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jueves, 16 de mayo de 2019

¿Qué es el arte alternativo?


Marcia Resnick, David Byrne, 1981


Marcia Resnick, Andy Warhol, 1978


Marcia Resnick, James Brown, 1981


¿Qué es el arte alternativo? Gretel, Ensenada Baja, California

Gracias por tu pregunta Gretel. Arte alternativo no es un movimiento es una manera de trabajar y hacer cosas diferentes a las establecidas por la infraestructura del arte, que son las escuelas de arte, galerías, museos y las críticas de historiadores de arte.

Futura 2000, Sin Título, 1985

Futura 2000, El Arrebato, 1989

Futura 2000, Dedo de Oro, 2016

Arte alternativo es que algunas instituciones sin fines de lucro de artistas que se formaron en New York a principios de los años 1970.  Porque no entraban a museos ni galerías, por eso se formó estas instituciones con artistas femeninas, afroamericanos, latino y asiáticos. Ellos formaron tambien galerías para presentar sus obras y ser conocidos. 

Robert Mapplethorpe, Orquídea, 1982

Robert Mapplethorpe, Lirio de Cala, 1987

Robert Mapplethorpe, Anémona, 1989

Mayormente arte alternativo tambien es basar el arte en lo que pasa en la sociedad. Con el arte alternativo ahora tú puedes encontrar obras de arte que se venden en restaurantes, salones de belleza, igualmente en las redes sociales en facebook o Instagram. Hay algunos artistas que no usan galerías para vender su obra. Las galerías están cobrando el 50% del precio que es mucho y por esa razón algunos artistas ya no quieren usar galerías para vender sus obras. Los artistas ya establecidos no quieren pagar 50% sino menos porque ellos no necesitan galerías para vender sus obras.

Keith Haring, Sin Título, 1985

Keith Haring, Sin Título, 1987


Keith Haring, Sin Título, 1989


Quizás la historia mas importante del arte alternativo fue la de Michael Basquiat, que estuvo en una exhibición New York, New Wave en la galería  PS1 en Long Island, organizada por Diego Cortez en 1981. Los organizadores invitaron a varias galerías de New York. La reconocida galería Annina Nosei  llevo a Jean Michael Basquiat al sótano de su galería y le pago $10,000 mensuales para que pinte y sea su artista.

Nan Goldin, Nan un Mes Después de Ser Golpeada, 1984

Nan Goldin, Gina en la Fiesta de Bruce, 1991

Nan Goldin, Guido en el Muelle, 1998

Cuando Basquiat tenía 21 años en 1982, pintó un cuadro Sin Título, (está ilustrado abajo) que fue vendido por en la galería por $4,000. Esta obra fue vendida en 2017 por $110.5 millones en Sotheby’s.

Jean Michel Basquiat, Sin Título, 1981

Jean Michel Basquiat, Sin Título, 1981

Jean Michel Basquiat, Sin Título, 1982


Muchos artistas se han hecho famosos en la exhibición New York, New Wave, Basquiat, Marcia Resnick, Futura 2000, Robert Mapplethorpe, Keith Haring y Nan Goldin.

El arte alternativo se sigue transformándose dentro de la historia del arte. Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.


Augusto Chimpen

martes, 25 de diciembre de 2018

Me puedes hablar de la pintura El Baño de Mary Cassatt

Mary Cassatt, El Baño, 1892


Mary Cassatt, Niño Alcanzando una Manzana, 1893

Me puedes hablar de la pintura El Baño de Mary Cassatt, Leandra, México DF, México 

Gracias por tu pregunta Leandra. La maternidad es la relación más importante que una mujer puede tener con su hijo. Esta relación será magnificada a través de sus vidas. La representación de este tema ha sido documentada en diferentes matrices por artistas mujeres, a lo largo de la historia del arte. De hecho, una de las primeras esculturas hechas en la civilización, la Venus de Willendorf, invoca el argumento de la fertilidad. En contraste, el tema de la paternidad es casi inexistente, por homólogos masculinos a través de la historia del arte.  Sin embargo, la opresión patriarcal en la esfera pública y el control de las artes ha estado allí probablemente desde el comienzo de la civilización.

