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viernes, 31 de diciembre de 2010

¿Cuál es la primera y más significativa expresión artística de la humanidad?

Venus de Willendorf

Venus de Willendorf

Venus de Brassempouy


Venus de Kostenki

Venus de Laussel

Venus de Grimaldi


Lascaux, escena del hombre muerto


Lascaux, escena del caballo chino


Lascaux, escena de ciervos nadando


Lascaux, escenas de caza

¿Cual se considera la primera y más significativa expresión artística de la humanidad? ¿Considerando que es probablemente una obra antigua, sería válido catalogarla como arte aún cuando no siguió ningún patrón académico? Paco, Lima.

Estimado Paco esta pregunta es muy interesante porque cuestiona la primera obra significativa de arte hecha por humanos. Una de las obras humana más antiguas que se conoce es la Venus de Willendorf, 24,000 a 20,000 AC, mide 11.1 cm de altura y 5.7 cm de ancho. El material de la Venus es de piedra caliza y está coloreada con un tono ocre rojizo. Hay varias hipótesis de por qué fue hecha: como amuleto de buena suerte, la representación de una diosa que sería la madre tierra, que es la representación idealizada del sexo femenino con su capacidad de engendrar vida. Mi teoría es que era un amuleto para favorecer la fecundidad. La obra más antigua que se conoce es la Venus de Brassempouy, que es 30,000 AC, pero solo hay la cabeza y el cuello de esa pieza. A pesar que hay muchas Venus con las mismas características que la Venus de Willendorf, tales como la Venus de Lespugue, la Venus de Kostenki, Venus de Laussel, Venus de Grimaldi, todas mujeres grandes, con senos grandes y desnudas, la Venus de Willendorf es la más famosa porque tiene más estética, es simétrica, más realista y humanizada.

Paco, para continuar con tu pregunta ¿Cuál es la obra más significativa expresión artística de la humanidad?, tendría que ser las cuevas de Lascaux, 17,000 AC, al suroeste de Francia porque estas cuevas tienen seis galerías que contienen aproximadamente 2,000 figuras que se pueden agrupar en tres categorías, animales, humanos y abstractos. En las cuevas se encuentra la imagen de un toro de más de 5 metros de largo. Entre los animales que están pintados hay toros, osos, caballos, rinocerontes, bisontes y venados. No hay imágenes de renos, que era su primera alimentación, por lo que aduce que se hacían los dibujos para hacer ritos para celebrar la caza y/o para tener poderes sobre los animales cuando los hacían antes de la cacería. Muchos de los toros aparecen en movimiento, así que no eran solamente dibujos simples. El que los hizo fue un artista muy bueno.

Algunos dibujos están a más de tres metros del suelo, eso quiere decir que tuvieron andamios móviles para realizar estos dibujos en las paredes y techos de la cueva. Hay una escena en la cueva que se llama “el hombre muerto” donde hay una figura antropomorfa (que tiene apariencia humana) que es un hombre muerto con cara de pájaro. Al frente del hombre muerto hay un bisonte moribundo que aparentemente mató al hombre y tiene los intestinos que se están cayendo, herido por una flecha y una lanza visibles. Hay un pájaro en un palo, que podría representar la otra vida del muerto. Las aves porque tienen la habilidad de volar están asociadas con dioses. En otra escena llamada “los caballos chinos”, se pueden ver flechas en la cacería de los caballos. En otra pintura denominada “ciervos nadando” se pueden ver los ciervos cruzando el rio. Esta escena narrativa demuestra la complejidad de los dibujos rupestres y el talento artístico de los que hicieron los dibujos que habitaban estas cuevas. Como no había iluminación en la cueva, tenían que iluminar con velas hechas de grasa de animales. Paco, por la magnitud de las pinturas rupestres en las cuevas de Lascaux, yo considero que esta es la obra antigua más significativa de la humanidad.

La última parte de tu pregunta es muy interesante porque dices que si sería válido catalogarlo como arte aun cuando no tuvo un patrón de arte académico. Arte es todo lo que se crea, con un toque personal para embellecer al mundo. Esa es la finalidad del arte, en el tiempo de que hicieron las pinturas de las cuevas de Lascaux las hicieron por dos razones, para decorar y embellecer las cuevas y para hacer el chamanismo sobre los animales y sobre la caza de esos animales. Además, las figuras tienen estética y son agradables al ver. También esto demuestra que desde el inicio de la humanidad el hombre ha sido artista por naturaleza y ha convivido con arte.

