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martes, 30 de junio de 2015

¿Qué debería hacer el estado para que los nuevos talentos de arte tengan oportunidad a desarrollarse?

Diego Rivera, Paisaje Zapatista (El guerrillero), 1915

                Diego Rivera, Cargador de Flores, 1935

             Diego Rivera, El Vendedor de Alcatrace, 1941


¿Qué debería hacer el estado para que los nuevos talentos  de arte tengan oportunidad a desarrollarse? Lysbet Cajamarca Perú


Gracias por tu pregunta Lysbet. Para empezar los países más cultos son los más ricos y los países más incultos los más pobres. Hay una relación directa entre la cultura y el progreso de un país. Promover la cultura es vital en un país. Si tan solo se le diera más importancia a la cultura en Latinoamérica.

 La cultura está compuesta de 6 disciplinas: el cine artístico, el teatro, la literatura, la música jazz, la música clásica y las artes plásticas. El ballet y la opera estarían dentro de la música clásica. Cuando te hablo del cine artístico, no son películas de Superman, Academia de Policía o Tiburón que son películas de cine comercial, te hablo de películas de Akiro Kurosawa, Pedro Almodóvar, Woody Allen,  Alejandro González Iñárritu, Francisco Lombardi y muchos otros más. El cine artístico tiene una gran libertad de creatividad, tiende mostrar temas dramáticos o usa narraciones diferentes a los convencionales del cine comercial.

          Joaquín Torres García, Grafismo Infinito, 1937

Joaquín Torres García, La Tradición del Hombre Abstracto,1938

Joaquín Torres García, Composición en Blanco y Negro, 1938

Es importante que un país desarrolle, más cultura, en el caso de artes plásticas. ¿Cómo se desarrolla? El gobierno tiene que tener una política de cultura y de promoverla. No solo la cultura, el deporte, la educación, la salud etc. Lo básico para vivir. Pero mantengámonos en las artes plásticas solamente. La meta es culturizar el pueblo. Primero debe darle más importancia el curso de artes plásticas en los colegios. Enseñar más de una vez a la semana. Donde todos tienen que hacer algo de arte, pintura, fotografía, escultura, dibujo o grabado. Hay diferentes disciplinas en el arte también. Los estudiantes deben tener contacto con algunos artistas en el salón y que puedan responder algunas de las preguntas de los estudiantes. Los estudiantes tienen que visitar galerías, museos y estudios de artistas. Tienen que enseñarle a leer obras de arte. Los que más saben de arte saben leer obras de arte y eso se hace con practica y aprendiendo. Para que te guste más una obra tienes que entenderla. Si no la entiendes el gusto es menor, tienes que saber la intención del artista.

                       Marisol Escobar, La Familia, 1963

                Marisol Escobar, Mujeres y Perro, 1964

       Marisol Escobar, Niños Sentados en un Banco, 1994

Tiene que haber mejores museos en tu país y más galerías de arte. Eso es una inversión grande del gobierno. Pero los países más adelantados tienen los mejores museos. Las galerías son privadas, pero también los países más adelantados tienen las mejores galerías con los mejores artistas.

La mayor responsabilidad cae sobre el gobierno, pero la empresa privada también tiene una fuerte influencia en el desarrollo del arte plástico en un país. Si las empresas compraran arte para sus oficinas como lo hacen en Estados Unidos, Canadá y Europa. Esto ayudaría mucho al movimiento artístico en un país. Los beneficios de tener arte en el trabajo son muchos, pero entre los más importantes son: Te relaja, te quita el estrés, te da más energía,  te humaniza, puedes trabajar más y te cansarte menos y te da más imaginación para resolver los problemas de tu trabajo. Esto está comprobado por psicólogos debido que el subconsciente observa el espacio que te rodea y como está con belleza, unidad y originalidad hace que te canses menos.