Mary Cassatt, La Fiesta del Canotaje, 1893-94

Mary Cassatt, Un Beso Para la Niña Anne, 1897

Desde finales de la década de 1960, los artistas feministas han intentado atreverse al sistema patriarcal con un arte que ha desafiado el rígido arte masculino del sistema. Han tenido éxito hasta cierto punto, pero aún hay más trabajo por cumplir.

Mary Cassatt, Desayuno en la Cama, 1897

Mary Cassatt, Después del Baño, 1901

 Mary Cassatt fue una artista muy respetada en su época y miembro del grupo impresionista. Cassatt, como la mayoría de las mujeres de su época, se limitaba a los espacios de feminidad, que eran los interiores, los dominios domésticos y los jardines. La idea de la maternidad y la esfera privada fue impuesta por la sociedad patriarcal. La contraparte masculina usó temas en los dominios públicos y principalmente para la mirada masculina utilizando a las mujeres como un objeto visual de consumo, creando así una dicotomía de representaciones por género. Cassatt creó imágenes universales de humanismo raramente vistas en la historia del arte. Ella enfatizó particularmente las imágenes familiares en la relación madre-hijo. Irónicamente, nunca tuvo hijos, pero el amor materno fue el tema principal de su trabajo. Esto significa que ella era una gran observadora de la vida a su alrededor y podía cumplir muy bien sus intenciones en su trabajo.

Mary Cassatt, Madre e Hija, 1905

Berthe Morisot, En la Villa a la Orilla del Mar, 1874
Mostró los placeres y alegrías de cuidar y criar a un niño con tal naturalismo, que sus intenciones se trasmiten al espectador. Ella fue influenciada por Degas y por la fotografía en la espontaneidad y forma de imposición de sus temas. Nunca miran al espectador, son casuales y van en sus actividades particulares. Ella estuvo casi influenciada por la exposición de grabados japoneses que se mostró en París en 1890.


Berthe Morisot, La Lección de Costura, 1884


Debido a su adinerada familia, su trabajo mostraba a madres burguesas cuidando a sus hijos. a mediados del siglo XIX, la economía florecía en Francia y había una gran sociedad burguesa. Las sirvientas se ocupaban de la mayoría de los hogares burgueses con niños, pero Cassatt pintaba a las madres con sus hijos, definiendo el papel de las madres con sus hijos. Ella desafió al sistema de arte con su forma de trabajar, ya que usó diferentes medios usando pasteles y grabados en sus mejores trabajos. Sus obras artísticas fueron producto de la opresión de la dominación masculina, ya que las mujeres en ese momento eran homogéneas en su dependencia de sus esposos. Esta es una de las características del feminismo material. Todo su trabajo, así como el de su colega impresionista Berthe Morisot, fue en relación con el feminismo material.

El Baño 1892, 100.3 cm × 66.1 cm, se encuentra en el Art Institute of Chicago.  es una de sus obras más representativas, representa la esfera de la mujer a finales del siglo XIX en Francia: el dominio domestico de la familia burguesa y la madre que cuida a sus hijos. La textura y el patrón del vestido de la madre es una atracción en sí misma, obliga al ojo a mirar y encontrar belleza en un simple vestido a rayas.

Berthe Morisot, Madre e Hija, 1894

Berthe Morisot,  La Cuna, 1872 
El rico adorno en la decoración de la habitación, como el papel de la pared en el lado izquierdo, la cómoda decorada y la alfombra oriental, establecen los estándares para el estatus social de la familia. El abrazo protector de la madre asegurando al bebé en sus piernas, mientras que la otra mano lava los cautivadores pies de la niña. Los tonos bien equilibrados de la piel de la niña son de excepcional realismo. Lo natural en el que tanto la madre como la niña interactúan en sus movimientos y gestos es muy natural. Te hace pensar que está pintado a partir de una fotografía por la toma y los recortes que son de una fotografía en los 4 lados de la madre. La vista aérea dada en este lugar de trabajo coloca al espectador en la misma sala que ellos al lado de la jarra blanca.

