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sábado, 26 de diciembre de 2015

¿El artista nace o se hace?

Pablo Picasso, La Tragedia, 1903

Pablo Picasso, Figura en la Playa, 1931


¿El artista nace o se hace? Melany, Ixtapaluca, México.

Gracias por tu pregunta Melany. Siempre se dice que el artista nace y hay mucho cierto en eso. Pero me imagino que hay algunos, que quizás no nacieron para ser artistas. Pero les gustaba tanto el arte que quisieron ser artistas y siguieron esa carrera.  En el caso de Picasso, que a los 20 años ya estaba en su periodo azul, a los 23 años en su periodo rosado y a los 28 años origino el cubismo. Te puedes dar cuenta que Picasso, si nació para ser artista. 

Diego Rivera, Mujer Moliendo Maiz, 1924

Diego Rivera, Niña en Azul y Blanco, 1939

Igualmente Diego Rivera que empezó a estudiar arte a los 10 años en la academia de San Carlos en México DF. he impresiono a sus profesores, a los 21 años recibió una beca para estudiar en España y estudiar a los artistas Goya, El Greco y estudio en un estudio de los retratistas más importantes de
Madrid, Eduardo Chincharro. Rivera después se mudó a Paris a seguir aprendiendo más del arte de la época.


Botero, Caballo de Picador, 1992


Botero, Flores, 2006
Otro artista que nació para ser artista fue Botero que a los 16 años tuvo su primera exhibición colectiva y una de sus ilustraciones apareció en uno de los periódicos más importantes de Medellín. Jean Michel Basquiat tuvo su primera exhibición a los 20 años y a los 21 años tuvo su primera exhibición individual y se  vendió toda la exhibición, a los 25 años salió en la caratula de la revista dominical del New York Times, siendo el primer artista negro que sale en la caratula. Igualmente Georgia O’Keeffe, decidió a los 10 años  ser artista, a los 18 años estudio en la escuela del Art Institute of Chicago y a los 21 años con la obra Conejo Muerto con Olla de Cobre, gano una beca para estudiar arte.

Jean Michel Basquiat, Sin Titulo, 1982

Jean Michel Basquiat, Sin Titulo, 1982

Melany como te podrás cuenta estos artistas empezaron a temprana edad y se puede decir que estos artistas nacieron para ser artistas. Hay varios artistas que su primera profesión no fue la de artista y que después de haber tenido otros trabajos empezaron hacer arte y terminaron siendo buenos artistas. Voy a empezar con uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX, Andy Warhol, trabajo como artista comercial. Warhol trabajo  como ilustrador de  revistas como Glamour, Vogue, Seventeen y The New Yorker. Warhol gano varios premios como ilustrador comercial. Su primera exhibición de artes plásticas fue a la edad de 34 años. 

Georgia O'Keeffe, Conejo Muerto con Olla de Cobre, 1908

Georgia O' Keeffe, Lago George, 1922


Otro artista que es considerado y reconocido como el más reconocido artista  naive el mundo, Henri Rousseau. Primero este artista estudio leyes, después estuvo en el ejército por 4 años y después trabajo como colector de impuestos. Su primer cuadro importante lo pinto a la edad de 47 años,  Tigre en una Tormenta Tropical en 1891.

Warhol, Elvis 1 y II, 1963

Warhol, Sopa Campbell de Tomate, 1968

Pedro Figari otro artista que fue abogado primero y a sus 56 años se dedicó por completo a la pintura plástica. A los 64 años se mudó a Paris para experimentar las nuevas corrientes en el arte. La obra de Figari es una de las más importantes del arte latinoamericano. Para terminar la artista Grandma Moses, empezó a pintar a los 70 años y llego a ser la artista más importante de arte naive (arte sin estudios, un artista autodidacta) en Estados Unidos. A sus 89 años fue condecorada por el presidente Harry Truman.

Henri Rousseau, Tigre en una Tormenta Tropical, 1891

Henri Rousseau, El Sueño, 1910
Melany te podrás dar cuenta que algunos artistas nacieron para ser artistas, pero también hay otros que como te has dado cuenta empezaron muy tarde en su vida, eso quiere decir que no nacieron para ser artistas, pero se hicieron y llegaron a ser muy buenos artistas.  

Pedro Figari, Lamento, 1924

Pedro Figari, Candombe, 1925


Espero mi respuesta sea de tu agrado.



Augusto Chimpen


Grandma Moses, La Casa Vieja en la Curva de la Carretera, 1940

Grandma Moses, Paseo Alegre, 1953


miércoles, 19 de agosto de 2015

¿Cuál es el bodegón más famoso del mundo?