                     De Szyszlo, Sin Título, 1970

                    De Szyszlo, Orrantia, 1985

             De Szyszlo, Camino a Mendieta, 2001

 Hay tres clases de gobierno, el central, el del estado, departamento o provincia y de la ciudad. Pero el que tiene más importancia es el central y es el que debe dar las pautas para mejorar la cultura. Igualmente de importante es la empresa privada, dado que si el gobierno central no lo hace, el bienestar del pueblo le conviene también a la empresa privada dado que si el pueblo es más culto progresara más y ellos se benefician también.

 Se promueve las artes visuales haciendo eventos, concursos,  dando cursos, haciendo exhibiciones importantes. También debería de dar becas a los mejores estudiantes, becas a New York, Roma o Paris. La gran mayoría de los muy buenos artistas latinoamericanos visitaron Europa y Paris en particular,  Diego Rivera, Joaquín Torres García, Botero, Fernando de Szyszlo, Jesús Rafael Soto y Marisol Escobar. Aunque ahora el centro de las artes es New York. Igualmente Paris, Roma son ciudades que ningún artista puede evitar.

                             Jesus Rafael Soto, Anello, 1971

Jesus Rafael Soto, Ovoide Mediano Negro y Rojo, 2003

Jesús Rafael Soto, Esfera Theospacio, 1989

En el año 2012 en China se inauguró un museo al día, porque ellos saben que el crecimiento económico tiene que ir con un crecimiento cultural. La meta no es tener muchos museos sino buenos museos. Tienen que haber visitas a los museos de los colegios con guías y que expliquen sobre las obras y sus lecturas.

Para terminar Lysbet, no solo es el gobierno central el único jugador, también es la empresa privada, los colegios y la gente que tiene que buscar cultura. Para tener nuevos talentos empieza en el colegio a temprana edad, el contacto con los museos, artistas  y con clases de arte es imprescindible.


Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.



Augusto Chimpen


                     Botero, Mano, 1975

Botero, Soldado Romano, 1985

Botero, Caballo, 1999

domingo, 24 de mayo de 2015

¿Hay un ranking de obras de arte?

 
Eugene Delacroix, Mujeres de Argel en su Apartamento, 1834

Picasso, Les Femmes d'  Argel, (Versión O), 1955


Ayer quedé muy sorprendido por ver que una obra de Picasso se había vendido en US$ 179 millones de dólares.
Me pareció increíble que una obra pueda alcanzar ese valor y aprovecho para preguntarte:
Porque siendo el arte algo que tiene bastante de subjetivo (es decir, valor relativo dependiendo de quien lo aprecia) ¿Puede una obra llegar a tener ese precio?
¿Existe algún ranking de 'las mejores obras del mundo' en las que su valor monetario juegue un papel significativo que está relacionado a su posición en el ranking?
¿Esta obra, Les Femmes d'Alger, 1955, tenía alguna característica que la hacía particularmente especial?
¿Cuál es el beneficio para quien adquiere la obra? (¿O en otras palabras, existe alguna forma de obtener un beneficio económico concreto al tenerla?) Paco, Lima, Perú

Gracias por tu pregunta Paco. Me has hecho varias preguntas, así que  te las voy a responder todas en secuencia.
¿Porque siendo el arte algo que tiene bastante de subjetivo (es decir, valor relativo dependiendo de quien lo aprecia) puede una obra llegar a tener ese precio?

En realidad el arte tiene una infraestructura muy bien configurada y es objetiva. Es subjetiva para el que no sabe de arte.  Para Juan de la Calle que no sabe de arte, puede decir esto no lo pongo en mi casa ni regalado y esa obra valga millones de dólares.  Es algo parecido como decir y yo también puedo pintar así. Claro después que lo has visto, lo puedes hacer. El arte se trata de crear algo nunca antes hecho, que de una emoción, que sea original, que sea único y que tenga estética. Para que te guste el arte, tienes que tener cierta educación, cierta espiritualidad, cierto gusto y cierta cultura. En el primer nivel  de la infraestructura están las galerías de arte que hay en todas las ciudades importantes del mundo. Hay buenas galerías y galerías chicas también. Pertenecer a una buena galería no es nada fácil. En las buenas galerías te dan una exhibición cada tres años más o menos. En el segundo nivel están los medios de comunicación, los críticos, los curadores y las revistas especializadas en artes plásticas. 