La madre y la hija están viendo la vasija donde la madre le lava los pies a su hija. Esto lo hace así Cassatt para hacer el punto de vista de la madre, la hija y del espectador. La madre tiene la boca ligeramente abierta como si le esta diciendo algo. Las dos cabezas están juntas haciendo esto una manera física de amor. La niña, pone su mano izquierdo en la rodilla de su madre apoyándose para mantenerse derecha. Esta mano esta abierta como la de su madre que la aguanta en la cintura. La otra mano de la niña que se agarra la pierna tiene la misma forma de la mano de la madre lavándole el pie. Esto lo hizo Cassatt para decir que la hija seria igual que la madre.  Mandando un mensaje subliminal de amor tanto de madre a hija, como de hija a madre  y el futuro de la niña.

Espero mi respuesta sea de tu agrado.


Augusto Chimpen


domingo, 9 de diciembre de 2018

Me podrías leer la Anunciación de Botticelli de San Martino de la Scala


                   Sandro Botticelli, Anunciación della Scala, 1481

Me podrías leer la Anunciación de Botticelli de San Martino de la Scala.  Verónica, Lima, Perú

Gracias por tu pregunta Verónica. Fresco es una clase de pintura de mural, que fue la primera actividad artística de la humanidad. Estas son encontradas en las cuevas de Altamira y Lascaux, 17,000 BC. Los frescos fueron muy populares en el Renacimiento y el precio dependía del tema, número de personajes en la obra, el número de asistentes que el artista tenía, quien suplía los materiales, el tamaño y la fecha de terminación.

                     Sandro Botticelli, Anunciación, 1485-92

Pintar un fresco era muy dificil porque la pared tenia que estar preparada por los alumnos del artista. Por las implicaciones del yeso húmedo tenía que ser pintado de arriba hacia abajo. Uno de los más impresionantes frescos es el Andrea Mantegna, Camera degli Sposi por el ilusionista y escorzo como lo principal del mural. El mural más importante es La Última Cena de da Vinci.

El fresco de la Anunciación del Sandro Botticelli 1444-1510 fue hecho en la logia de la iglesia del hospital Sant Martino della Scala en Florencia. El fresco se daño en el siglo XXVII y en 1920 fue sacado y trasladado a la Galería degli Uffizi. La fecha del fresco es conocida por documentos de dos pagos hechos a Botticelli para la Anunciación el 8 de abril y el otro el 8 de mayo de 1481.


                  Sandro Botticelli, Anunciación, Cestello, 1489

La iconografía del fresco representa una muy importante narrativa basada en la Biblia de Nuevo Testamento. Lucas 1:26-36. Cuando el Arcángel Gabriel, le da el mensaje a a Virgen María, que ella va a tener un hijo con la intervención del Espíritu Santo. Gabriel significa “Dios es mi fortaleza” y es el guardián del tesoro celestial, es el Ángel de la redención y el principal mensajero de Dios.

Esta narrativa religiosa era muy conocida en el Renacimiento y fue hecha por cada artista de ese tiempo y en diferentes versiones por el diferente patrocinio. No solamente las comisiones de la iglesia, pero también de las poderosas familias ricas como los Medici en Florencia, Este en Ferrara, Sforza en Milán, Cornaro en Venecia y los Gonzaga en Mantua.


                  Sandro Botticelli, Anunciación, Glasgow, 1490

En el fresco Gabriel entra en el patio e interrumpe a María que esta leyendo en el libro de Isaías 7:14, 14 “Por tanto, el Señor mismo os dará una señal: He aquí, una virgen, concebirá y dará a luz un hijo, y le pondrá por nombre Emmanuel”. (El nombre de Emmanuel significa, Dios está con nosotros”). Ella pensó, que bendita la mujer de quien están escritas estas palabras y en ella se cumplió la profecía.