Paco esta es tu segunda pregunta en mi blog por lo cual te agradezco mucho. Espero mi respuesta sea de tu satisfacción.


Augusto Chimpen

domingo, 19 de diciembre de 2010

¿Qué innovaciones tiene Virgen de las Rocas, de Leonardo da Vinci?


Leonardo da Vinci, Virgen de la Rocas 1483-86

La Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci, es una de las obras que más me subyuga. Dentro del Renacimiento Italiano marcó un gran cambio, Leonardo con esta obra introdujo innovaciones que rompieron esquemas en su tiempo, quisiera saber más acerca de ello. Clara, Lima


Estimada Clara, Leonardo hizo dos versiones de esta obra con el mismo nombre. Una se encuentra en el museo Louvre en Paris y la otra se encuentra la National Gallery en Londres. La versión de la cual voy hablar se encuentra en el Louvre, hecha en 1483-86. Las dos versiones son casi iguales con algunos detalles cambiados. Las innovaciones que trajo este cuadro son muchas, entre ellas es el sfumato (esfumado, es la suave graduación de color y sombras para crear profundidad y volumen), Leonardo fue el inventor de esa técnica. Se puede ver el sfumato en las caras de todos los personajes, María, Juan bautista el pequeño a la izquierda, el arcángel Gabriel a la derecha y del niño Jesús. Los personajes por primera vez no tienen aureola, esa fue otra innovación de Leonardo en esta pintura.

Otra innovación que trajo esta obra es por el uso de perspectiva aérea que se puede ver a través de la cueva, en las rocas de color más claro, esa degradación de color sirve para crear los efectos atmosféricos naturales del ojo humano para crear recesión y distancia. Otra innovación importante fue de contar varias historias en una sola escena. La mayoría de artistas de la época contaban una historia en sus cuadros, pero Leonardo pinto obras que decían varias historias en una sola escena. Quizás la innovación más importante fue la creación de una composición piramidal que por primera vez se hacía y que fue un sello en casi todas las composiciones de la Virgen María. La composición piramidal da más estabilidad a las figuras en la composición.

Usualmente en obras de la Virgen María hechas por otros artistas Giotto, Fra Filippo Lippi, Sandro Botticelli o Jan van Eyck la ponen como reina en un trono como reina de los cielos, aquí Leonardo la pone sentada en el suelo haciéndola más humilde. La virgen tiene su brazo derecho abrazando a Juan el Bautista. Las diferentes historias pasan al mismo momento, Juan el Bautista tiene las manos en gesto de oración hacia Cristo. A su vez Cristo bendice a Juan el Bautista y también señala hacia el cielo, en referencia a la dimensión celestial más alta a que Cristo es predestinado. El arcángel Gabriel esta señalando a Juan el Bautista que es el mensajero de la salvación que será conseguida a través del bautismo y el sacrificio de Cristo. El arcángel tiene alas pero no están bien diferenciadas para hacerlo más humano. La Virgen está representada en su papel protector como una madre y criadora, hace un gesto de acariciar a Cristo con su mano izquierda.

Lo importante aquí Clara es que el paisaje no es real, es místico y por lo cual es un paisaje espiritual. En la parte de atrás es pura roca que simboliza la solidez, firmeza y fuerza de Dios, también hace alusión a la Biblia en Salmos 92:15. Para proclamar: El Señor es justo; él es mi roca y en el no hay injusticia. En las rocas en la parte izquierda hay una cueva que representa la matriz maternal, también simboliza el origen de la vida y de la resurrección puesto que Cristo nació en una cueva y fue enterrado en una cueva. En la cueva hay un rio que viene de las montañas de afuera. El agua por sus propiedades de limpieza simboliza la pureza y la inocencia, en el bautismo el agua lava los pecados del pasado. Esto también tiene una connotación cristiana escrita en la Biblia en Juan 4:13-14. Todo el que beba de esta agua volverá a tener sed —respondió Jesús—, pero el que beba del agua que yo le daré, no volverá a tener sed jamás, sino que dentro de él esa agua se convertirá en un manantial del que brotará vida eterna.

