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viernes, 30 de noviembre de 2012

¿Crees que existe algún movimiento artístico en el presente? Si es así. ¿Cual es? Y si es que no. ¿A que es debido eso?

Erick Sanchez, Ahora lo Tuyo no te Pertenece, 2011

Erick Sanchez, Te Voy a Enseñar  Miedo en una Mano de Polvo, 2012

Erick Sanchez, Cuidado Guaraguao que si no Vuelas te Quemas, 2012

Erick Sanchez, Me Diste Oro del que no Brilla, 2012


¿Crees que existe algún movimiento artístico en el presente? Si es así. ¿Cual es? Y si es que no. ¿A que es debido eso? Margarita, Barcelona, España


Estimada Margarita, los movimientos artísticos se forman en exhibiciones de museos. Algún museo hace una exhibición colectiva de artistas que presentan algo nuevo, algo nunca visto antes. Los críticos dicen eso es algo nuevo y le ponen un nombre que va relacionado con el tema o manera de hacer ese arte. El último movimiento que se formo fue el Arte Grafiti que fue en 1975. Un movimiento de arte nace en lo que pasa en el mundo. Después de la Primera Guerra Mundial se formo el Dada,  que era un rechazo a lo establecido, a lo clásico, en respuesta a la terrible guerra. Al fin de la Segunda Guerra Mundial, se formo el movimiento Abstracto Expresionista. Después de pasar tanto sufrimiento y tanta destrucción, el arte destruyo la forma y le dio origen a la abstracción total poniendo las emociones del artista en el proceso.  Con el comercio y la publicidad en auge después de la Segunda Guerra Mundial, se formo el Arte Pop. También así, un movimiento puede nacer de la oposición a otro movimiento, tal como fue el Minimalismo que nació en oposición al Abstracto Expresionismo.

Mario Arcadia, Extinción de la Vegetación, 2011

Mario Arcadia,  Mundo Crucificado, 2011

Mario Arcadia, Reptilsapiens, 2011

Mario Arcadia, El Reclamo, 2011

Antes de nuestra era, hasta 1840, los movimientos de arte duraban siglos. El Renacimiento duro 300 años, de 1300 a 1600 aproximadamente. El Arte Barroco duro más de 100 años, todo el siglo XVII y principios del siglo XVIII. El Neo Clasicismo duro 80 año, desde 1750 hasta 1830. La fotografía se invento en 1839 y después de la invención de la fotografía el arte cambio radicalmente. Todos los movimientos duraron muy poco. El Realismo solo duro desde 1830 hasta 1870, el Impresionismo desde 1863 hasta 1890. El Cubismo desde 1907 al 1915. El Dada 1916 al 1930. El Surrealismo desde 1924 hasta 1939. El Abstracto Expresionista desde 1945 hasta 1956. El arte Óptico desde 1964 hasta 1970. El Minimalismo desde 1960 hasta 1975.
Como te podrás dar cuenta después de la invención de la fotografía los movimientos duraron poco tiempo. Mientras que en época antigua duraban cientos de años. Con la segunda etapa de la revolución industrial que termino en 1915 hizo que el arte se transformara más radicalmente y más rápidamente. Dado que el arte es un reflejo de lo que pasa en el mundo. Los artistas se influencias de sus experiencias diarias y trabajan de las influencias emocionales que viven.


Karen Macher,  Nueva Piel, 2011
Karen Macher, Hongos Rojos, 2008
Karen Macher, Ofrenda de Conejos para la Fertilidad de la Tierra,  2010

Karen Macher, Piedra, 2010
El mundo actual se ha diluido de tal forma que no hay una corriente única que pueda influenciar a muchos artistas a la vez. El único movimiento que se está formando es el que yo llamaría movimiento arte Ecológico, ya que la ecología del mundo está en peligro y si no cambiamos nuestra manera de vivir llegaremos a casi destruir el eco sistema donde vivimos y así alterar el cambio climático que resultara en la extinción  de muchas especies de animales. Habrá más huracanes, tifones, terremotos, lluvias, inundaciones etc.,  debido al cambio climático.