Este fresco es de tamaño natural, 243X550cm. Y hecho de acuerdo con el modelo de sus otras anunciaciones, el Arcángel Gabriel a la izquierda y María en la derecha.  Gabriel esta en el aire en el patio y su túnica representa movimiento por que parte de su capa esta flotando. La cara del Arcángel está en éxtasis y es la cara más linda y poética hecha por Botticelli o cualquier otro artista, incluyendo el Gabriel de da Vinci . El está mirando hacia abajo en símbolo de humillación, con sus brazos cruzados, llevando un lirio, que es símbolo de pureza, maternidad y fertilidad. La flor esta inclinada por la acción del viento y el movimiento. El color de la capa de Gabriel es de mismo color muro del jardín. Esto fue hecho para atraer la vista del observador hacia atrás. A la izquierda de Gabriel salen unos rayos de luz que representan al Espíritu Santo, como está representado en otras Anunciaciones. Los rayos de luz están hechos con pintura bañada en oro. Otros artistas que hicieron esta pintura religiosa usaron una paloma para representar al Espíritu Santo, esto no es inusual pero no se hace a menudo.


                     Fra Angelico, Anunciación, 1437-46

Hay arboles visibles en la parte de afuera y del “hortus conclusus” huerto cerrado por paredes, que simboliza la virginidad de María.  Se ve la perspectiva aérea como es habitual con sus anunciaciones. Otro patrón de Botticelli es que Gabriel y María tienen su propio espacio. Mientras que Gabriel está casi en un escenario al aire libre, la Virgen está en su habitación, en un ambiente privado. Debido a que Gabriel todavía está en el aire, su cuerpo está inclinado y con las paredes inferiores del jardín hay una forma de triángulo, con el propósito de llamar la atención hacia el paisaje y dar la ilusión de profundidad. Esto hará evidente el contraste exterior-interior.

La configuración del fresco es una composición simétrica separada por una pilastra pintada que le da un poco más de espacio a la virgen, ya que ella es más importante. En la habitación hay sensación de tranquilidad, pulcritud y organización.
En el patio debajo de Gabriel hay 2 círculos que significan la eternidad y Dios, como una fuerza eternal y el cielo por la perfecta simetría y su equilibrio invariable. Como emblema de Dios representa su perfección y su poder ininterrumpido. La habitación de María está decorada con un patrón de losas cuadradas. El cuadrado es opuesto al círculo, y representa la tierra, las 4 estaciones, las 4 direcciones del compás, las 4 edades del hombre y los 4 elementos, el fuego, la tierra, el aire y el agua.


                                      Joos van Cleve, Anunciación, 1525

El triángulo equilátero formado por las cortinas donde María esta sentada, simboliza la Trinidad por la misma dirección en sus lados. La Virgen se representada con gracia y ella estaba leyendo la Biblia y está al lado del atril. La cara de María está en perfil de tres cuartos con sus ojos cerrados y su cabeza ligeramente agachada de una manera sub misiva y parece pasiva.

La reacción de la Virgen de la entrada de Daniel es de timidez con un movimiento humilde de sus brazos.  Cuando Gabriel aparece delante de ella, la Virgen está sentada, como si fuera incapaz de levantarse, todo el peso de su misión ya estaba sobre ella. Nosotros sabemos que Gabriel no le ha dado el mensaje a María porque el tiene que estar arrodillado con el gesto de bendición.

La virgen María tiene una capa azul que simboliza humildad, el vestido rojo simboliza amor y sufrimiento, el velo blanco simboliza virginidad y modestia. El jardín con muros, “hortus conclusos” simboliza su virginidad. Ninguno, ni Gabriel ni María tienen aureolas, de las 6 versiones que Botticelli hizo solo 2 versiones no tienen aureolas, la de San Martino y la de la colección Hyde.


                         Rafael, Anunciación, 1502-04     
                                                          
En la pintura de Leonardo da Vinci, la Virgen María acepta el anuncio de Gabriel porque su antebrazo esta extendido con el gesto de bendición. La versión de Botticelli de la Anunciación de Cestello, es una de sus más impresivas versiones, por su excelente estado de trabajo y de su enfoque altamente religioso. Donde Gabriel está arrodillado y bendiciendo a María.  Aunque el espacio de María es más pequeño que el de Gabriel la proeza de esta pintura es la interacción religiosa muy intensa entre Gabriel y la Virgen. Ella está aceptando el mensaje con humildad y timidez.