La Virgen tiene un manto de color azul que simboliza el cielo y el amor divino. El manto de la Virgen también tiene color amarillo, que simboliza el sol y el color de Dios y su divinidad. La Virgen está representada como una mujer idealizada y perfecta, con gracia, con fuerza y elegancia. Gabriel tiene un manto rojo que es el color de la sangre y el fuego, simboliza amor y poder. Juan el Bautista y Cristo están desnudos y eso representa armonía con la naturaleza así como en el paraíso la ropa no era necesaria. La planta anemone en la parte izquierda abajo simboliza la muerte y luto, ha sido asociado con la crucifixión de Cristo, porque aparece en varias pinturas de la crucifixión abajo o cerca de la cruz. Los pétalos rojos simbolizan la sangre de Cristo. Detrás de Juan el bautista hay una planta de palmera que también hace insinuación de un verso en la Biblia en el mismo capítulo de Salmos 92:12. Como palmeras florecen los justos. Clara cada cosa que pinto Leonardo da Vinci en este cuadro tiene un significado muy profundo. Clara espero mi respuesta haya sido de tu agrado.


Augusto Chimpen

lunes, 29 de noviembre de 2010

¿Es que la cámara oscura influenció artistas para hacer arte abstracto?


Gustave Courbet, Funeral en Ornans (1849-50) 314 x 663 cm


Gustave Courbet, El Estudio: Una Alegoría Real (1855) 361 X 598 cm.

Edouard Manet, Desayuno Sobre la Hierba (1863) 208 X 265 cm.

Claude Monet, Impresión: Amanecer (1872) 48 x 63 cm.

Van Gogh, Noche Estrellada (1889) 72 X 92 cm.

Henri Matisse, La Alegría de Vida (1905-06) 175 X 241 cm.

Pablo Picasso, Violín y Uvas (1912) 50.6 X 61 cm.

Vasili Kandinsky, Líneas Negras (1913) 129 X 129 cm.

¿Es que la cámara oscura influenció artistas en el Renacimiento y cómo influenció otros artistas para que pintaran abstracto? Sandy, Dallas, Texas


Cámara oscura en latín significa “cuarto oscuro” y es el fenómeno óptico donde los rayos de luz se ponen al revés pasando por un hueco. La imagen se ve volteada en una pantalla cuando es paralela al hueco, de esa manera el bosquejo se puede copiar en un papel o una tela. El principio era conocido por Aristóteles, 350 a.C. En el Siglo XVI la tecnología de la cámara oscura mejoró. Ya era portátil y con el uso de espejos con ángulos y lentes, la imagen podía verse más exacta. Era usada como una ayuda para dibujar, el sujeto posaba y la imagen reflejaba en un papel para que el artista hiciera el bosquejo.

La cámara oscura era un instrumento usado por los artistas porque la perspectiva era más exacta y por lo tanto aumentaba el realismo de la pintura. Sí se sabe que la cámara oscura era conocida desde el Renacimiento, porque Leonardo la describió en su libro de notas Codex Atlanticus. Leonardo usó la cámara oscura para estudiar los tipos de luz como está escrito es sus tratados y para estudiar la sombra, la perspectiva, el movimiento del agua y el fenómeno de la luz.

Sandy para responder la primera parte de tu pregunta, se sabe poco del uso de la cámara oscura en la pintura del renacimiento. Sí era conocida por los artistas, pero el uso de la cámara oscura no es visto en sus obras. Hay varias generaciones de cámara oscura y con cada generación la imagen era más fiel al mundo natural. El artista del Renacimiento puede haber sido influenciado por el uso de la cámara oscura, pero investigadores del arte no han podido encontrar ninguna pintura hecha en el Renacimiento que haya sido realizada con la ayuda de la cámara oscura.

En cambio se sabe que Vermeer en el Siglo XVII y Canaletto en el Siglo XVIII usaron la cámara oscura por la precisión de los detalles y la perspectiva aérea de sus obras. Al mirar algunas de sus obras parecen una fotografía, por esta razón los investigadores de arte han podido decir que ellos usaron la cámara oscura. El espacio y el aspecto de las pinturas del Renacimiento son totalmente diferentes a la de Vermeer y las de Canaletto. Rayos X en algunas pinturas de Vermeer han enseñado rastros de dibujos en su tela.