Eugene Delacroix, Libertad Guiando al Pueblo, 1830

Eugene Delacroix, Cristo en el mar de Galilea, 1854
El segundo nivel es quien da soporte al buen arte y lo promueve. Tener una crítica en una revista no es nada fácil. Muchos buenos artistas se quedan sin una crítica por falta de espacio de las revistas. Entre las principales revistas están Art Nexus que tiene dos ediciones en inglés y español y se vende por todo el mundo y en los principales museos de Norte América. También hay otras revistas ArtPulse, Arte al Día, Art News, Artforum, Aperture en fotografía y otras revistas que hay en diferentes países. Solamente los buenos artistas reciben crónicas en las revistas y periódicos.

El tercer nivel está compuesto por las bienales y las ferias de arte, ArteBA en Buenos Aires, ArtLima en Lima, ArteBO en Bogota, Ch.ACO en Santiago, SP-Arte en Sao Paulo y ARCO en Madrid. Entre las bienales esta la bienal de Venecia que es la más importante del mundo, la bienal de La Habana y la bienal de Sao Paulo. Las galerías rentan un espacio en las ferias y solo llevan a 3 o 4 artistas como máximo de los 25 artistas que cada galería tiene en promedio. En las bienales es menos todavía, a veces solo va uno a dos artistas de cada país. Solamente los mejores de cada país van a las bienales y ferias de arte. En las ferias de arte algunas galerías se interesan por los artistas de otras galerías y así se internacionalizan algunos artistas. Los coleccionistas van a estas ferias a comprar lo último, lo nuevo y lo que está de moda.

Picasso, El Viejo Guitarrista, 1903-04

Picasso, Mujer Llorando, 1937
El cuarto nivel están los museos, es el premio más alto para un buen artista es que un buen museo te compre una obra. Hay pocos buenos museos internacionales en el mundo. MOMA, Art Institute of Chicago, El Blanton Museum, Guggenheim, El Metropolitan Museum, Museum of Fine Arts in Boston, Tate Modern, National Gallery of Art, Reina Sofia,  Hirshhorn Museum, en la lista de los 100 museos más visitados solo hay uno de Latinoamérica y es museo Soumaya en México. En Latinoamérica hay muy buenos museos pero falta el apoyo de las masas. Nos falta más cultura y priorizar y promover más la cultura para salir de la pobreza.

El arte es conocido por los curadores y  no es subjetivo en ningún caso. Quizás para Juan de la Calle sea subjetivo, pero como te explique en la infraestructura del arte no es nada subjetiva. Hay muchos obstáculos para llegar a ser conocido.

Porque estamos hablando de arte, supuestamente es único, con tantos atributos de creatividad, unicidad, estética y sentido de emoción tratándose de un artista reconocido si puede llegar a tener este precio. Pero no solo el arte es multimillonario, los músicos cobran medio millón por presentación por solo una hora 45 minutos, Messi gana 40 millones al año, todo lo exclusivo y bueno está sobre valorado. Realmente es una pena que hagamos llegado a eso, pero el mundo es así y el arte es un reflejo de la sociedad.

