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sábado, 30 de julio de 2011

Comentario sobre la obra de Lucian Freud

Lucian Freud, Cuarto del Pintor, 1944

Lucian Freud, Muchacha con Gato, 1947

Lucian Freud, Muchacha con Hojas, 1948

Hace muchos años, y en dos ocasiones diferentes, tuve la oportunidad de estar frente a la obra de Lucian Freud y desde entonces soy su gran admirador. En mi opinión, sus personajes están marcados con una fuerte introspección psicológica que me remite, por un lado, a Edward Hopper (aunque a éste le interesaba más escudriñar en el terreno de la soledad e incomunicación), y por otro lado, al erotismo de Egon Schiele, sin llegar a las palabras mayores de éste último.
Fiel a un lenguaje vigorosamente figurativo, la obra de Freud representa con mucha altura la resistencia del oficio de pintar, en tiempos que la expresión artística se manifiesta de maneras tan nuevas, como diversas. Estimado Augusto, te agradeceré me des tu punto de vista al respecto.

El personaje que aparece en el intaglio que te adjunto es Leigh Bowery, quien fuera en vida su modelo favorito. En este grabado se puede apreciar el carácter y maestría de su dibujo. A mi me gusta mucho el trabajo de Lucian Freud, y me gustaría de tu parte un comentario respecto de su obra. Juan, Lima

Estimado Juan, Lucian Freud, nieto del psico-analista Sigmund Freud, es uno de los artistas británicos más importantes del siglo pasado y uno de los artistas figurativos más importantes del mundo. Su obra pertenece al movimiento Nuevo Realismo, que es una nueva clase de realismo en oposición a los abstractos expresionistas que había en los años 50, como Jackson Pollock, Mark Rothko y Willem de Kooning. Su primera exhibición individual fue a los 22 años donde pinto el celebrado Cuarto del Pintor, 1944. A los 25 años pinto Muchacha con Gato y a los 26 años pinto Muchacha con Hojas, sólo para que veas que ya hacía buenos retratos cuando era joven.

Más que todo, Freud hacia retratos y es considerado el retratista más importante del mundo en el último siglo. Su contra parte sería el artista del Barroco, Rembrandt, que también fue retratista. Juan, tienes razón en la obra de Lucian Freud se encuentra soledad tal como lo hacía Edward Hopper y Alice Neel, también hay un erotismo suave como el de Egon Shiele o Philip Pearlstein. Freud pinta retratos con un estilo muy especial y pinta la piel en diferentes colores, lo cual vino a ser su lenguaje visual. Igualmente, le gusta plasmar espacio y tridimensionalidad en el plano.

Lucian Freud, oleo sobre tela, Leigh Bowery, oleo sobre tela, 1991
Lucian Freud, intaglio, Cabeza Grande (Estado II) 1993

Lucian Freud, oleo sobre tela, Cabeza de Muchacha Desnuda, 1999
Lucian Freud, intaglio, Cabeza de Muchacha Desnuda, 2000

Lucian Freud, oleo sobre tela, Madre del Artista III, 1972
Lucian Freud, intaglio, Madre del Artista (Version Final), 1882
Freud hacía dos clases de retratos, unos que son “más reales” y otros que “deforman” al sujeto. El intaglio al que te refieres se llama Large Head (Cabeza Grande), en el que el sujeto es Leigh Bowery, quien fue su modelo de 1990 a 1994. Este intaglio sería el que está deformado, ya que le hizo un hueco en la cabeza, también le hizo la cabeza más larga, la cual él no tiene así. Su cabeza es redonda y lo puedes ver en el óleo a su costado. En el otro retrato de Cabeza de Muchacha Desnuda, igualmente le dibujó un bulto en la frente, le deformó la nariz, le hizo un hueco en la cabeza, hizo el cuello más delgado y más largo y puso sombras en los ojos, con lo que deforma el aspecto de ella, según el retrato en el oleo. En el intaglio de Madre del Artista se puede ver el labio partido y deforme, la nariz desfigurada, casi ninguna esclerótica en el ojo (la parte blanca del ojo), y unas sombras en el centro de la cara, haciéndola de esta manera deforme. Igualmente la hizo molesta. En el retrato de Bella quien es la hija de Lucian Freud, también la deforma, le hace la nariz gruesa, la cara más ancha, le hace unas marcas en la frente y le pone la mirada perdida. Pero en el retrato al oleo, la pinta muy bien y se le ve delicada y pensante. Hasta en su autorretrato Freud se deforma como se puede ver en su intaglio, con sombras que no pertenecen a la cara, los ojos negros, los labios caídos y un hueco debajo del cuello. El retrato al oleo se ve mejor, casi como él era.