La cámara oscura es el arquetipo de la cámara fotográfica moderna inventada en 1839 por Louis Daguerre. Después que la fotografía fue patentada, cambió la pintura para siempre. El pintor Paul Delaroche uno de los más exitosos pintores académicos dijo “desde hoy día la pintura ha muerto”. Porque la pintura trataba de imitar la realidad, pero el daguerrotipo era más exacto y real que cualquier pintura. Pintores tenían que tomar un nuevo aproche con la pintura para alejarse de lo realista que ellos trataban de imitar.

Realismo fue el primer movimiento artístico cuando el daguerrotipo fue patentado. Los pintores tomaron un nuevo enfoque en su pintura para crear alegorías sacadas de la vida real que eran casi imposibles hacerlas con el daguerrotipo. Courbet también hizo cuadros grandes para diferenciarse del daguerrotipo que era pequeño. Eso lo podemos ver en las pinturas de Courbet Entierro en Ornans (1849-50) que mide 6.63 metros de largo y su cuadro alegórico El Estudio: Una Alegoría Real (1855) de 5.98 metros. Otro importante artista realista era Edouard Manet que con su Desayuno Sobre La Hierba (1863) mezclo un bodegón, el retrato, y un paisaje creando así 3 temas en un solo cuadro. Mientras que la fotografía daguerrotipo solo hacia retratos o bodegones solamente.

Después del Realismo vino el Impresionismo que por la primera vez en la historia del arte, la imagen se fue rompiendo con pesadas pinceladas que estaban supuestas a ser unidas por los ojos del observador. Esto se puede ver en la pintura del fundador del Impresionismo Claude Monet Impresión: Amanecer (1872). El próximo movimiento fue el Post- Impresionismo con Vincent Van Gogh liderando el camino. La imagen se diluyó más todavía, donde todo el cuadro fue hecho con pinceladas gruesas como se puede ver en La Noche Estrellada (1889). Realismo ya no estaba en la mente de los artistas, ellos querían dar emoción al observador y la creatividad era muy importante.

Mientras la fotografía trataba de imitar a la pintura haciendo retratos, paisajes y bodegones, la pintura se alejaba más del mundo real. Después del Post-Impresionismo vino el Fauvismo con Henri Matisse usando color como nunca antes visto. Su pintura tenía verdes y azules troncos de árboles, amarillo, azul y rojo es el pasto como en su cuadro La Alegría de Vida (1905-06), cambiando los colores del mundo real. A continuación de los Fauves, vino el Cubismo que por primera vez en 600 años rompió el uso de la perspectiva desde el Renacimiento, viendo el sujeto simultáneamente de dos lados y pintados con monocromía y sin perspectiva, como se puede apreciar en la obra de Pablo Picasso Violín y Uvas (1912).

Posteriormente al Cubismo vino un movimiento basado en Múnich, Der Blaue Reiter (el jinete azul) con Vasili Kandinsky dirigiendo este movimiento. El creó la primera pintura no objetiva en 1913 con el cuadro Líneas Negras, donde las líneas y el color toman valores diferentes independientes del otro, creado un dinamismo y movimiento basado en una abstracción total y no basado en la naturaleza.

Cómo pudiste observar, los artistas usaron tamaño, color, la perspectiva y rompieron la imagen para diferenciarse de la fotografía cuando el daguerrotipo fue patentado. Los artistas diluyeron la imagen, después el color, inmediatamente la perspectiva y 74 años después hicieron la primera pintura abstracta.

Sandy lo más importante es que tienes que recordar es que tenemos pintura abstracta porque la fotografía se inventó y que la primera pintura abstracta fue hecha por Kandinsky en 1913.

Gracias por tu buena pregunta, si tienes más preguntas envíamelas y gustoso te las responderé.

Augusto Chimpén

lunes, 15 de noviembre de 2010

¿Cual es el movimiento de arte mas importante?

Giotto


Botticelli


Leonardo da Vinci


Parmigianino

¿Cuál ha sido el movimiento más significativo de la historia del Arte y por qué? Edgard, Miami


Estimado Edgard, tu pregunta es muy importante y de interés general. El movimiento más importante en la historia del arte ha sido el Renacimiento porque desde allí empezó el arte a tomar importancia. Se llama así porque allí hubo un renacer del arte clásico, de la arquitectura, literatura y ciencias, que empezó en el Siglo XV y terminó en el Siglo XVII. El arte del Renacimiento tuvo como centro el humanismo inspirado por los intelectuales de la época y por el renovado interés en arte clásico de Roma y Grecia. El primer pintor renacentista que se conoce es Giotto, y Florencia fue la cuna del Renacimiento. La mayoría de obras de Giotto son murales en iglesias que aunque representaban temas religiosos, les dio un aspecto terrenal. El Renacimiento marcó un gran control de de la anatomía humana, sus gestos, las expresiones faciales y de la perspectiva lineal y aérea. También comenzaron a pintar temas seculares con temas de leyendas clásicas, temas históricos y religiosos.

