompió con la tradición de que el artista es el que hace la obra y nace el anti-arte, que cualquiera puede ser un artista. Fuente fue presentada a una exhibición de arte y fue rechazada porque originalmente era un urinario, era controversial e inapropiado para los patrones de la sociedad. Ahora es una de las principales obras del Siglo XX. Para ser bueno, muchas veces uno tiene que abrirse caminos nuevos. Su obra también sirvió como inicio de los movimientos de arte, dada, surrealismo y arte conceptual. La obra Fuente original firmada por él se perdió y ahora quedan sólo algunas réplicas comisionadas por Duchamp en varios museos.

Guernica, 1937 de Pablo Picasso, mide 349x776 cm. Se encuentra en el Museo Reina Sofía de Madrid. Esta obra se pintó como un reclamo al bombardeo a Guernica por los alemanes e italianos, durante la guerra civil española. Esta obra es tan grande en tamaño que el observador tiene que estar paseándose de un lado a otro, de lejos y de cerca por la obra, para poder apreciarla ya que en realidad no es un cuadro, porque no está enmarcado, es un mural. Fue pintado en blanco y negro para dar más énfasis a los colores, el color negro representa la muerte, Satán, el pecado, pena, dolor, y el blanco representa paz, inocencia y pureza. Fue pintado en blanco y negro porque son las imágenes que Picasso vio en el periódico y él quería representar algo como lo del periódico. Con esos colores el también aumenta el drama. Guernica es una de las pocas obras de Picasso que tienen narrativa. Esta obra representa la violencia, muerte, brutalidad, sufrimiento y desamparo, por la muerte de inocentes civiles en manos de los alemanes. A pesar que no fue pintada en una manera realista te llega a emocionar y conmover. Además, Picasso usó mucho simbolismo en esta obra. Dentro del caballo hay una calavera y la cabeza de un toro; igualmente se encuentran varios arlequines y uno está llorando en forma simbólica. El soldado no está muerto, está agonizando frente a nosotros, tiene la boca abierta, el puño bien cerrado en la espada y tiene la mano abierta, se resiste a morir. En fin el simbolismo es al máximo. La obra es la integración de lo interno y lo externo porque la parte izquierda es un establo, para simbolizar el lugar donde nació Jesucristo, mientras que la parte derecha es el exterior. La lámpara en forma de ojo simboliza el ojo de Dios que lo ve todo y, además, hay un triangulo que simboliza la Santísima Trinidad. Guernica es ahora considerado un estatus monumental como un recordatorio de la tragedia de la guerra y es un símbolo contra la guerra. Un alemán le preguntó a Picasso una vez, ¿Usted pinto esto? No, respondió él, lo pintaron ustedes. Para que veas qué profundo era Picasso. Podría hablar mucho más sobre esta obra, pero no quiero hacerla la respuesta muy larga.

Pablo Picasso, Guernica, 1937

En resumen Carmen, de las tres obras, la única que emociona dramáticamente es Guernica. La única que saca cara por la paz, por la humanidad es Guernica. El arte es más que algo bonito con estética, el arte puede dar un mensaje al mundo, el arte puede ser una protesta, el arte es una herramienta de comunicación muy poderosa y Picasso hace todo eso con Guernica. Por eso puedo decir que para mí, Guernica es la obra más importante del Siglo XX.

Gracias por tu pregunta Carmen.

Augusto Chimpén

¿Que hace que una obra valga más que otra?

¿Que hace que una obra valga más que otra, en dinero?
Jorge, Lima


En realidad los artistas venden por tamaño sus cuadros. Las obras no cuestan por merito estético, si no por tamaño en las galerías. Todas las obras de un metro por un metro cuestan igual, todas las obras de un metro por dos metros tienen otro precio mayor y así sucesivamente. Por ejemplo aquí te doy los precios de artista hiperrealista (tambien llamado foto-realista) Giancarlo Vitor (fotos de sus obras Hostal, Foco, Caja, Ladrillo) y verás que se vende por tamaño.

1.5 mts x 1.2 mts $3,500 dólares

1.5 mts x 1.5 mts $4,000 dólares

1.5 mts x 2.0 mts $5,000 dólares

2.8 mts x 0.9 mts $6,000 dólares

Pero cuando se venden obras de artistas renombrados en las casas de remate de New York, Christie’s y Sotheby’s, especialmente, alguna obra puede llegar a precios altos por su belleza estética. Otro factor que puede afectar el precio es si alguien compra una obra y la vende después de 15 años, y esa obra es típica del artista y tiene mucho valor estético. En ese caso, su valor será mayor que el de otras de menor valor estético y si la obra no es tipica del artista, así sean del mismo tamaño.

Para continuar, si hay dos obras de las mismas dimensiones, una cuesta más que la otra y son de diferentes artistas, eso quiere decir que la obra más cara es de un artista más conocido, de más renombre.

