Envia tu pregunta

Envia tu pregunta a preguntas.de.arte@gmail.com Puedes hacerte amigo en facebook www.facebook.com/pages/preguntas-de-arte/188783107818401 Pueden ver la entrevista que me hicieron en el programa CV Bien del canal 24 de Puerto Rico http://www.youtube.com/watch?v=3YztfjfGL6E&feature=player_embedded



Visita el blog de Javier Dominguez aqui, http://javierdominguezvalencia.blogspot.com/



Miembros

martes, 9 de febrero de 2016

Lectura de La Balsa de la Medusa

Gericault, La Balsa de la Medusa, 1818-19


Me gustaría saber más de la obra La Balsa de la Medusa. Marisel, San Juan, Puerto Rico

Gracias por tu pregunta Marisel. La Balsa de la Medusa (1818-19) es una pintura realizada por Théodore Géricault, se encuentra en el museo Louvre. Es su principal obra de las muchas buenas que realizó. Esta obra pertenece al movimiento Romanticismo,  donde se pone énfasis en una emoción rebelde  y los sentimientos. Esta obra es más grande que tamaño natural por su gran formato del cuadro, mide casi 5 metros de alto por 7 de ancho, (491 cm × 716 cm).  El nombre del cuadro viene de un hecho real, donde una fragata Méduse, encalla en la costa de Mauritania el 5 de julio de 1816. Gericault se entera de la fragata por un libro escrito por 2 de los sobrevivientes, Henry Savigny y Alexander Correard.

Plano de la balsa de la Medusa al momento del rescate de los sobrevivientes


Habían 410 personas en el barco francés, 160 de los cuales eran tripulación. Pero solo habían botes salvavidas para 250 personas.  Así que se construyó rápidamente una balsa para las 160 personas. Esa balsa se amarro al bote de los oficiales.  La balsa contenía un barril  de agua y varios barriles de vino que son tomados por los marinos se emborrachan y se amotinan, pero los oficiales matan a 63 hombres con los sables. Los muertos heridos y locos son arrojados al mar. Los oficiales cortan la soga que la tenía unida y la balsa se va a la deriva sin dirección. Después del cuarto día los náufragos empiezan a cortar partes de cuerpos de los muertos y comerlos. Los supervivientes pasaron hambre,  insolación, deshidratación, canibalismo y locura. El suceso llegó a ser un escándalo internacional, porque sus causas fueron atribuidas a la incompetencia del capitán francés que actuaba bajo la autoridad de la reciente monarquía francesa.


Gericault, boceto para Balsa de la Medusa

Gericault, boceto para Balsa de la Medusa

Gericault, boceto para Balsa de la Medusa

Con la ayuda de los 2 sobrevivientes Gericault reconstruyo una balsa en su estudio igual a la balsa real, para hacer el cuadro y su historia más realista.
El pintor  se demora 9 meses en pintar el cuadro, Correard uno de los sobrevivientes, posa para el cuadro. Un amigo Theodore Lebrun posa como el padre que agarra al hijo detrás de la barca. Para pintar más real el color de la piel de los muertos Gericault se presta  partes de cadáveres de un hospital vecino, cabezas, piernas, brazos y los visitantes a su estudio se quejan del olor. Gericault hizo la historia en 40 bocetos para ordenarlos y plasmarlos en el cuadro.


Gericault, La Ludopata, 1819-22

Gericault, El Cleptomano, 1822

Gericault, La Loca, 1822-28

El cuadro muestra la acción del 17 de julio cuando los sobrevivientes miran de lejos el barco Argus  y le gritan y se ponen contentos pero el barco no los recoge. “Desde el delirio de alegría, que cayó en un profundo abatimiento y la tristeza”. Dicho por uno de los sobrevivientes. Dos horas mas tarde el mismo barco Argus regresa y los recoge. Solo quedan solo 15 sobrevivientes y 5 de los cuales morirán en los días después. 