El Renacimiento fue precedido por la edad media, que duró 10 siglos, desde el Siglo V hasta el XV. La arquitectura también tomó importancia en el Renacimiento. Siendo la basílica de San Pedro diseñada por Miguel Ángel, la obra arquitectónica más importante de este movimiento.

El Renacimiento tiene tres etapas, renacimiento temprano o inicial, va desde 1400 a 1470, tiene como principales exponentes a Sandro Botticelli, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Massaccio, Filippo Lippi, Mantegna y Fra Angelico. Los artistas del renacimiento inicial buscaron crear formas consistentes en el mundo real y el desafío fue hacer las formas esculturales en un espacio inmenso con los efectos de la luz y el color.

El renacimiento alto, que duro de 1480 hasta 1530, se desarrolló en Roma y no en Florencia como el renacimiento inicial. Tuvo a Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Donato Bramante y Tiziano como principales gestores. El renacimiento alto se caracterizó por el desarrollo de las formas de representar la perspectiva lineal, la aérea y el mundo natural, con mucha fidelidad. Asimismo por el sfumato (la suave graduación de sombras que crea la profundidad y volumen) de Leonardo que se puede ver en los labios de la Mona Lisa. También se uso mucho el chiaroscuro (claroscuro), que es el uso de contrastes fuertes de luz y sombras entre volúmenes para destacar mejor algunos objetos o personas. Esta etapa es la cima del arte del Renacimiento.

El renacimiento tardío se llama también manierismo y tuvo su origen en Venecia y después se extendió a España, Europa central y norte. Duró desde 1530 hasta el año 1600 cuando empezó el periodo barroco. El manierismo era una reacción anti-clásica y contra la validez del ideal de la belleza y de la calma y balance que defendía el renacimiento alto. Algunas figuras manieristas eran desnudos en posturas difíciles con extremidades graciosas, proporciones alargadas, altamente estilizadas y carencia de una perspectiva clara. Estaba a favor de dar más emoción y distorsión. Las obras hechas en esta época reflejaban la tensión que marcó a Europa en esta época. Los principales exponentes del renacimiento tardío son, Fiorentino, Pontormo, Parmigianino, Bronzino and Giorgio Vasari, Tintoretto, Veronés y Arcimboldo.

Edgard, como te dije, el Renacimiento es importante porque el arte tomó importancia durante esa época. También puedo añadir que el Renacimiento es el movimiento más significativo porque en el fueron hechas las obras más conocidas del mundo occidental hoy día, la Mona Lisa y la Ultima Cena de Leonardo da Vinci. El Renacimiento es también importante porque con él empezó la Edad Moderna.

Gracias Edgard por tu buena pregunta de interés general.

Augusto Chimpen

domingo, 31 de octubre de 2010

¿Cuál es el rol del silencio en el arte?



Giancarlo Vitor



Erick Sanchez

Rudolph Castro
 

Pablo Patrucco


Juan Luis San Miguel


¿Cuál es el rol del silencio en el arte? Luis, Buenos Aires

Luis tu pregunta es muy interesante. El silencio es muy importante para un artista porque la creación empieza con el pensamiento y con ideas. El pensamiento es silencioso.

Cuando he visitado artistas y los he encontrado pintando, siempre están solos. Los artistas generalmente no pueden trabajar con gente a su alrededor o conversando, eso quiere decir que necesitan soledad y silencio porque necesitan concentrarse en lo que están haciendo. Algunos de ellos escuchan música clásica y otras clases de música.

Para estar más seguro de mi respuesta, le pregunté a varios artistas, entre ellos el pintor foto-realista Giancarlo Vitor, que me dijo que no hablaba con nadie y que escuchaba música rock, bosa nova, jazz y música alternativa, según su estado de anímico. Vitor indicó que no podía pintar hablando con otras personas.