Caravaggio, Cesto con Frutas, 1597-98

Juan Fernández el Labrador, Bodegón con Cuatro Racimos de Uvas, 1630 

Pieter Claesz, Bodegón, 1633

¿Cuál es el bodegón más famoso del mundo? Angélica, Colombia

Gracias por tu pregunta Angélica. Hay varios que son muy conocidos en diferentes épocas. Aunque en tiempo del Imperio Romano y en el Renacimiento se pintaron bodegones.  Como genero de pintura el bodegón empezó en Holanda en el siglo XVII, porque se pintaron muchos con el mismo tema. Quizás lo que yo podría hacer es documentar los bodegones más importantes de cada del siglo.

Willem Claesz, Trozo de Pastel de Carne Picada, 1635

Francisco de Zurbarán, Naturaleza Muerta con Limones, Naranjas y una Rosa, 1633 

Francisco de Zurbarán, Bodegón de Cacharros, 1650

Empecemos en el siglo XXVI, el llamado primer bodegón en el mundo occidental fue hecho por Caravaggio, Cesto con Frutas, quien fue un pintor Barroco.

En el siglo XXVII se pintaron muchos bodegones especialmente en Holanda, donde surgieron muchos pintores que hicieron este tema Pieter Claesz, Jan van Huysum, Balthasar van der Ast, Willem Claesz, Georg Flegel y Willem Kalf entre otros.

Jean Baptiste Chardin, Naturaleza Muerta con Jarrón y Frutas, 1750

Jean Baptiste Chardin, Bodegón con Gato y Raya, 1728

Van Gogh, Jarron con 12 Girasoles, 1888

Pero los españoles también tienen muy buenos artistas con bodegones, Juan Sánchez Cotán, Juan de Espinoza, Antonio Ponce,  Tomas Yepes, Juan Fernandez el Labrador. El más popular de este siglo seria de Francisco de Zurbarán, Naturaleza Muerta con Limones, Naranjas y una Rosa.

En el siglo XVIII tenemos al francés Jean Baptiste Chardin,  quien tiene el bodegón más importante y más famoso, Naturaleza Muerta con Jarrón y Frutas.

Cezanne, Bodegon con  Cesto de Manzanas, 1890-94 

Picasso, Naturaleza Muerta con Rejilla, 1912 


Dalí, Cesta de Pan, 1926

En el siglo XIX tenemos a Van Gogh y Paul Cezanne. Son allí donde están los más populares. El más famoso seria de Van Gogh, pero el más importante sería el de Cezanne. Jarron con 12 Girasoles de Van Gogh son conocidos por todos. Pero en el mundo de las artes el bodegón de Cezanne es más importante dado que rompe la imagen  y la realidad. Para empezar la botella, no es simétrica y está ligeramente inclinada, las manzanas no parecen manzanas, parecen duraznos, las únicas que parecen manzanas son 3 que son verdes, así que el nombre podría haber sido, canasta de manzanas verdes con duraznos.  Lo que está haciendo Cezanne es jugando con el espectador, para que investigue el cuadro y contradiga el nombre puesto por él. Las patas de la mesa son demasiado gruesas. En la parte frontal la parte izquierda de la mesa está cubierta por el mantel, pero en la parte de atrás no se ve dónde termina el mantel. El borde de la mesa en la parte de atrás no es lineal, hay una diferencia abismal. Al frente el borde de la mesa tampoco es recta, en la parte derecha es más bajo que el de la parte izquierda aun que está cubierto por el mantel.

Ralph Goings, Bodegon de River Valley, 1976

Claudio Bravo Berengena, 1983 

Fernando Botero, Naturaleza Muerta con Frutas, 1989 

La canasta también, no se sabe de qué material es, no es de caña y está pintado en una manera abstracta y tiene una asa más grande que la otra. Por todas estas razones, esta obra no está basada en la realidad totalmente, si no en la creatividad del artista y la obra de Cezanne ayudaron mucho al desarrollo del cubismo, por esta razón este bodegón es el más importante. 

En el siglo XX hay varios artistas que han hecho bodegones, Picasso, Dali, Ralph Goings, Peter von Artens, Claudio Bravo, Botero. Los que más sobresalen son Picasso que hizo el primer collage con su obra Naturaleza Muerta con Rejilla. Este bodegón sería el más importante porque Picasso invento un nuevo medio en el arte, el collage. Pero como obra artística es un poco aburrido por los pocos colores que tiene y las formas confusas que tiene.

Botero, Bodegón con Mandolín, 1998   

Botero, Naturaleza Muerta con Le Journal, 1992
Botero ha hecho más bodegones que ningún otro artista, con su humor, color, forma y originalidad te conquista grandemente. Aquí el bodegón más importante sería el de Picasso, pero el más popular sería el de Botero.