Gericault uso colores oscuros para dar una emoción más fuerte y fúnebre al espectador. Igualmente uso la forma de una pirámide, para dar estabilidad a la balsa. La cúspide de la pirámide es el muchacho negro que está parado en un barril flameando su camisa.
El mar se ve muy agitado por la ola a la izquierda y al frente. Se ve un cielo oscuro, negro y nublado para denotar tristeza. El pintor puso en la balsa todos los elementos para contar la historia muy bien. Se puede ver un barril de vino para hacer recordar la borrachera, igualmente también se puede ver una hacha, para denotar la pelea que hubo contra los oficiales. Se pueden ver 18 personas en la balsa, pero solo hay 15 que están vivos. Dos  eran guardados para comerlos y uno que era el hijo que su padre lo agarra.
Se puede ver claramente quienes están muertos. Uno en la parte izquierda solo tiene medio cuerpo, a ese ya se lo habían comido. El que está a la extrema derecha y que invade nuestro espacio también está muerto. Gericault pone todas las emociones y condiciones de estado físico y mental en la balsa.  El que está en el centro del cuadro boca abajo está casi moribundo. Sostiene una estaca de madera que aguanta al muerto. Otros solo observan y señalan al barco. Hay uno con las manos en la cabeza que no muestra ninguna emoción, probablemente casi desquiciado por la travesía. Hay algunos sentados enfermos, arrodillados y débiles que ni pueden pararse. En la parte trasera el padre agarrando a su hijo muerto, muy triste no hace ninguna reacción. Los más activos son los que están al frente moviendo sus camisas y gritando. Gericault quiso contar toda la historia de la travesía y lo hace muy sutilmente.

Gericault termino este cuadro a la edad de 28 años y murió a la edad de 32 años de una enfermedad muy dolorosa, que se piensa que fue cáncer a los huesos.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado. Las lecturas de obras maestras son las preguntas que me gustan responder.


Augusto Chimpen





sábado, 26 de diciembre de 2015

¿El artista nace o se hace?

Pablo Picasso, La Tragedia, 1903

Pablo Picasso, Figura en la Playa, 1931


¿El artista nace o se hace? Melany, Ixtapaluca, México.

Gracias por tu pregunta Melany. Siempre se dice que el artista nace y hay mucho cierto en eso. Pero me imagino que hay algunos, que quizás no nacieron para ser artistas. Pero les gustaba tanto el arte que quisieron ser artistas y siguieron esa carrera.  En el caso de Picasso, que a los 20 años ya estaba en su periodo azul, a los 23 años en su periodo rosado y a los 28 años origino el cubismo. Te puedes dar cuenta que Picasso, si nació para ser artista. 

Diego Rivera, Mujer Moliendo Maiz, 1924

Diego Rivera, Niña en Azul y Blanco, 1939

Igualmente Diego Rivera que empezó a estudiar arte a los 10 años en la academia de San Carlos en México DF. he impresiono a sus profesores, a los 21 años recibió una beca para estudiar en España y estudiar a los artistas Goya, El Greco y estudio en un estudio de los retratistas más importantes de
Madrid, Eduardo Chincharro. Rivera después se mudó a Paris a seguir aprendiendo más del arte de la época.


Botero, Caballo de Picador, 1992


Botero, Flores, 2006
Otro artista que nació para ser artista fue Botero que a los 16 años tuvo su primera exhibición colectiva y una de sus ilustraciones apareció en uno de los periódicos más importantes de Medellín. Jean Michel Basquiat tuvo su primera exhibición a los 20 años y a los 21 años tuvo su primera exhibición individual y se  vendió toda la exhibición, a los 25 años salió en la caratula de la revista dominical del New York Times, siendo el primer artista negro que sale en la caratula. Igualmente Georgia O’Keeffe, decidió a los 10 años  ser artista, a los 18 años estudio en la escuela del Art Institute of Chicago y a los 21 años con la obra Conejo Muerto con Olla de Cobre, gano una beca para estudiar arte.

Jean Michel Basquiat, Sin Titulo, 1982

Jean Michel Basquiat, Sin Titulo, 1982

Melany como te podrás cuenta estos artistas empezaron a temprana edad y se puede decir que estos artistas nacieron para ser artistas. Hay varios artistas que su primera profesión no fue la de artista y que después de haber tenido otros trabajos empezaron hacer arte y terminaron siendo buenos artistas. Voy a empezar con uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX, Andy Warhol, trabajo como artista comercial. Warhol trabajo  como ilustrador de  revistas como Glamour, Vogue, Seventeen y The New Yorker. Warhol gano varios premios como ilustrador comercial. Su primera exhibición de artes plásticas fue a la edad de 34 años. 

Georgia O'Keeffe, Conejo Muerto con Olla de Cobre, 1908

Georgia O' Keeffe, Lago George, 1922


Otro artista que es considerado y reconocido como el más reconocido artista  naive el mundo, Henri Rousseau. Primero este artista estudio leyes, después estuvo en el ejército por 4 años y después trabajo como colector de impuestos. Su primer cuadro importante lo pinto a la edad de 47 años,  Tigre en una Tormenta Tropical en 1891.

Warhol, Elvis 1 y II, 1963

Warhol, Sopa Campbell de Tomate, 1968

Pedro Figari otro artista que fue abogado primero y a sus 56 años se dedicó por completo a la pintura plástica. A los 64 años se mudó a Paris para experimentar las nuevas corrientes en el arte. La obra de Figari es una de las más importantes del arte latinoamericano. Para terminar la artista Grandma Moses, empezó a pintar a los 70 años y llego a ser la artista más importante de arte naive (arte sin estudios, un artista autodidacta) en Estados Unidos. A sus 89 años fue condecorada por el presidente Harry Truman.