El artista figurativo puertorriqueño Erick Sánchez me dijo, “voy de lado a lado, hacia atrás y adelante mientras bailo y canto. Me entrego de alma y corazón a la obra. Mientras pinto no puedo hablar con nadie. A veces la gente me habla y ni los escucho. Me concentro demasiado en la obra. Prefiero que no me interrumpan”. Sánchez no puede pintar y conversar.

Cuando le pregunté al artista conceptual Rudolph Castro cuál es el rol del silencio en su obra, me dijo, “necesito estar solo sin estarlo, confinado por breves minutos y/o horas a la música que salga de mi reproductor, mi propia elección como individuo a no querer que perciba ninguna enfermedad el nuevo lienzo u objeto que aun se encuentra débil, de querer o poder nacer. Se podría pensar que uno quiere privacidad o una manera de recluirse, pero son momentos de desintoxicación visual, mental y espiritual, en el que para conocer algo o alguien, requiere solamente dos tonos distintos de voz y una canción aleatoria al tiempo. No estaré acompañado pero está claro que nunca estoy solo”. Castro está solo, pero acompañado de su energía espiritual.

El artista híper-realista Pablo Patrucco me dijo que puede conversar o hablar por teléfono y pintar a la vez sin ningún problema; hasta puede pintar escuchando un partido de futbol. Pero él escucha la música dependiendo del cuadro que pinta. Hay un cuadro que le pedía salsa solamente, pero mayormente escucha música clásica cuando pinta. Patrucco sí puede conversar y pintar a la vez.

El pintor multi temático Juan Luis San Miguel, que hace retratos, bodegones, y abstracciones, prefiere el silencio para pintar porque los mensajes derivados de la música o la televisión influencian y perturban su proceso creativo. Además, respira profundamente mientras trabaja, buscando siempre la mayor claridad mental y una sensación de vacío interior.

Luis, eso quiere decir que no todos piensan igual y que trabajan de diferente manera. En esencia todos los humanos trabajamos de diferentes maneras, pero la meta tiene que ser la misma y nuestro esfuerzo tiene que ser lo máximo que podemos para llegar a nuestra meta.

Gracias Luis por tu buena pregunta.



Augusto Chimpem



miércoles, 13 de octubre de 2010

¿En que se diferencia un artesano de un artista?

Artesania


Artesania

Fernando de Szyszlo
 

Pedro Caballero


Galdo Rivas







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Milner Cajahuaringa
   



Jorge Eielson

 
Quipus
 
¿En qué se diferencia un artesano de un artista? Me parece que casi la mayoría de artistas peruanos que reflejan en sus obras la cultura típica de nuestro país son considerados artesanos. ¿Por qué esa diferencia? Flor, Lima


Flor un artesano, aprendió su trabajo de su padre, abuelo o en una escuela de artesanía. A su vez los artistas plásticos que tienen exhibiciones en galerías fueron a la universidad y se graduaron en artes plásticas. La mayoría de los pintores que hace pinturas con la cultura típica son considerados artesanos, si ellos venden sus cuadros a los turistas.

Hay artistas plásticos que usan iconografía de las culturas incaicas tales como Fernando de Szyszlo, Pedro Caballero, Galdos Rivas, Milner Cajahuaringa y Jorge Eielson, pero ellos solo usan influencia de la cultura inca y la creatividad es la mayor parte de su obra donde cada obra es única. Mientras que los artesanos la iconografía Inca es mayor que la creación de la obra hecha y donde casi todos los cuadros se parecen. En el caso de Jorge Eielson es influenciado por los quipus incaicos (cuerdas y nudos de diferentes colores que los incas usaban para guardar información, records de sus cosechas, censos de la población, desde niños hasta ciegos de 80 años, de los impuestos, etc.) como referencia.

La diferencia de un artesano y un artista es donde venden sus obras, el artesano vende para los turistas y el artista plástico en las galerías para los coleccionistas. Los artistas plásticos que hacen iconografía Inca no son considerados artesanos, si no “abstractos indigenistas”, en el caso de los pintores antes mencionados. Es verdad lo que dices, que la mayoría de los que hacen obras de cultura típica son considerados artesanos. Esto porque los artistas plásticos no hacen arte típico como te habrás dado cuenta en las imágenes.