Lucian Freud, oleo sobre tela, Bella, 1981
Lucian Freud, intaglio, Bella, 1987

Lucian Freud, oleo sobre tela, Autorretrato: Refleccion, 2002
Lucian Freud, intaglio, Autorretrato: Refleccion, 1996
Una de las características de los retratos de Freud es que los sujetos casi no miran al observador sino están de una manera casual. La lectura de los intaglios es que Freud saca la esencia de las personas pero pone algo de su creación para deformar la cara, añade algo nuevo para de esa manera hacer arte y no copiar la realidad. En la pintura consiguió tener su lenguaje visual muy particular, pintando la carne con varios tonos.
Otra característica de los retratos de Freud era que no buscaba belleza de los sujetos, sino, el crear algo nuevo en ellos. Otra cosa es que el Freud les decía a los sujetos cómo tenían que posar, de esa manera se puede ver la manipulación y control del artista desde el inicio hasta el final. Las poses que tenían sus desnudos eran únicas, nunca antes habían sido pintados de esa manera.

Lucian Freud decía, mucha gente está inclinada a ver retratos no por el arte en ellos, pero para ver como ellos son semejantes a las personas. Esto es un profundo error… Yo pienso que buenos retratos tiene que ver con la manera que han sido hechos… Tiene que ver con el sentimiento, la individualidad y la intensidad, el respeto y de la concentración en el sujeto. Por eso Freud quería que el observador no vea un retrato, sino una obra de arte basada en un sujeto.

Juan lo importante de Lucian Freud es que pudo probar que no sólo el arte conceptual, instalaciones o video arte están de moda, sino que el arte figurativo también puede ser bueno y estar de moda.

Lucian Freud, Supervisora de Beneficios Durmiendo, 1995

Lucian Freud, trabajo en progreso
Su obra Supervisora de Beneficios Durmiendo batió record de ventas para un artista vivo cuando se vendió en 33.6 millones de dólares. Lucian Freud demostró que lo que hace una obra de arte no es lo que presentas, sino cómo lo presentas.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpén

sábado, 16 de julio de 2011

Mucha tonteria en el arte actual

Nam June Paik, Perro Guardian II, 1997

Damien Hirst, El Increible Viaje, 2008

¿Cómo es posible que la pintura haya "evolucionado" más en los últimos cien años que en sus cientos de años de historia? ¿No cree que los "artistas" se hayan excedido en su papel? ¿No cree que la pretensión de destacar, no por la calidad ni la aptitud, sino por el hecho de innovar a toda costa, haya supuesto que exista mucha "tontería" en el arte actual? ¿No cree que ello pudiera provocar un retorno al figurativismo como objeto principal de la pintura? Carlos, Almassora, España

Estimado Carlos, es cierto que desde el Renacimiento (1390) hasta 1900 ha habido solo 8 movimientos artísticos: Renacimiento, Barroco, Rococó, Neo-clasicismo, Romanticismo, Realismo, Impresionismo y Post-Impresionismo. Pero en los últimos 100 años de 1900 al 2000 ha habido aproximadamente 33 movimientos artísticos. Esto se debe a que el artista es producto de la sociedad en que vive. Después del invento de la cámara fotográfica en 1839, la pintura cambio a ser más emocional que ser una reflexión de la naturaleza y el mundo real.

En el mundo ha habido muchos cambios tecnológicos en los últimos 100 años y eso es lo que ha hecho que el artista utilice ideas y medios para expresarse de otra manera. Debido al adelanto tecnológico de la TV y video, en 1960 Nam June Paik invento el movimiento Arte Y Tecnología. Este movimiento se hacía con televisores, con videos y era algo totalmente nuevo, nunca antes hecho. La televisión salió en 1920 y se demoro 40 años para que se use como un medio de arte. Ahora hasta el cine se usa como medio de hacer arte y la película dura una hora, como las que hacen Michael Snow y Bill Viola. Ahora se usa la computadora para diseñar obras de arte abstracto que se van a pintar al oleo. El hombre usa todo lo que está a su alcance para hacer arte y es influenciado por lo que lo rodea.