Nick Quijano, Hombre, 

Nick Quijano, Hombre

Nick Quijano, La Dama.
Por la necesidad del mundo de cambiar, es lo más importante de nuestro sobrevivir, el movimiento de arte Ecológico se asoma. Pero para que se forme tiene que haber una exposición grande en un museo y los críticos digan eso es algo nuevo, radical y bueno. Así es como se forma un movimiento. Los únicos artistas que conozco son Erick Sánchez, Mario Arcadia y Karen Macher. Pero estoy seguro que hay más en el mundo. El otro movimiento que se asoma es el arte Reciclado, donde se usa materiales reusados, desechados o encontrados. Tal como lo hace Nick Quijano, que usa suelas de zapatillas (tenis) para crear obras de arte y figuras humanas.


Margarita si no se ha formado un movimiento nuevo es por la disolución de nuestra sociedad en ideas y acciones. Antes los artistas estaban más cerca uno al otro. Ahora los artistas trabajan cada uno por su cuenta y hacen lo que piensan.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen

lunes, 19 de noviembre de 2012

¿Con qué pintor actual podríamos comparar a Berni?

Diego Rivera, Cargador de Flores, 1935


David Alfaro Siquieros, La Niña Madre, 1936

Cándido Portinari, Labrador de Cafe, 1934

Mario Urteaga, La Siembra, 1934

¿Con qué pintor actual podríamos comparar a Berni? Carolina, Daireaux, Argentina

Gracias por tu pregunta Carolina. En realidad en el arte visual cada artista es único, cada artista tiene su propio lenguaje visual muy particular. Pueden pertenecer a un mismo movimiento artístico, Arte Pop, Surrealismo, Impresionismo, Arte Grafiti, arte Conceptual, etc. pero todos deben tener un lenguaje visual diferente. Eso es lo más importante en el arte, tener un lenguaje visual propio. Berni trabajo en el movimiento de Realismo Social. Hay otros artistas que han hecho arte en este movimiento tales como, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, David Alfaro Siqueiros, Pedro Figari, Mario Urteaga, Guayasamin, y otros, pero nadie ha hecho lo mismo que él. Berni es un artista sin precedentes. Utilizo el collage como su medio, pero no el collage de papel, si no, pegando objetos para darle más presencia y significado a su obra. Una cosa es dibujar una lata usada y otra cosa es pegar una lata para hacer denotar un basural.  Su obra te impacta por su realismo y mensaje directo.

Antonio Berni, Juanito Bañandose, 1961

Antonio Berni, Juanito Pescando entre Latas, 1972

Antonio Berni, Juanito Jugando el Trompo, 1972

Antonio Berni, Juanito con la Moto, 1972
Antonio Berni uso al personaje Juanito Laguna en su obra, que es el arquetipo de los niños pobres que conoció. Berni hizo a Juanito, jugando, pescando, jugando con su trompo, mirando la televisión, durmiendo, en navidad o volando su barrilete (cometa, chiringa, o chichigua). Ramona Montiel es el otro personaje que usa Berni, ella sale de la miseria y se convierte en prostituta para sobrevivir. Berni hace a Ramona aparece rodeada hombres que la explotan, Ramona como costurera, Ramona posando, bailando y trabajando en el cabaret, con una adivina, Ramona esperando en la carretera y Ramona en su matrimonio por conveniencia, etc.
Con la obra Ramona también uso el collage para darle volumen y uso, telas, bordados (puntillas), tela de vestido de novias, botones, ropa, zapatos, flores artificiales y joyas de plástico. Berni utilizo diferentes caras para personificar a Ramona, porque no era una mujer sino muchas como ella.