Jorge, en el caso de la fotografía es diferente, las obras no valen por tamaño, si no por costo de producción, esfuerzo, tiempo de investigación, dificultad y mejor estética. Si un fotógrafo va a Europa a tomar fotos y está allí un mes, su obra no va costar lo mismo que si hubiera ido al rio cerca a su ciudad. También influye el grado de reconocimiento de un artista, al igual que el pintor cuando se compara a dos fotografías del mismo tamaño y una es más cara.

Gracias por tu pregunta Jorge, espero mi respuesta sea de tu agrado.

Augusto Chimpen

Arte comercial, versus, arte plastico

Tilsa Tsuchiya, Machu Picchu, 1970

Tilsa Tsuchiya, Tristan e Isolda, 1974-75

Tilsa Tsuchiya, El Mito del Guerrero Rojo, 1976

Como se valoriza la estética y armonía que genera una pieza que, aunque no es autentica, produce un gran agrado visual y encaja perfectamente en nuestra sala, biblioteca, oficina, versus, contar con una pieza que no produce el mismo efecto, aunque sea única y autentica. Por pieza ‘no autentica’ no me refiero necesariamente a piezas de poco valor económico, sino generalmente hechas por autodidactas, no académicos y sin mayor instrucción artística. ¿Podría el arte denominado 'comercial' llegar a emocionar más que el 'arte académico'? Entiendo que no hay respuesta universal a esta inquietud y que cada persona tiene su propia interpretación pero me gustaría conocer tu opinión. Paco, Lima, Perú

Estimado Paco, que buena pregunta. El grado de instrucción de un artista no determina la clase de obra que hace. Hay artistas que han estudiado en Bellas Artes y hacen arte comercial y hay autodidactas que hacen obras de artes plásticas o artes visuales, al que tú llamas arte académico. El autodidacta más famoso que existió es Henry Rousseau. En el Perú tenemos artistas como José Carlos Martinat, que hace arte de vanguardia, Christian Bendayan, Jose Luis Palomino, artistas de arte Pop, y Susana Torres, que hace arte conceptual, arte político y arte pop, quienes no tuvieron formación académica, sin embargo, hacen obras de artes plásticas y son considerados buenos artistas. El artista más grande autodidacta del Perú quizás fue Mario Urteaga.

Jose Luis Palomino, La Peor Carrera de mi Vida, 2012

Jose Luis Palomino, The Car, 2013

Jose Luis Palomino, Muack, 2013

Las obras comerciales son los cuadros de paisajes, bodegones, o abstractos que la principal razón por la que fueron hechas es para decorar. La función principal de una obra de las artes plásticas es dar una emoción, basada en la creatividad. El precio del arte comercial en muchos casos es más caro que el de artes plásticas, porque hay galerías de arte comercial que venden cuadros en $3,000 US y por un precio menor se puede comprar una buena obra de un artista plástico. Otra diferencia es que el precio de la obra de artes plásticas sube con el tiempo. Un artista emergente se vuelve reconocido y el precio de sus obras sube muchas veces más de lo que costaba originalmente, lo que no pasa con el arte comercial. Para darte un ejemplo Tilsa Tsuchiya (foto, El mito del Guerrero Rojo) vendía sus obras en $4,000 US ahora sus obras se venden en $120,000 US en las casas de remate de New York. Como regla general, el precio de un artista regular se triplica en 15 años. Si es un artista que viene a ser reconocido, se puede multiplicar por 30 en 20 años. Al final, la compra temprana de obras de un buen artista resulta una muy buena inversión.

Creo que hay arte comercial que si puede llegar a emocionar, pero el arte plástico te hace asombrar y dar una emoción a veces inexplicable. Además, se ha comprobado que el arte plástico quita el estrés, puedes trabajar más y cansarte menos. Otra diferencia entre el arte comercial y el arte plástico es que el arte plástico da personalidad al ambiente, mas el arte comercial sólo decora y es un objeto más, como una lámpara o una mesa. No es malo tener obras comerciales en casa, compra lo que te gusta, te puede emocionar más que el arte plástico, eso no es problema, es cuestión de gustos. Sin embargo, creo que antes de uno adquirir una obra, es favorable ir a museos, galerías y ver lo que hay allí para apreciar las diferencias. La estética y la armonía la valoriza el que adquiere la obra y si te sientes contento con las obras comerciales, sigue comprándolas. Gracias por tu pregunta Paco, espero haber aclarado tus inquietudes con mi respuesta.

Augusto Chimpen

Tilsa Tsuchiya, Paraíso, 1971

Tilsa Tsuchiya, Mito de los Sueños, 1976

Tilsa Tsuchiya, Mito del Pájaro y las Piedras, 1975

Tilsa Tsuchiya, La Gran Madre, 1972

Tilsa Tsuchiya, Mito de la Mujer y el Árbol

Tilsa Tsuchiya, Mito de la Mujer y el Viento, 1976