En este fresco Botticelli enseña las influencias del Renacimiento del norte poniendo énfasis en el paisaje idealizado, el rio, roca cortada y los árboles, esto fue hecho para representar la técnica de perspectiva aérea de la cual Leonardo vendría a ser un maestro. Porque Botticelli era un pionero del retrato, otra influencia del norte, por esta razón Botticelli fue el principio del Alto Renacimiento.


                                Leonardo da Vinci, Anunciación, 1472-75

El propósito de Botticelli no es solamente el evento de la Anunciación, pero el mundo terrenal en el que Dios entra. El artista usa una alfombra oriental donde la Virgen tiene sus pies. El simbolismo de este objeto es la oposición entre judaísmo y cristianismo, entre la sinagoga y la iglesia. Este fresco está lleno de simbolismo y Botticelli usa el tremendo espacio para experimentar con diferentes objetos y está usando el medio a su favor.


                         Andrea Mantegna, La Camara de los Esposos, 1465-74

La fortaleza de la Anunciación de Botticelli de San Martino es el simbolismo, la armonía, la tranquilidad de la composición y la relación de exterior y lo terrenal celestial. La belleza de la obra no pone en peligro el sentimiento religioso de que la obra emana.

Espero mi respuesta sea de tu agrado.


Augusto Chimpen

miércoles, 21 de noviembre de 2018

Me podrías hablar de la pintura los Rompe Piedras de Courbet


                  Gustave Courbet, Los Rompe Piedras, 1849

Me podrías hablar de la pintura los Rompe Piedras de Courbet, Jenny Bogotá, Colombia

Gracias por tu pregunta Jenny. Esta es una pintura que me impresiono mucho, por el efecto psicológico del trabajo duro que representa la obra. Los Rompe Piedras, 1849, es un óleo sobre tela de gran escala 165 x 257 cm. En esta época esta escala era solo para obras históricas. Esto rompió la importancia de pinturas de genero sobre las pinturas históricas. Esto después influyo en los impresionistas en romper la jerarquía de pinturas creada por la Academia de Bellas Artes, donde el tamaño de gran escala era solo para obras históricas y religiosas, las de genero eran más pequeñas y los bodegones más pequeños aún.

Esta obra ya no existe porque fue destruida con otras 154 pinturas en Dresden en febrero 1945 cuando era transportada hacia un castillo de Königstein por un bombardeo de las fuerzas aliadas durante la Segunda Guerra Mundial. Esta obra fue exhibida en el Salón de París en 1850. El Salón de París, era una exhibición curada por la Academia de Bellas Artes.

Esta obra no es un retrato, porque no se puede reconocer a los sujetos por sus caras, es una obra de genero porque muestra 2 personas trabajando y pertenece al movimiento Realista. La postura de los cuerpos fue hecha de una manera que da la impresión de trabajo duro realizado por los dos hombres. La pierna derecha del hombre maduro esta tan cerca a nuestro plano que nos invita al interior de la pintura, los cuerpos de los hombres son de tamaño natural.

El joven se para de pie y su gesto es de aguantar con su pierna bastante peso de las piedras. Las extremidades del hombre maduro están en todas direcciones, porque esta arrodillado y trabajando y dando la idea de movimiento poniendo énfasis en el martilleo que está haciendo.

No mostró sus caras de compasión y para darles dignidad. Los dos hombres dan la sensación de masculinidad por el trabajo físico energético que hacen.

En esta pintura la ropa de los hombres está desgastada para retratar la miseria y el trabajo sucio que hacen. Courbet utiliza la vestimenta rota para evocar un sentimiento al espectador. El hombre viejo tiene el chaleco roto y el talón de las medias con hueco y su pantalón con una tela diferente porque estuvo roto. La diferencia de edades es muy importante en la obra, para enseñar las polaridades de la edad, Courbet enseña la colina oscura y el cielo azul y lo pesado de las piedras del joven y el señor maduro tiene sus dos manos en el martillo liviano rompiendo la roca.  El pantalón del viejo es del color de la yerba que se esta muriendo a su costado, representando su edad y su condición. El joven tiene un pantalón del color de las rocas que representa más duro y resistente.
La piel del muchacho de su brazo y cuello esta blanca y suave, mientras que las manos y la cara del señor maduro esta oscura y quebrantada.