Andy Warhol, 129 Mueren en Avión (Accidente de Avión), 1962

Andy Warhol, Marilyn 1962

Andy Warhol, Autorretrato Camuflado, 1986

¿Existe algún ranking de 'las mejores obras del mundo' en las que su valor monetario juegue un papel significativo que está relacionado a su posición en el ranking?
La respuesta es si hay un ranking, no está escrito en papel, pero por supuesto que lo hay. Los curadores saben muy bien quien es excelente, quien es muy bueno, quien es bueno y quien no lo es. Lo grandes artistas Warhol, Pollock, Picasso, Duchamp, Dali, están entre los más grandes, hay artistas como Wayne Thiebaud, que al ser muy bueno, no está a la altura de Warhol por ejemplo. Hay niveles que no están escritos en ningún parte, pero si en la mente de los curadores de los museos. El valor de la obra está atada al nivel del artista que la hizo.
¿Esta obra de Picasso, Les Femmes d'Alger, 1955, tenía alguna característica que la hacía particularmente especial?
Esta obra es una inspiración de una obra con el mismo nombre que la realizo Eugne Delacroix. A mí me gusta más la obra de Delacroix, es más me atrevo a decir que esta obra fue vendida muy cara, porque no tiene los atributos de obras que se han vendido por menor precio.
¿Cuál es el beneficio para quien adquiere la obra? (¿O en otras palabras, existe alguna forma de obtener un beneficio económico concreto al tenerla?)

El beneficio de tener arte en el trabajo o casa, son innumerables, te relaja, te quita el estrés, te baja la presión, te culturiza, te hace más sensible, te quita la ansiedad, te alza la moral, te da más energía, te humaniza, aumenta la productividad y por último y lo más importante puedes trabajar más, cansarte menos y te da más imaginación para resolver los problemas del trabajo. Por estas razones las empresas americanas, canadienses y europeas tienen arte en el lugar de trabajo. El beneficio económico del arte es muy grande, si compras una obra de arte de un artista nuevo, joven cuando este sea reconocido su precio será multiplicado por 7 y si llega a ser un ran artista será multiplicado por 50 o más aun. Una obra de Fernando de Szyszlo, Paclla Pampa, 1969, fue vendida en una galería en $8,000 y fue rematada en Christie’s por $182,500 en 2011. El precio del arte tiende a subir y si la obra es de un artista bueno y llega a ser un artista muy bueno, su precio de venta se multiplica por 10 o 20 lo que tú pagaste. Otro ejemplo es la obra de Mark Rothko, Centro Blanco que fue comprado por $10,000 en 1960 en una galera y después fue vendido en 72.8 millones en 2007. Al parecer el comprador se siente orgulloso de ser el único que tiene la obra. Es algo de egoísmo y satisfacción personal.

Fernando de Szyszlo, Paclla Pampa, 1969

Fernando de Szyszlo, La Noche, 2011

Fernado de Szyszlo, Trashumantes, 2007

El arte de Picasso, Pollock, Warhol, Dali, etc, están en las grandes ligas, eso es para los billonarios. Pero hay buen arte que se puede conseguir por $2,000 o menos, de artistas jóvenes. Hay que preguntar a curadores independientes, galerías, buscar información y tener buen ojo. Si alguien me pregunta yo lo puedo ayudar con esa información.

Paco espero mi respuesta sea de tu agrado.


Augusto Chimpen

viernes, 17 de abril de 2015

Lectura de obra Picnic de Fernando Botero

Fernando Botero, Picnic en las Montañas, 1966

Fernando Botero, Picnic, 1989

Fernando Botero, Picnic Concierto, 1994

¿Cuáles son los elementos estéticos de la obra de Fernando botero, Picnic de 1989? Erik, Antioquia, Colombia

Gracias por tu pregunta. Hay que especificar el año de esta obra, porque Botero al menos tiene 8  pinturas con el mismo nombre, así creando una serie de este tema. Todos los picnic dan diferente sensación, esa es la grandeza de Botero, usando el mismo tema, cada obra da diferente emoción al espectador. Para empezar es un bodegón, un retrato y un paisaje. Es un bodegón, por el pan, las frutas en la canasta y los vasos. Es un retrato por que muestra la cara del hombre durmiendo. Es un paisaje por el valle con árboles, arbustos y montañas, inclusive hay un volcán que vota humo.

Este cuadro nos da un sinfín de lecturas. Para empezar todavía no han comido mucho porque la naranja esta entera, el pan casi entero, el chorizo casi entero y la canasta llena de frutas. Hay 5 vasos casi llenos, pero solo se ven dos personas. Nos imaginamos que están con sus hijos, dado los 3 vasos más pequeños. Eso es lo maravilloso de Botero, te insinúa situaciones que sorprenden al espectador. De esta manera Botero juega con el espectador. El buen lector le quiere dar una lectura completa. El humor siempre presente en las obras de Botero, hace la naranja más grande que la piña. Otro detalle interesante es que no se ven las botellas de los jugos o bebidas de los vasos.