Antonio Berni, Las Vacaciones de Juanito, 1972

Antonio Berni, Juanito va a la Fabrica, 1977

Antonio Berni, La comunion de Ramona, 1962

Antonio Berni, Ramona Adolescente, 1973
Igualmente la cara de Juanito no era la misma en todas sus obras, el nombre de Juanito era para catalogar y no personalizar a un niño en particular.  La obra de Berni de Juanito Laguna esta compuesta de objetos y materiales como latas, plásticos, cartones, hierros, maderas, botellas, telas, zapatos, juguetes, llantas y señales de tránsito, etc. La idea de Berni es que todo lo desechable de los ricos era común alrededor en los barrios de los pobres. Pare Berni era importante construir sus obras cono los mismos desperdicios que se encontraban en las ciudades pobres, para así hacerlo mas real y que impacte mas al observador.

Antonio Berni, Ramona con Medias Caladas, 1975

Antonio Berni, Ramona y la Adivina, 1976

Antonio Berni, Chelsea Hotel, 1977

Antonio Berni, La Boda, 1976
Carolina, la obra de Berni no se parece a ningún otro artista habido ni por haber. Es mas Berni fue un prodigio ya que hizo su primera exposición a los 14 años. Su obra es única y muy buena y muchos museos desearían tener una obra de el.  ¿Con que pintor actual lo podríamos comparar? Cada artista tiene su sitial en el mundo del arte y es muy difícil de comparar. Berni fue de vanguardia, muy bueno y único  Lo notable que podría decir que ya lo han dicho muchos críticos es que Berni es uno de los artistas más importantes de Argentina y de Latino América y eso es mucho de decir de un artista.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen

lunes, 29 de octubre de 2012

Comparación de La Maja Desnuda de Goya y la Olympia de Manet

Giorgione, La Venus Dormida, 1507-10

Tiziano, La Venus de Urbino, 1538

Quisiera saber cual es la comparación artística de las obras de La Maja Desnuda de Goya y la Olympia de Manet. Patty, Lima, Perú

Estimada Patty que buena pregunta. Lo más importante de la Maja Desnuda, 1790-1800, de Francisco de Goya, es que la mujer no provoca sexualmente, se nota la belleza sexual de la maja. No es cuadro erótico, si no placentero que donde puedes apreciar la mujer sin excitarte. Aunque algunos dicen que es erótico, a mi no me parece así. Goya para minimizar la excitación la puso en un sofá y no en una cama. Se puede ver que hay una luz natural que viene de una ventana en la parte izquierda, por la sombra de su cuerpo. Ella esta recostada sobre una fina sabana y sobre almohadas con encajes que están sobre la fina tela de terciopelo del sofá. La mirada de la maja es hacia el espectador, Goya hizo eso para jugar con el espectador. Su sonrisa casi inocente no excita al espectador.  La maja no tiene joyas, si no al natural para ser apreciada por su belleza innata. Cuando la inquisición se entero de este cuadro interrogo a Goya por lo obsceno del cuadro y le prohibió su exhibición publica. Hasta ese momento en España nadie había pintado un desnudo así, de una mujer real con tono sexual y provocativo en cierta manera. La maja no tenia excusas de ser un desnudo mitológico.
Francisco de Goya, La Maja Desnuda, 1790-1800

Manet, Olympia, 1863
El cuadro de Olympia, 1863 de Manet, fue inspirado en la Venus de Urbino, 1538, de Tiziano. Que Tiziano a su vez saco la imagen de la Venus Dormida, 1507-10 de Giorgione. Quien poso para el cuadro de Olympia fue una modelo y prostituta, era la preferida de Manet, Victorine Meurent. A quien uso también en Desayuno Sobre la Hierva, Traje y Espada, la Mujer con un Loro y otros cuadros mas. La Venus de Urbino era la Venus romana del amor, de la belleza y fertilidad. Pero Olympia era una prostituta y eso creo un escandalo ya que solo se aceptaban desnudos mitológicos. La sirvienta negra trae un ramo de flores que son del cliente a quien Olympia mira, al espectador, aquí Manet juega con el espectador, igual que Goya. La sirvienta negra, no es una doncella que sirve a la Venus, como en el cuadro de Tiziano, es la mucama y también esta trabajando para la dueña de la casa. La sirvienta mira a Olympia y nos invita que nosotros también la miremos. El gato significa lujuria, relaciones promiscuas y eróticas, un gato negro esta asociado con Satanás y con la muerte, aunque en este caso no aplica, el gato siempre trae malas connotaciones. La orquídea de color rosa que Olympia tiene en la cabeza simboliza seducción, sensualidad, belleza suprema, fecundidad y que quiere seducir al cliente. El lazo que tiene en el cuello simboliza, un regalo, aquí esta tu regalo, le dice al cliente. Con su mano colocada cerca de la pelvis, muestra feminidad y a la vez sensualidad. Olympia tiene una sola sandalia, esto en las pinturas alegóricas es símbolo de la inocencia perdida. Olympia a diferencia de la Maja Desnuda tiene varias joyas, tiene aretes de perla (pantallas o pendientes) y tiene un brazalete de oro que la hace más adornada y deseable.