El muchacho tiene la camisa rota en la espalda y la manga y la basta de su pantalón rota y solo tiene un solo tirante para aguantar el pantalón.

La canasta con las herramientas a la izquierda del joven, esto significa que el trae las herramientas para trabajar. La olla y la leña a la derecha del señor maduro significa que él está encargado de cocinar. Courbet pinto la colina oscura para que el observador se concentrara en ver a las 2 personas trabajando en el primer plano.
Coubert pasaba por ese camino y los vio trabajar, les hablo y los invito a su estudio para estudiarlos y hacer más exacto los cuerpos y saber más sobre su trabajo para hacerlo más exacto. 

Algunos críticos dicen que Courbet firmo 2 veces esta obra. Porque puso el tirante del joven como una G de su firma. Esto es posible, querer impregnar su nombre con un joven fuerte y trabajador.
Coubert hizo esta obra en formato grande que era solamente para obras heroicas porque él pensó que estos trabajadores eran héroes.


Augusto Chimpen


sábado, 18 de agosto de 2018

¿Para ser llamado artista hay que ser famoso?

Ramiro Llona, Futuro Inmediato, 1985

Ramiro Llona, La Silla Verde, 1995

Ramiro Llona, Anunciación, 2002
¿Para ser llamado artista son requisitos el tener fama e influir en la gente?
¿Se puede ser un artista desde el anonimato?



Gracias por tu pregunta Alondra.  ¿Para ser llamado artista son requisitos el tener fama e influir en la gente? No hay que ser famoso para ser artista. Imagínate de otra profesión como chef, hay unos chefs famosos, otros que son conocidos y otros que nadie conoce, pero todos son chefs y viven de su profesión.  Yo pienso que para ser llamado artista uno tiene que vivir de hacer arte y vender su obra en galerías. Si hay algún artista que tiene otro trabajo, también es llamado artista si vende su obra y le ayuda a vivir. ¿Que si hay que influir en la gente? Mas que toda su obra tiene que impactar estéticamente a la gente. Si la obra no es única, si no tiene estética su obra no vale mucho. La principal cualidad de una obra es si tiene estética, la segunda es unicidad, que sea único y que tenga el lenguaje visual del artista.   

Fernando de Szyszlo, Yana Sungo, 1987

Fernando de Szyszlo, Sol Negro, 2007

Fernando de Szyszlo, Trashumante, 2017


¿Se puede ser un artista desde el anonimato? No hay artistas anónimos, pero si hay artistas que la gente no conoce. Todos los artistas firman bien claro su nombre y ponen el año que se terminó el cuadro en la parte baja derecha mayormente. Detrás de la pintura siempre escriben su nombre, firman nuevamente y escriben el nombre del cuadro. Esto lo hacen así para que siempre sepa toda la información del cuadro.



Leoncio Villanueva, El Regalo, 1984

Leoncio Villanueva, Las Musas, 2016

Leoncio Villanueva, Las Hojas Muertas, 2016


¿Sin reconocimiento no puedes ser catalogado artista? Hay muchos artistas que no son reconocidos y son artistas. Lo principal para un artista es hacer obras de arte, venderlas y sobrevivir haciendo arte. El reconocimiento no es importante, es ser feliz haciendo lo que a uno le gusta y hacer lo que es su pasión. 


Joan Miro, Personaje,1970
 
Jeff Koons, Cadena de Cachorros, 1988

¿Cuál es la definición de artista según tu opinión?
Un artista es el que hace arte con sus manos para para embellecer al mundo, para dar una emoción y un mensaje. El arte es el idioma universal que no necesita traducción. Con el tiempo el arte ha cambiado tanto que artistas como Jeff Koons llevaron una postal a un grupo de artistas y les dijo “quiero esto en una escultura de tales dimensiones”. Y esos artistas lo hicieron. Pero la obra es de Koons porque él se la ideo. Otros artistas hacen una obra en plastilina pequeña y la mandan hacer de 2 metros de alto. La obra es de quien pone la idea.   

Espero que mis respuestas hayan sido de tu agrado.


Augusto Chimpen