Henri Rousseau, Tigre en una Tormenta Tropical, 1891

Henri Rousseau, El Sueño, 1910
Melany te podrás dar cuenta que algunos artistas nacieron para ser artistas, pero también hay otros que como te has dado cuenta empezaron muy tarde en su vida, eso quiere decir que no nacieron para ser artistas, pero se hicieron y llegaron a ser muy buenos artistas.  

Pedro Figari, Lamento, 1924

Pedro Figari, Candombe, 1925


Espero mi respuesta sea de tu agrado.



Augusto Chimpen


Grandma Moses, La Casa Vieja en la Curva de la Carretera, 1940

Grandma Moses, Paseo Alegre, 1953


miércoles, 19 de agosto de 2015

¿Cuál es el bodegón más famoso del mundo?

Caravaggio, Cesto con Frutas, 1597-98

Juan Fernández el Labrador, Bodegón con Cuatro Racimos de Uvas, 1630 

Pieter Claesz, Bodegón, 1633

¿Cuál es el bodegón más famoso del mundo? Angélica, Colombia

Gracias por tu pregunta Angélica. Hay varios que son muy conocidos en diferentes épocas. Aunque en tiempo del Imperio Romano y en el Renacimiento se pintaron bodegones.  Como genero de pintura el bodegón empezó en Holanda en el siglo XVII, porque se pintaron muchos con el mismo tema. Quizás lo que yo podría hacer es documentar los bodegones más importantes de cada del siglo.

Willem Claesz, Trozo de Pastel de Carne Picada, 1635

Francisco de Zurbarán, Naturaleza Muerta con Limones, Naranjas y una Rosa, 1633 

Francisco de Zurbarán, Bodegón de Cacharros, 1650

Empecemos en el siglo XXVI, el llamado primer bodegón en el mundo occidental fue hecho por Caravaggio, Cesto con Frutas, quien fue un pintor Barroco.

En el siglo XXVII se pintaron muchos bodegones especialmente en Holanda, donde surgieron muchos pintores que hicieron este tema Pieter Claesz, Jan van Huysum, Balthasar van der Ast, Willem Claesz, Georg Flegel y Willem Kalf entre otros.

Jean Baptiste Chardin, Naturaleza Muerta con Jarrón y Frutas, 1750

Jean Baptiste Chardin, Bodegón con Gato y Raya, 1728

Van Gogh, Jarron con 12 Girasoles, 1888

Pero los españoles también tienen muy buenos artistas con bodegones, Juan Sánchez Cotán, Juan de Espinoza, Antonio Ponce,  Tomas Yepes, Juan Fernandez el Labrador. El más popular de este siglo seria de Francisco de Zurbarán, Naturaleza Muerta con Limones, Naranjas y una Rosa.

En el siglo XVIII tenemos al francés Jean Baptiste Chardin,  quien tiene el bodegón más importante y más famoso, Naturaleza Muerta con Jarrón y Frutas.

Cezanne, Bodegon con  Cesto de Manzanas, 1890-94 

Picasso, Naturaleza Muerta con Rejilla, 1912 


Dalí, Cesta de Pan, 1926

En el siglo XIX tenemos a Van Gogh y Paul Cezanne. Son allí donde están los más populares. El más famoso seria de Van Gogh, pero el más importante sería el de Cezanne. Jarron con 12 Girasoles de Van Gogh son conocidos por todos. Pero en el mundo de las artes el bodegón de Cezanne es más importante dado que rompe la imagen  y la realidad. Para empezar la botella, no es simétrica y está ligeramente inclinada, las manzanas no parecen manzanas, parecen duraznos, las únicas que parecen manzanas son 3 que son verdes, así que el nombre podría haber sido, canasta de manzanas verdes con duraznos.  Lo que está haciendo Cezanne es jugando con el espectador, para que investigue el cuadro y contradiga el nombre puesto por él. Las patas de la mesa son demasiado gruesas. En la parte frontal la parte izquierda de la mesa está cubierta por el mantel, pero en la parte de atrás no se ve dónde termina el mantel. El borde de la mesa en la parte de atrás no es lineal, hay una diferencia abismal. Al frente el borde de la mesa tampoco es recta, en la parte derecha es más bajo que el de la parte izquierda aun que está cubierto por el mantel.