Para responder tú pregunta Angélica, el bodegón más famoso seria Bodegón con Cesto de Manzanas de Paul Cezanne. 

Espero que mi respuesta sea de tu agrado.


Augusto Chimpen

miércoles, 29 de julio de 2015

¿Cuáles son los desnudos más populares en la historia de la pintura?

Giorgione, Venus Dormida, 1507-10

Tiziano, Venus de Urbino, 1538

Diego Velazquez, Venus del Espejo, 1599-60
¿Cuáles son los desnudos más populares en la historia de la pintura? Michael, Ibagué, Colombia

Estimado Michael gracias por tu pregunta. Esta es una pregunta muy importante, porque es como el ranking de popularidad de los desnudos en el arte. Me parece que siempre tiene que haber un ranking, si no de que vale ser el mejor o no ser tan bueno, a todos no se les puede poner en un mismo lugar. Para empezar hay que poner unas características especiales. Me pides desnudos en la pintura. Yo establecí que se tenga que ver la cara, que solo haya una, dos o tres personas, así es más un retrato de la persona desnuda. La mayoría de veces las mujeres están desnudas para ver su belleza en su máxima expresión. El cuerpo humano es lo más bello de la creación. Igualmente Miguel Ángel  creo a David y el bello cuerpo se puede apreciar. Igualmente en este caso los artistas quisieron mostrar la belleza del cuerpo de la mujer.

Francisco de Goya, Maja desnuda, 1790-1800

Ingres, La Bañista de Valpinçon, 1808

Ingres, La Gran Odalisca, 1814

Hay 3 formas de pintar mujeres desnudas, las que son idealizadas, que muestran el cuerpo tanta belleza que representan diosas griegas. Un ejemplo de esto es Venus de Urbino de Tiziano. Las que fueron pintadas para mostrar la belleza del cuerpo de la mujer como La Maja desnuda. La otra forma es de erotizar a la mujer, que podría excitar a los hombres. Un caso de esto sería Odalisca con Esclava.

Ingres, Odalisca con Esclava, 1842

Ingres, La Fuente, 1856

Manet, Olympia, 1863
Los desnudos más populares son; Giorgione la Venus Dormida, Tiziano, Venus de Urbino. Quizás la desnuda más famosa sea La Gran Odalisca de Ingres, pero como se puede ver la mujer es deforme, porque tiene la espalda muy larga. Los hombros no son simétricos. Igualmente uno se puede dar cuenta que el brazo izquierdo es más corto que el brazo derecho. La pierna derecha es demasiado gruesa, pero uno solo se da cuenta cuando mira sigilosamente. Igualmente Ingres deformo a la mujer de  La bañista de Valpinçon, donde le hizo la pierna derecha más corta y más delgada, que la izquierda. Ingres hizo todo esto para crear la belleza de la mujer dentro de lo deforme y jugar con el espectador. En su obra La Fuente, la mujer si está muy bien proporcionada. Un pintor siempre sabe las proporciones y es muy consciente de lo que hace.

William Bougereau, Desnudo Sentada, 1884

Frederick Frieseke, Desnuda Sentada en su Tocador, 1909

Amedeo Modigliani, Desnudo Sentado, 1917
Lucian Freud, ha sido el retratista más importante del siglo XX y el pintaba como era la sujeto no para idealizar, ni para mostrar la belleza de la mujer, si no para mostrarla tal como era.


Espero mi respuesta hay sido de tu agrado.



Augusto Chimpen



Diego Rivera, Desnudo con Alcatraces, 1944

Lucian Freud, De Pie Junto a Trapos, 1988-89

martes, 30 de junio de 2015

¿Qué debería hacer el estado para que los nuevos talentos de arte tengan oportunidad a desarrollarse?

Diego Rivera, Paisaje Zapatista (El guerrillero), 1915

                Diego Rivera, Cargador de Flores, 1935

             Diego Rivera, El Vendedor de Alcatrace, 1941


¿Qué debería hacer el estado para que los nuevos talentos  de arte tengan oportunidad a desarrollarse? Lysbet Cajamarca Perú


Gracias por tu pregunta Lysbet. Para empezar los países más cultos son los más ricos y los países más incultos los más pobres. Hay una relación directa entre la cultura y el progreso de un país. Promover la cultura es vital en un país. Si tan solo se le diera más importancia a la cultura en Latinoamérica.

 La cultura está compuesta de 6 disciplinas: el cine artístico, el teatro, la literatura, la música jazz, la música clásica y las artes plásticas. El ballet y la opera estarían dentro de la música clásica. Cuando te hablo del cine artístico, no son películas de Superman, Academia de Policía o Tiburón que son películas de cine comercial, te hablo de películas de Akiro Kurosawa, Pedro Almodóvar, Woody Allen,  Alejandro González Iñárritu, Francisco Lombardi y muchos otros más. El cine artístico tiene una gran libertad de creatividad, tiende mostrar temas dramáticos o usa narraciones diferentes a los convencionales del cine comercial.