Fernando Botero, Picnic, 1997

Fernando Botero, Picnic, 1998

Fernando Botero, Picnic, 2001

 La mujer por su lado esta fumando, tomando jugo, tiene las uñas muy bien cuidadas, tiene un brazalete, eso quiere decir que esta vestida elegante. Esto es raro dado que nadie se viste elegante para un picnic. Solo se ve un pedacito de su vestido rojo, pero ya te la imaginas. Lo raro o gracioso de este cuadro es que hay dos cerezas rojas en la parte izquierda, cerca a la mano de la mujer. En el lado derecho también hay 2 cerezas pero estas tienen un color gris. Botero nuevamente jugando con el espectador como es típico de su obra. Como si esto no fuera poco, las uvas en la canasta también son grises.

Fernando Botero, Picnic, 2001
Fernando Botero, Picnic, 2002
Para poner más misterio Botero pone el cielo azul en la parte izquierda, una gran nube blanca que ocupa la mayor parte del cielo y el humo negro del volcán. Para hacerlo más raro Botero pinto algunas nubes de color anaranjado en el lado derecho, algo irreal. Botero al poner el volcán, pone el picnic en forma más dramática, dado que es peligroso estar cerca a un volcán en etapa de erupción. El humo que vota el volcán parece el humo de un cigarrillo y no el de un volcán botando humo. Esto demuestra que la obra de Botero no se basa en la realidad, si no en su imaginación, por eso su obra es la más importante del mundo. Botero pone la pareja en el picnic tranquila y durmiendo mientras un volcán esta en acción. Solo a él se le podría ocurrir algo así.

Fernando Botero, Picnic, 2006
Usualmente se duerme después de comer, pero el hombre está durmiendo antes de comer, dado que la comida esta casi entera y los vasos casi llenos. Botero nos alimenta con situaciones para entretenernos, pensar y reírnos. Para jugar más con el espectador Botero pone plátanos verdes frente al hombre durmiendo, pero estos plátanos no se pueden comer crudos, hay que freírlos. Estos plátanos no se llevan a un picnic, Botero crea confusión poniendo estos plátanos. El mantel es rosado que le da delicadeza y suavidad, pero esta como si estuvo doblado como pañuelo, haciéndolo raro e irreal. La meta de Botero es confundir al espectador con su obra y poner lo inimaginable dentro de lo real y de un contexto simple y familiar. Es allí que demuestra su genialidad.

Los elementos estéticos son el color por el uso para mostrar cosas reales e irreales. El color sobresale en la parte delantera donde hay colores cálidos, amarillos, anaranjados, rojos y rosados. La forma es muy importante dado que Botero pinta todo muy redondo y grueso. Estéticamente es una obra maestra y única dado que ningún otro artista ha hecho algo parecido.

Espero que mi respuesta haya sido de tu agrado.



Augusto Chimpen

lunes, 9 de marzo de 2015

Los 10 murales de arte más famosos del mundo

Quisiera saber los 10 murales de arte más famosos del mundo. Leonny, Santo Domingo, Republica Dominicana

Estimado Leonny, gracias por tu pregunta. 

Leonardo da Vinci, La Ultima Cena, 1495-97
 1. Leonardo de Vinci, La Última Cena, Convento Santa Maria delle Grazie, Milan.

El mural y la obra más importante de la historia del arte. Se cuentan tres historias. Cuando Cristo dice “uno de ustedes me va a traicionar”. La segunda historia es la introducción de la eucaristía con el pan y el vino. Por último cuando Cristo dijo “el que moja su pan en el mismo plato que yo, es el que me traicionara” Su creación geométrica no ha sido hecha nuevamente, los ojos de Cristo están en el centro del mural.