Generalmente esto aplica a todos los países del mundo, pero la artesanía es muy bonita y muy decorativa. No es nada menor o feo tener artesanía en casa, es cuestión de gustos.

Gracias por tu pregunta Flor, espero mi respuesta aclaro tus dudas.

Augusto Chimpen

martes, 28 de septiembre de 2010

¿Quien determina que es arte? Parte 2

Marco Costa Salazar


Luis Palao Berastein

Rogger Oncoy

¿Quién determina que algo es arte? Los movimientos urbanos como el grafiti, muebles de diseño, ¿Eso se considera arte? ¿Quién determina qué es arte y qué no? Patricia, Caracas.

Me he visto forzado a seguir respondiendo esta pregunta, por los comentarios de varias personas.
Como el arte no es una ciencia exacta, hay artistas que son muy buenos sin estar en museos. Ellos venden sus obras solos, a través de sus blogs como Rogger Oncoy, Luis Palao Berastein, Marco Costa Salazar y muchos otros más alrededor del mundo. También hay artesanos que por su grandeza de obras han venido a ser artistas buenos tal es el caso de Gregorio Sulca que es un maestro de los tapices. Que las obras de estos artistas este o no en un museo no les quita lo bueno que son como artistas.

Pero como yo soy historiador de arte de profesión, entonces tengo que hablar de las obras de artes plásticas que se encuentran en museos o que pueden llegar a un museo. Ya que los museos son considerados el pináculo de las obras de arte. También porque toda institución creativa tiene que tener parámetros, si no cualquiera que hace el dibujo y plano de una casa fuera considerado un arquitecto y no es así.


Una vez le recomendaron a Picasso un joven artista, y el dijo. ¿Qué edad tiene? Le dijeron, tiene 28 años y Picasso dijo, “cuando tenga 40 años me lo traen”. Como diciendo si el todavía pinta y vive del arte a los 40 años, debe ser bueno. Eso quiere decir también que para ser artista uno tiene que vivir de su arte. Son varios los factores que hacen a un artista. Su popularidad en las galerías, museos, y que viva solamente de su arte, si tiene otra entrada u otro trabajo para mantenerse, quiere decir que no vive de su arte. Pero como repito el arte no es una ciencia y puede haber un artista que no haga mucha producción y sea un tremendo artista. Leonardo da Vinci solo hizo 12 obras de arte. Pero 2 de ellas son las más famosas del mundo.


Otra cosa que hay que tomar en consideración es que clase de obra un artista hace. Los artistas que pintan realismo, venden sus obras a menos precios que los que hacen arte abstracto. Por la sencilla razón que ellos no están creando, están imitando el mundo real. Un artista tiene que crear su propio lenguaje visual, que apenas ves una obra ya conoces su lenguaje visual sin tener que leer el nombre del artista. Allí es cuando el artista se hace famoso, a través de su lenguaje visual propio de ese artista.


También habria que definir que es arte y la respuesta es múltiple. Cada artista, historiador y profesor de arte da una respuesta diferente. Alguien dijo, es lo que nos diferencia de los animales, pero ahora también hacen arte los monos y elefantes así que esa definición ya no aplica. Ahora se podría decir, es lo que es apreciado por los que no son animales.


Muchos comentarios complementan lo que yo digo. Por eso sus comentarios son muy valiosos, además las personas que mandan comentarios en lugar de pasivos, son activos y así se hacen más grandes también. Dar su opinión es valioso, es interactivo y así debe ser un blog. En un periódico uno no puede dar su opinión, a menos que sea online, para eso es este medio de internet para dar su opinión de lo que uno lee si es un blog. Acepto criticas tambien, eso me hace mejor, muchas gracias a todos que han hecho comentarios.

 Augusto Chimpen

viernes, 10 de septiembre de 2010

¿Quien determina que es arte?





















¿Quién determina que algo es arte? Los movimientos urbanos como el grafiti, muebles de diseño, ¿Eso se considera arte? ¿Quién determina qué es arte y qué no? Patricia, Caracas.

En el arte hay una infraestructura que es formada por las galerías, los críticos de los medios de información de revistas y periódicos, las ferias y los museos. Los curadores de los museos son lo que determinan qué compran los museos. Para responderte a tu última pregunta, son ellos quienes deciden qué es arte y qué no es arte porque ellos son los especialistas.