Jeff Koons, Cachorro, 1992

Jeff Koons, Perro de Globo, 1994-2000

Carlos, es importante que sepas que el artista no pretende destacar sin calidad por el hecho de innovar sacrificando la calidad de su obra, si lo hiciera los críticos se darían cuenta y su obra se caería. Los críticos son ‘críticos’ en todo el sentido de la palabra. Solo lo bueno pasa a ser reconocido. No hay artista de renombre que no se merezca ese reconocimiento. Si ha llegado es por algunas razones muy importantes y vale la pena que este allí. Quizás la gente no ha leído o no sabe, pero sí hay suficientes razones. No te olvides que el arte es una infraestructura y nadie llega a ser famoso rápidamente. Hay niveles que todos los artistas tienen que pasar. Esa infraestructura está compuesta en primer nivel por galerías, y hay galerías buenas y malas. Los buenos artistas van a las mejores galerías y no es fácil llegar a una buena galería, hay que tener méritos. En segundo nivel son los críticos, historiadores, curadores y los medios de comunicación, periódicos y revistas. Aquí varios críticos de diarios y revistas tienen que hablar bien de tu obra y así te haces más conocido. El tercer nivel son las ferias de arte, donde solo las mejores galerías van porque son costosas, y allí solo van los mejores artistas de las galerías. Cada galería tiene un promedio de 30 artistas y solo llevan a 2 o 4 artistas a cada feria. Esto se hace para internacionalizar a esos artistas. El cuarto nivel son los museos. Si un artista llega a varios museos importantes entonces viene a ser un artista de renombre. Solo un puñado de artistas llega a este nivel. Unos cuantos de cada país. Sí hay artistas que hasta han puesto a un tiburón, una oveja o una zebra en una pecera, como Damien Hirst. Sin embargo, justamente el atrevimiento de hacer eso lo ha llevado a lo que él es ahora, uno de los artistas más importantes del mundo porque trabaja de una manera como ningún otro artista lo ha hecho. Y la imagen tiene estética, porque si no hay eso, no hay nada. Hirst vendió una calavera en 99 millones de dólares porque está cubierta con 8601 diamantes. El costo de los diamantes fue de 23.6 millones. En esto se equivocó el comprador; el arte no se valora por lo que te costó hacer la obra, sino el valor estético que tiene. Carlos Zerpa ha hecho calaveras más bonitas y son más baratas. Otro artista que ha hecho obras que nadie ha hecho es Jeff Koons, que ha hecho una escultura inmensa de 12.4 metros de acero y plantas, Puppy (cachorro), algo nunca hecho antes. Esa es la clave ahora, hacer arte nuevo nunca antes hecho. También ha hecho esculturas que aparentemente son de globo, pero tienen estética. Eso es lo que más vale y lo que representa, algo nuevo, único, creativo y con estética. Si un artista puede hacer esto, llegaría a ser famoso como Koons o Hirst.

Damien Hirst, Por el Amor de Dios, 2007

Carlos Zerpa, Calaveras, Poderes Unidos, 1993
Lo que si hay ahora son dos clases de obras: las que son para los museos, como son las instalaciones, que son grandes y pueden llegar a pesar toneladas, y los artistas que trabajan de una manera más práctica, que pintan cuadros, que hacen esculturas, grabados y dibujos. El video arte también es mas para museos porque pueden durar varios minutos y es difícil tener un video en la casa y ponerlo cuando lo quieran ver.

Ramon Agosto, Epitus Felinus B, 2002

Erick Sanchez, Quiero Hacer mi Sueño Realidad, 2008

No creo que los artistas hayan excedido su papel para destacar. El mundo ha cambiado también en los últimos 100 años como no cambió en 2000 años y el arte tenía que cambiar igualmente. No creo que haya ‘tonterías’ en el arte actual. Obras que puedan parecer casuales, sí, pero una obra de arte, es una obra de arte con vida propia y en esa casualidad se encuentra la grandeza. Van Gogh pintó su silla y su cuarto, pero lo hizo de una manera con mucha estética. La cosa es saber cómo presentar las cosas a través de la obra.

Pero como dije en mi respuesta a la pregunta sobre ‘corrientes pictóricas delimitadas en nuestros tiempos’, considero que hay una saturación de tecnología en el arte, instalaciones, arte conceptual y ha empezado un ‘retro arte’ en todo el mundo, donde el realismo, figurativismo, el retrato y lo primitivo han regresado. Las calaveras de Hirst y Zerpa son obras primitivas. Al parecer tú también piensas así y lo has notado, me imagino. La obra de Ramón Agosto también es primitiva, la obra de Erick Sánchez es de paisajes, la obra de Ron Mueck es híper-realista y primitiva porque son desnudos, la obra de Stephan Balkenhol son retratos y así muchos otros artistas que trabajan de este modo.

Ron Mueck, Recien Nacido, 2000 

Stephan Balkenhol, Cabeza de Hombre, 1992
No te olvides que no sólo el arte ha evolucionado, también la arquitectura, la música, la literatura y el cine.

Carlos, lo que tienes que acordarte es que el artista es producto de la sociedad en que vive y trasmite sus experiencias, emociones y sus gustos en su obra de arte.

Espero mi respuesta te haya ayudado.

Augusto Chimpen