          Joaquín Torres García, Grafismo Infinito, 1937

Joaquín Torres García, La Tradición del Hombre Abstracto,1938

Joaquín Torres García, Composición en Blanco y Negro, 1938

Es importante que un país desarrolle, más cultura, en el caso de artes plásticas. ¿Cómo se desarrolla? El gobierno tiene que tener una política de cultura y de promoverla. No solo la cultura, el deporte, la educación, la salud etc. Lo básico para vivir. Pero mantengámonos en las artes plásticas solamente. La meta es culturizar el pueblo. Primero debe darle más importancia el curso de artes plásticas en los colegios. Enseñar más de una vez a la semana. Donde todos tienen que hacer algo de arte, pintura, fotografía, escultura, dibujo o grabado. Hay diferentes disciplinas en el arte también. Los estudiantes deben tener contacto con algunos artistas en el salón y que puedan responder algunas de las preguntas de los estudiantes. Los estudiantes tienen que visitar galerías, museos y estudios de artistas. Tienen que enseñarle a leer obras de arte. Los que más saben de arte saben leer obras de arte y eso se hace con practica y aprendiendo. Para que te guste más una obra tienes que entenderla. Si no la entiendes el gusto es menor, tienes que saber la intención del artista.

                       Marisol Escobar, La Familia, 1963

                Marisol Escobar, Mujeres y Perro, 1964

       Marisol Escobar, Niños Sentados en un Banco, 1994

Tiene que haber mejores museos en tu país y más galerías de arte. Eso es una inversión grande del gobierno. Pero los países más adelantados tienen los mejores museos. Las galerías son privadas, pero también los países más adelantados tienen las mejores galerías con los mejores artistas.

La mayor responsabilidad cae sobre el gobierno, pero la empresa privada también tiene una fuerte influencia en el desarrollo del arte plástico en un país. Si las empresas compraran arte para sus oficinas como lo hacen en Estados Unidos, Canadá y Europa. Esto ayudaría mucho al movimiento artístico en un país. Los beneficios de tener arte en el trabajo son muchos, pero entre los más importantes son: Te relaja, te quita el estrés, te da más energía,  te humaniza, puedes trabajar más y te cansarte menos y te da más imaginación para resolver los problemas de tu trabajo. Esto está comprobado por psicólogos debido que el subconsciente observa el espacio que te rodea y como está con belleza, unidad y originalidad hace que te canses menos.

                     De Szyszlo, Sin Título, 1970

                    De Szyszlo, Orrantia, 1985

             De Szyszlo, Camino a Mendieta, 2001

 Hay tres clases de gobierno, el central, el del estado, departamento o provincia y de la ciudad. Pero el que tiene más importancia es el central y es el que debe dar las pautas para mejorar la cultura. Igualmente de importante es la empresa privada, dado que si el gobierno central no lo hace, el bienestar del pueblo le conviene también a la empresa privada dado que si el pueblo es más culto progresara más y ellos se benefician también.

 Se promueve las artes visuales haciendo eventos, concursos,  dando cursos, haciendo exhibiciones importantes. También debería de dar becas a los mejores estudiantes, becas a New York, Roma o Paris. La gran mayoría de los muy buenos artistas latinoamericanos visitaron Europa y Paris en particular,  Diego Rivera, Joaquín Torres García, Botero, Fernando de Szyszlo, Jesús Rafael Soto y Marisol Escobar. Aunque ahora el centro de las artes es New York. Igualmente Paris, Roma son ciudades que ningún artista puede evitar.

                             Jesus Rafael Soto, Anello, 1971

Jesus Rafael Soto, Ovoide Mediano Negro y Rojo, 2003

Jesús Rafael Soto, Esfera Theospacio, 1989

En el año 2012 en China se inauguró un museo al día, porque ellos saben que el crecimiento económico tiene que ir con un crecimiento cultural. La meta no es tener muchos museos sino buenos museos. Tienen que haber visitas a los museos de los colegios con guías y que expliquen sobre las obras y sus lecturas.

Para terminar Lysbet, no solo es el gobierno central el único jugador, también es la empresa privada, los colegios y la gente que tiene que buscar cultura. Para tener nuevos talentos empieza en el colegio a temprana edad, el contacto con los museos, artistas  y con clases de arte es imprescindible.


Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.



Augusto Chimpen


                     Botero, Mano, 1975

Botero, Soldado Romano, 1985

Botero, Caballo, 1999