Miguel Ángel, La Creación de Adán. 1512

         2. Miguel Ángel, La creación de Adán, Capilla Sixtina, Vaticano

Adán reposa en la tierra, de la cual fue hecho, su brazo reposa en su rodilla sin fuerzas. Se puede ver que todavía no respira. Lo más importante es que la cara de Adán se parece a la cara de Dios. Dado que nos creo a su imagen y semejanza. En la cara de Dios se nota autoridad y solemnidad. A pesar que pinto a Dios con edad avanzada, lo pinto fuerte y majestuoso levantado por ángeles.

Miguel Angel El Juicio Final, 1537-41

      3. Miguel Ángel, El Juicio Final, Capilla Sixtina, Vaticano

Se encuentra en  una pared frontal de un altar en la Capilla Sixtina. Cristo se encuentra en el centro del mural. Cristo es pintado joven, atlético y musculoso, hecho como nunca antes hecho con una mirada molesta, haciendo un movimiento brusco con su mano. Cristo se dirige hacia su lado izquierdo donde están los condenados. Estamos ante un Cristo nunca antes visto, a quien se le ha perdido la bondad y la misericordia y se convierte en el Cristo justiciero.

Giotto, Lamentación Sobre Cristo Muerto, 1305-06

              4. Giotto, Lamentación sobre Cristo Muerto, Capilla de los Scrovegni, Padua 

Con Giotto empezó el renacimiento, así que este mural es de mucha importancia. Este mural esta en el centro de la pared izquierda de la capilla de los Scrovegni de Padua. En este fresco se puede ver a Cristo descendido de la cruz, rodeado de su madre, Maria Magdalena y otras mujeres. Los apóstoles también muestran su dolor, los ángeles que vuelan en el fondo igualmente se puede ver su angustia y dolor. La gran roca apunta hacia arriba y al cielo donde Cristo va ir.



Rafael Sanzio, La Escuela de Atenas, 1510-11



5.            Rafael Sanzio, Escuela de Atenas,  Palacio Apostolico, Vaticano


En este mural semicircular, está representada a la filosofía en el mundo clásico en los otros 3 murales están la teología  el derecho y la medicina que decoran la llamada Estancia de la Signatura I. En el centro del mural se encuentran Platón, elevando el dedo simbolizando el mundo de las ideas y bajo el brazo tiene el Timeo, un influyente ensayo de cosmogonía, cosmología racional, física y religión. A su lado esta su alumno Aristóteles que hace un gesto con su mano adelante que simboliza al mundo material, en su mano tiene el su obra Ética que es antes nada una ética de felicidad. Se encuentran 50 personajes aproximadamente.  Los otros personajes también son filósofos, matemáticos e inventores griegos, como Heráclito, Diógenes,  Pitágoras, Arquímedes, Sócrates y Alejandro Magno.  

Andrea Mantegna, Camara de los Esposos, El Oculo,1465-74

  6.       Andrea Mantegna, Cámara de los Esposos, 1465-1474

Es una habitación en el Palacio Ducal de Mantua, don hay muchos murales hechos por Andrea Mantegna. El artista pinto las paredes  y el techo, el tema de los murales es la celebración de la dinastía de la familia Gonzaga, con el momento  de la elección de Cardenal de Francisco Gonzaga. El mural más importante es el llamado Óculo, donde se encuentran miembros de la familia y puttis jugando y con miedo por el pavo real. La perspectiva y el hiperrealismo es impresionante.

Diego Rivera, La Historia de México, 1929-35

      7.    Diego Rivera, La Historia de México, Palacio Nacional, 1929-1935

Rivera pinto la historia de México en tres muros del Palacio Nacional de Mexico DF. En el muro de la derecha Rivera pinto el mundo precolombino gobernada por el rey dios Quetzalcoalt. En el mural de la izquierda se muestra la revolución actual liderada por Karl Marx, que llevaba un fututo aparente  de armonía entre la industria y la naturaleza. En el muro central muestra la conquista española del siglo XVI, en la parte inferior esta el príncipe azteca Cuauhtemoc y lucha contra Hernán Cortez, también se encuentran secuencias de cristianización y educación. En el arco central hay dirigentes de la revolución sosteniendo una cartel son su lema “Tierra y Libertad”.