Ralph Goings, Bodegon de River Valley, 1976

Claudio Bravo Berengena, 1983 

Fernando Botero, Naturaleza Muerta con Frutas, 1989 

La canasta también, no se sabe de qué material es, no es de caña y está pintado en una manera abstracta y tiene una asa más grande que la otra. Por todas estas razones, esta obra no está basada en la realidad totalmente, si no en la creatividad del artista y la obra de Cezanne ayudaron mucho al desarrollo del cubismo, por esta razón este bodegón es el más importante. 

En el siglo XX hay varios artistas que han hecho bodegones, Picasso, Dali, Ralph Goings, Peter von Artens, Claudio Bravo, Botero. Los que más sobresalen son Picasso que hizo el primer collage con su obra Naturaleza Muerta con Rejilla. Este bodegón sería el más importante porque Picasso invento un nuevo medio en el arte, el collage. Pero como obra artística es un poco aburrido por los pocos colores que tiene y las formas confusas que tiene.

Botero, Bodegón con Mandolín, 1998   

Botero, Naturaleza Muerta con Le Journal, 1992
Botero ha hecho más bodegones que ningún otro artista, con su humor, color, forma y originalidad te conquista grandemente. Aquí el bodegón más importante sería el de Picasso, pero el más popular sería el de Botero.

Para responder tú pregunta Angélica, el bodegón más famoso seria Bodegón con Cesto de Manzanas de Paul Cezanne. 

Espero que mi respuesta sea de tu agrado.


Augusto Chimpen

miércoles, 29 de julio de 2015

¿Cuáles son los desnudos más populares en la historia de la pintura?

Giorgione, Venus Dormida, 1507-10

Tiziano, Venus de Urbino, 1538

Diego Velazquez, Venus del Espejo, 1599-60
¿Cuáles son los desnudos más populares en la historia de la pintura? Michael, Ibagué, Colombia

Estimado Michael gracias por tu pregunta. Esta es una pregunta muy importante, porque es como el ranking de popularidad de los desnudos en el arte. Me parece que siempre tiene que haber un ranking, si no de que vale ser el mejor o no ser tan bueno, a todos no se les puede poner en un mismo lugar. Para empezar hay que poner unas características especiales. Me pides desnudos en la pintura. Yo establecí que se tenga que ver la cara, que solo haya una, dos o tres personas, así es más un retrato de la persona desnuda. La mayoría de veces las mujeres están desnudas para ver su belleza en su máxima expresión. El cuerpo humano es lo más bello de la creación. Igualmente Miguel Ángel  creo a David y el bello cuerpo se puede apreciar. Igualmente en este caso los artistas quisieron mostrar la belleza del cuerpo de la mujer.

Francisco de Goya, Maja desnuda, 1790-1800

Ingres, La Bañista de Valpinçon, 1808

Ingres, La Gran Odalisca, 1814

Hay 3 formas de pintar mujeres desnudas, las que son idealizadas, que muestran el cuerpo tanta belleza que representan diosas griegas. Un ejemplo de esto es Venus de Urbino de Tiziano. Las que fueron pintadas para mostrar la belleza del cuerpo de la mujer como La Maja desnuda. La otra forma es de erotizar a la mujer, que podría excitar a los hombres. Un caso de esto sería Odalisca con Esclava.

Ingres, Odalisca con Esclava, 1842

Ingres, La Fuente, 1856

Manet, Olympia, 1863
Los desnudos más populares son; Giorgione la Venus Dormida, Tiziano, Venus de Urbino. Quizás la desnuda más famosa sea La Gran Odalisca de Ingres, pero como se puede ver la mujer es deforme, porque tiene la espalda muy larga. Los hombros no son simétricos. Igualmente uno se puede dar cuenta que el brazo izquierdo es más corto que el brazo derecho. La pierna derecha es demasiado gruesa, pero uno solo se da cuenta cuando mira sigilosamente. Igualmente Ingres deformo a la mujer de  La bañista de Valpinçon, donde le hizo la pierna derecha más corta y más delgada, que la izquierda. Ingres hizo todo esto para crear la belleza de la mujer dentro de lo deforme y jugar con el espectador. En su obra La Fuente, la mujer si está muy bien proporcionada. Un pintor siempre sabe las proporciones y es muy consciente de lo que hace.

William Bougereau, Desnudo Sentada, 1884

Frederick Frieseke, Desnuda Sentada en su Tocador, 1909

Amedeo Modigliani, Desnudo Sentado, 1917
Lucian Freud, ha sido el retratista más importante del siglo XX y el pintaba como era la sujeto no para idealizar, ni para mostrar la belleza de la mujer, si no para mostrarla tal como era.


Espero mi respuesta hay sido de tu agrado.



Augusto Chimpen



Diego Rivera, Desnudo con Alcatraces, 1944

Lucian Freud, De Pie Junto a Trapos, 1988-89