Patty lo mas importante del cuadro de Olympia, es que Manet rompe con los moldes académicos de las que enseñaban en las escuelas de arte de la época. Otra cosa que lo hace importantes que Olympia mira al espectador y lo convierte en su cliente, el que le ha traído las flores. Ese juego que Monet hace con el espectador no se da en muchos retratos y también es la primera vez que se retrata a una prostituta en su trabajo. El retrato de la Maja Desnuda fue de la Duquesa de Alba quien era una mujer aristócrata y distinguida. En la Maja Desnuda se ve un cuerpo hermoso de una mujer distinguida, en Olympia se ve una prostituta trabajando. Aunque las dos están desnudas las lecturas son muy diferentes como te lo explique arriba.

Espero que mi respuesta sea de tu agrado.

Augusto Chimpen

viernes, 19 de octubre de 2012

Consulta sobre la obra de Campo de Trigo con Cuervos de Van Gogh

Van Gogh, Campo de Trigo con Cuervos, 1890


¿Cual es el tema y motivo que el artista desarrolla en la obra Campo de Trigo con Cuervos de Van Gogh?
¿Cuál es la dirección dominante que se percibe en la obra y porque?
¿De acuerdo con la resolución expresiva que el artista ha indicado para representar la escena, le obra trasmite dinamismo o estatismo y porque? Ayelen, Buenos Aires, Argentina

Estimada Ayelen, gracias por tu pregunta. Campo de Trigo con Cuervos fue una de las tres últimas pinturas de Van Gogh, antes de su muerte en julio 29 de 1890. El tema de esta obra es un paisaje, el motivo de pintar este paisaje fue expresar una emoción. La dirección dominante que más se percibe son los tres caminos que hay en la obra porque están bien demarcados, el camino de la izquierda tiene un borde verde que lo hace mas intenso. Hay otro camino que va hacia la derecha, esto es algo imaginario que el espectador se puede dar cuenta. La otra dirección metafórica que se puede ver es la indecisión a donde ir, que camino tomar y la soledad. Hay confusión, hay oposiciones de color y forma. De color porque el trigo es amarillo y es un color cálido y los colores cálidos nos hacen sentir mas calientes porque pueden aumentar ligeramente nuestra circulación y la temperatura corporal. El cielo es azul y verde que son colores fríos, igualmente los colores fríos nos pueden hacer sentir mas frío porque pueden disminuir ligeramente su circulación y nuestra temperatura corporal. El marrón de los caminos es un color neutral que no cambia nuestra temperatura corporal. El contraste de forma es de los campos de trigo y el de los caminos que son más delineados en su forma.

Quizás la forma mas escalofriante es el horizonte del trigo que debería de ser horizontal pero Van Gogh lo hizo en forma zigzag porque estas líneas transmiten confusión, nerviosismo como cambian dirección rápidamente con frecuencia y pueden implicar peligro y destrucción. La tormenta cargada de nubes oscuras simboliza golpes del destino y desastres. El detalle que habla sobre la muerte son los cuervos, que son asociados con el diablo y la muerte, como se puede observar en la pintura hay una manada que vienen hacia el espectador o van hacia el lado derecho.