Diego Rivera, El Hombre Controlador del Universo, 1934


       8. Diego Rivera, El Hombre Controlador del Universo, Palacio de Bellas Artes

Rivera había pintado este mural primero en 1933 en el Centro Rockefeller en New York, porque Rivera pinto el retrato de Lenin, lo que fue rechazado y destruido por esa razón.  Entonces Rivera lo pinto en 1934 en el Palacio de Bellas Artes de México DF. El tema se divide en tres partes. La parte central, aparece un obrero operando una maquina que controla el universo, manipula la vida, y divide el macrocosmos y el microcosmos. El panel de la izquierda se puede ver el efecto de la sociedad capitalista según la representación de Charles Darwin, insinuando la ciencia en contraste con la escultura de piedra que simboliza la religión y temas de luchas de clases y guerras. El panel derecho simboliza el mundo socialista con las figuras de Lenin, Karl Marx, Leon Trotsky y Friederich Engels y está representado el ejército rojo y la clase obrera unida, representados por los trabajadores en la Plaza Roja.

Diego Rivera, Sueño de una Tarde Dominical en la Alameda Central
                              9. Diego Rivera, Sueño de una tarde Dominical en la Alameda Central, 1946-47

Fue hecho  para el restaurante Versalles del hotel del Prado, hasta que fue dañado por el terremoto de 1985 y después fue restaurado y traspasado al Museo Mural Diego Rivera. El mural muestra a Rivera de niño en un paseo por la Alameda Central acompañado de aproximadamente 150 personajes emblemáticos de 400 años de la historia de México. La figura central es La Catrina con una golilla de plumas que simbolizan a Quetzalcoatl del brazo de Jose Guadalupe Posada y de la mando del niño Diego Rivera. A su detrás esta Frida Kahlo que tiene en su mano el símbolo del Yin y Yang. El sector izquierdo enseña la época colonial, la independencia y la invasión norteamericana y europea. También aparecen Hernán Cortez, Juan Zumarraga, el Virrey Luis de Velazco y Castilla, el emperador Maximiliano, su esposa Carlota y Benito Juárez entre otros más. El sector derecho ilustra el movimiento campesino, la lucha popular y la revolución, aquí aparecen Porfirio Díaz, Francisco Madero y Emiliano Zapata.


Diego Rivera, Los Murales Industriales de Detroit, 1932-33

        10. Diego Rivera, Los Murales Industriales de Detroit, 1932-33

Los Murales Industriales de Detroit son 27 paneles, el tema es la industria en la empresa Ford Motor Company, juntos rodean el corredor Rivera que forman la sala del Instituto de Artes de Detroit. Estos paneles muestran todo el proceso de la fabricación de autos, desde la extracción de materias primas, después el fundido de los metales, el moldeado, el montaje de los motores, el cableado,, los neumáticos, los asientos hasta el ensamblaje total hasta la salida de los nuevos autos hasta los patios de la fabrica.

Bansky, Paloma de la Paz Blindada, 2007

      11. Bansky, Paloma de la Paz Blindada, Cisjordania, Belén, 2007


Puse a Bansky porque vivimos en tiempos de guerra especialmente en Israel y Palestina. El arte siempre tiene que hacer efecto en la sociedad. El arte tiene que dejarse sentir para elevar a la gente.  La paloma tiene un chaleco anti-balas, pero alguien le ha apuntado al corazón. Ni la paz es respetada. ¿En qué mundo vivimos? La rama de olivo que lleva la paloma en el pico es un símbolo cristiano. Es un símbolo del relato bíblico del Diluvio, donde después de 40 días Noé soltó una paloma que regreso al séptimo día con una rama de olivo. Tenía que incluir este mural que tanto significado toma en nuestros días. Tuve que poner 11 porque no podía quitar a nadie. 

Espero que mi respuesta haya sido de tu agrado. 

Augusto Chimpen