El grafiti existe desde el tiempo de los egipcios y romanos y se ha encontrado grafiti en las catacumbas de Roma y en las ruinas de Pompeya.

En el caso de grafiti en las calles, eso no es considerado arte público, a la vez no es imprescindible porque es considerado polución visual y vandalismo. El grafiti es arte cuando se hace en tela y se presenta en una galería y no en una pared pintada en la calle. Keith Haring (imagen segunda ultima) y Jean Michel Basquiat (ultima imagen) fueron los más grandes artistas de grafiti de todos los tiempos.

Jean Michel Basquiat se hizo famoso cuando varias personas, que hacían grafiti en las calles, hicieron una exhibición en Times Square en una casa abandonada e invitaron a varias galerías importantes. En la exhibición la galería Annani Nosei se interesó por Basquiat y lo agarró como su artista, pagándole $10,000 US mensuales para que sobreviviera.

Patricia, en algunos museos se exhibe arte decorativo, (primera imagen, mesa de Fabio Novembre, silla de Gerrit Rietveld y lampara Tiffany) que incluye los objetos ornamentales y funcionales hechos en metal, madera, vidrio, cerámica y muebles que son mayormente diseños para interiores de oficinas y casas. El arte decorativo no es considerado arte, porque el arte plástico es único y no es hecho en producción a escala comercial, como se hace el arte decorativo. Además, el arte decorativo es para adornar y es funcional. El arte plástico sirve para dar personalidad a un ambiente, también decora por supuesto y no es funcional.

Gracias por tu pregunta Patricia.


Augusto Chimpen

miércoles, 25 de agosto de 2010

El arte de Tapies






















¿Por qué está tan bien valorado el arte de Tapies cuando a mi entender es un tipo de arte carente de mérito y en cuyo lanzamiento han tenido mucho que ver criterios ideológicos como fue el hecho de ser un opositor al franquismo? ¿No podría crearse un observatorio de críticos independientes que valoren el arte sin tener en cuenta la adscripción ideológica de los artistas y sólo por sus valores estéticos? Juan, España

Estimado Juan, me parece que no te gusta el arte de Antoni Tapies (tres primeras imagenes) y tal vez va a ser un poco difícil convencerte de sus méritos. Pero en el mundo del arte no interesa tu ideología política o tu manera de pensar. Picasso (cuarta imagen) también estaba contra Franco. Te puedo dar otro ejemplo más convincente. El famoso artista mexicano Diego Rivera (quinta imagen) era comunista, pero aun así, trabajó y pintó murales en Estados Unidos. Uno de los murales que pintó fue en la Ford Motor Company de Detroit en 1930, la era de la gran depresión americana. Mucha gente se opuso a que el mural fuera pintado por Diego Rivera. Después de pintado, el mural lo tildaron como “vulgar y no-americano”. Pero el mural existe aun y es considerado uno de los mejores murales de Rivera. Nelson Rockefeller, un icono de la industria americana, vio el mural de Detroit y le pidió un mural para el edificio del RCA en New York. Diego Rivera pintó el mural, pero había pintado la cara de Lenin entre los sujetos del mural y por esta razón destruyeron el mural después de 4 meses. Todo el mundo sabía que Rivera era comunista pero su arte fue aceptado por sus méritos, no por su ideología.

El primer artista que pinto arte abstracto fue Vassily Kandinsky (ultima imagen), quien era ruso. Se le da el crédito a Kandinsky como el primer artista que pintó arte abstracto. No se le quita el valor que su obra merece por su manera de pensar, su ideología política o su lugar de nacimiento.

En el caso de Tapies, su éxito tampoco es por su ideología anti franquista. El es un artista muy conocido en el mundo artístico, sus obras se encuentran en los mejores museos del mundo. Eso lo dice todo. Si un artista es aceptado por la infraestructura del arte, no es por ideología política a favor o en contra de algún régimen, es porque se merece estar allí.

Juan la mayoría de críticos son independientes y no hay necesidad de crear un observatorio de críticos independientes. Y nosotros, porque yo también soy crítico de arte, somos imparciales y no nos llevamos por la manera de pensar, su política o su ideología del artista, si no por su obra que es lo único que interesa. En el arte no hay fronteras, ni ideologías políticas, hay arte, y por sus meritos vale.

Juan espero que mi respuesta te haya sacado de tus dudas. Gracias por tu pregunta.

Augusto Chimpen