La obra trasmite cierto dinamismo, no es estático ya que las aves vuelan. Como las aves vuelan en forma V, a mi me parece que las aves vuelan hacia el espectador, pero hay una menor opción que vuelan hacia la parte derecha. El camino que va a la derecha es diferente al otro camino creando confusión al espectador. Lo que si este cuadro se siente la tristeza y soledad porque los caminos están vacíos. El simbolismo de los caminos es viajar y buscar un destino. ¿Pero adonde si todos tienen diferentes direcciones? Este cuadro Van Gogh lo pinto cuando estaba muy depresivo y pudo poner sus emociones en su obra.

Ayelen espero mi respuesta sea de tu agrado.

Augusto Chimpen

domingo, 30 de septiembre de 2012

¿Cuales son las obras más representativas e importantes de nuevas versiones de otras obras?

Jan van Eyck, Matrimonio Arnolfini, 1434

Fernando Botero, Matrimonio Arnolfini, 1997

Jacques Louis David, La Muerte de Marat, 1793

Edvard Munch, La Muerte de Marat, 1907

Pablo Picasso, Mujer con Cuchillo, (la Muerte de Marat), 1931
En el arte se ven muchas piezas que han sido inspiradas en otras grandes obras y reformadas tomando sus elementos más representativos y característicos pero aun así transformando estos conceptos en la visión del artista. Quiero decir que artistas como Munch y Picasso han pintado sus propias "Muerte de Marat", Dalí pinto varios "Angelus", Botero ha hecho el "Matrimonio Arnolfini", etc, los ejemplos son casi ilimitados, artistas que hacen sus propias versiones de obras que les gustaron o los influenciaron profundamente (como en el caso de Dalí y el Angelus). Mi pregunta es. ¿Cual cree usted que son las obras mas representativas e importantes de nuevas versiones de otras obras? Camilo, Bogotá, Colombia


Jean Francois Millet, Angelus, 1857-59

Salvador Dali, Angelus, 1935
Estimado Camilo, gracias por tu pregunta. Si ha habido artistas que han hecho reproducciones de obras importantes, así como lo dices,  el Matrimonio Arnolfini por Jan van Eyck,  La Muerte de Marat, de Jacques Louis David, El Angelus de Jean-François Millet. Pero también hay otras como Las Señoritas de Avignon de Robert Colescott,  Venus de Milo de Niki de Saint Phalle, Estudio Después del retrato de  Velázquez del Papa Inocencio X de Francis Bacon, Las Meninas de Pablo Picasso, La Ultima Cena de Andy Warhol y las latas de sopa Campbell’s y Kate Moss de Bansky. Esa técnica o método se llama Apropiación, cuando un artista se apropia de una imagen creada por otro artista y en otro contexto de publicidad u otro medio. En este caso estamos hablando solamente de obra apropiadas de otros artistas y de obras famosas. 
Pablo Picasso, Las Señoritas de Avignon, 1907


Robert Colescott, Las Señoritas de Alabama Vestidas, 1985

Niki de Saint Phalle, Venus de Milo, 1962

Salvador Dali, Venus de Milo con Cajones, 1964

Rene Magritte, Las Esposas de Cobre, 1931

Si te das cuenta de todas las obras mencionadas son iconos del arte. Justamente son reproducidas por lo buenas que son, obras malas o de mediana calidad no son reproducidas.

Diego Velazquez, Papa Inocencio X, 1650

Francis Bacon,  Estudio Después del Retrato del Retrato de Velazquez del Papa Inocencio X,  1953
Andy Warhol, Lata de Sopa Campbell's, 1964

Andy Warhol, La Ultima Cena, 1986

Pablo Picasso, Las Meninas, 1957
Estimado Camilo, en mi parecer las obras más importantes de las nuevas versiones en la técnica de Apropiación son las latas de sopa Campbell’s de Warhol, la obra de Robert Colescott, la de Niki de Saint Phalle, Francis Bacon y la de Botero. Justamente esto es uno de las características del postmodernismo, traer algo clásico, modernizarlo y darle una nueva lectura.

Espero que mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen