Envia tu pregunta

Envia tu pregunta a preguntas.de.arte@gmail.com Puedes hacerte amigo en facebook www.facebook.com/pages/preguntas-de-arte/188783107818401 Pueden ver la entrevista que me hicieron en el programa CV Bien del canal 24 de Puerto Rico http://www.youtube.com/watch?v=3YztfjfGL6E&feature=player_embedded



Visita el blog de Javier Dominguez aqui, http://javierdominguezvalencia.blogspot.com/



Miembros

viernes, 17 de abril de 2015

Lectura de obra Picnic de Fernando Botero

Fernando Botero, Picnic en las Montañas, 1966

Fernando Botero, Picnic, 1989

Fernando Botero, Picnic Concierto, 1994

¿Cuáles son los elementos estéticos de la obra de Fernando botero, Picnic de 1989? Erik, Antioquia, Colombia

Gracias por tu pregunta. Hay que especificar el año de esta obra, porque Botero al menos tiene 8  pinturas con el mismo nombre, así creando una serie de este tema. Todos los picnic dan diferente sensación, esa es la grandeza de Botero, usando el mismo tema, cada obra da diferente emoción al espectador. Para empezar es un bodegón, un retrato y un paisaje. Es un bodegón, por el pan, las frutas en la canasta y los vasos. Es un retrato por que muestra la cara del hombre durmiendo. Es un paisaje por el valle con árboles, arbustos y montañas, inclusive hay un volcán que vota humo.

Este cuadro nos da un sinfín de lecturas. Para empezar todavía no han comido mucho porque la naranja esta entera, el pan casi entero, el chorizo casi entero y la canasta llena de frutas. Hay 5 vasos casi llenos, pero solo se ven dos personas. Nos imaginamos que están con sus hijos, dado los 3 vasos más pequeños. Eso es lo maravilloso de Botero, te insinúa situaciones que sorprenden al espectador. De esta manera Botero juega con el espectador. El buen lector le quiere dar una lectura completa. El humor siempre presente en las obras de Botero, hace la naranja más grande que la piña. Otro detalle interesante es que no se ven las botellas de los jugos o bebidas de los vasos.

Fernando Botero, Picnic, 1997

Fernando Botero, Picnic, 1998

Fernando Botero, Picnic, 2001

 La mujer por su lado esta fumando, tomando jugo, tiene las uñas muy bien cuidadas, tiene un brazalete, eso quiere decir que esta vestida elegante. Esto es raro dado que nadie se viste elegante para un picnic. Solo se ve un pedacito de su vestido rojo, pero ya te la imaginas. Lo raro o gracioso de este cuadro es que hay dos cerezas rojas en la parte izquierda, cerca a la mano de la mujer. En el lado derecho también hay 2 cerezas pero estas tienen un color gris. Botero nuevamente jugando con el espectador como es típico de su obra. Como si esto no fuera poco, las uvas en la canasta también son grises.

Fernando Botero, Picnic, 2001
Fernando Botero, Picnic, 2002
Para poner más misterio Botero pone el cielo azul en la parte izquierda, una gran nube blanca que ocupa la mayor parte del cielo y el humo negro del volcán. Para hacerlo más raro Botero pinto algunas nubes de color anaranjado en el lado derecho, algo irreal. Botero al poner el volcán, pone el picnic en forma más dramática, dado que es peligroso estar cerca a un volcán en etapa de erupción. El humo que vota el volcán parece el humo de un cigarrillo y no el de un volcán botando humo. Esto demuestra que la obra de Botero no se basa en la realidad, si no en su imaginación, por eso su obra es la más importante del mundo. Botero pone la pareja en el picnic tranquila y durmiendo mientras un volcán esta en acción. Solo a él se le podría ocurrir algo así.

Fernando Botero, Picnic, 2006
Usualmente se duerme después de comer, pero el hombre está durmiendo antes de comer, dado que la comida esta casi entera y los vasos casi llenos. Botero nos alimenta con situaciones para entretenernos, pensar y reírnos. Para jugar más con el espectador Botero pone plátanos verdes frente al hombre durmiendo, pero estos plátanos no se pueden comer crudos, hay que freírlos. Estos plátanos no se llevan a un picnic, Botero crea confusión poniendo estos plátanos. El mantel es rosado que le da delicadeza y suavidad, pero esta como si estuvo doblado como pañuelo, haciéndolo raro e irreal. La meta de Botero es confundir al espectador con su obra y poner lo inimaginable dentro de lo real y de un contexto simple y familiar. Es allí que demuestra su genialidad.

Los elementos estéticos son el color por el uso para mostrar cosas reales e irreales. El color sobresale en la parte delantera donde hay colores cálidos, amarillos, anaranjados, rojos y rosados. La forma es muy importante dado que Botero pinta todo muy redondo y grueso. Estéticamente es una obra maestra y única dado que ningún otro artista ha hecho algo parecido.

Espero que mi respuesta haya sido de tu agrado.



Augusto Chimpen

lunes, 9 de marzo de 2015

Los 10 murales de arte más famosos del mundo

Quisiera saber los 10 murales de arte más famosos del mundo. Leonny, Santo Domingo, Republica Dominicana

Estimado Leonny, gracias por tu pregunta. 

Leonardo da Vinci, La Ultima Cena, 1495-97
 1. Leonardo de Vinci, La Última Cena, Convento Santa Maria delle Grazie, Milan.

El mural y la obra más importante de la historia del arte. Se cuentan tres historias. Cuando Cristo dice “uno de ustedes me va a traicionar”. La segunda historia es la introducción de la eucaristía con el pan y el vino. Por último cuando Cristo dijo “el que moja su pan en el mismo plato que yo, es el que me traicionara” Su creación geométrica no ha sido hecha nuevamente, los ojos de Cristo están en el centro del mural.


Miguel Ángel, La Creación de Adán. 1512

         2. Miguel Ángel, La creación de Adán, Capilla Sixtina, Vaticano

Adán reposa en la tierra, de la cual fue hecho, su brazo reposa en su rodilla sin fuerzas. Se puede ver que todavía no respira. Lo más importante es que la cara de Adán se parece a la cara de Dios. Dado que nos creo a su imagen y semejanza. En la cara de Dios se nota autoridad y solemnidad. A pesar que pinto a Dios con edad avanzada, lo pinto fuerte y majestuoso levantado por ángeles.

Miguel Angel El Juicio Final, 1537-41

      3. Miguel Ángel, El Juicio Final, Capilla Sixtina, Vaticano

Se encuentra en  una pared frontal de un altar en la Capilla Sixtina. Cristo se encuentra en el centro del mural. Cristo es pintado joven, atlético y musculoso, hecho como nunca antes hecho con una mirada molesta, haciendo un movimiento brusco con su mano. Cristo se dirige hacia su lado izquierdo donde están los condenados. Estamos ante un Cristo nunca antes visto, a quien se le ha perdido la bondad y la misericordia y se convierte en el Cristo justiciero.

Giotto, Lamentación Sobre Cristo Muerto, 1305-06

              4. Giotto, Lamentación sobre Cristo Muerto, Capilla de los Scrovegni, Padua 

Con Giotto empezó el renacimiento, así que este mural es de mucha importancia. Este mural esta en el centro de la pared izquierda de la capilla de los Scrovegni de Padua. En este fresco se puede ver a Cristo descendido de la cruz, rodeado de su madre, Maria Magdalena y otras mujeres. Los apóstoles también muestran su dolor, los ángeles que vuelan en el fondo igualmente se puede ver su angustia y dolor. La gran roca apunta hacia arriba y al cielo donde Cristo va ir.



Rafael Sanzio, La Escuela de Atenas, 1510-11



5.            Rafael Sanzio, Escuela de Atenas,  Palacio Apostolico, Vaticano


En este mural semicircular, está representada a la filosofía en el mundo clásico en los otros 3 murales están la teología  el derecho y la medicina que decoran la llamada Estancia de la Signatura I. En el centro del mural se encuentran Platón, elevando el dedo simbolizando el mundo de las ideas y bajo el brazo tiene el Timeo, un influyente ensayo de cosmogonía, cosmología racional, física y religión. A su lado esta su alumno Aristóteles que hace un gesto con su mano adelante que simboliza al mundo material, en su mano tiene el su obra Ética que es antes nada una ética de felicidad. Se encuentran 50 personajes aproximadamente.  Los otros personajes también son filósofos, matemáticos e inventores griegos, como Heráclito, Diógenes,  Pitágoras, Arquímedes, Sócrates y Alejandro Magno.  

Andrea Mantegna, Camara de los Esposos, El Oculo,1465-74

  6.       Andrea Mantegna, Cámara de los Esposos, 1465-1474

Es una habitación en el Palacio Ducal de Mantua, don hay muchos murales hechos por Andrea Mantegna. El artista pinto las paredes  y el techo, el tema de los murales es la celebración de la dinastía de la familia Gonzaga, con el momento  de la elección de Cardenal de Francisco Gonzaga. El mural más importante es el llamado Óculo, donde se encuentran miembros de la familia y puttis jugando y con miedo por el pavo real. La perspectiva y el hiperrealismo es impresionante.

Diego Rivera, La Historia de México, 1929-35

      7.    Diego Rivera, La Historia de México, Palacio Nacional, 1929-1935

Rivera pinto la historia de México en tres muros del Palacio Nacional de Mexico DF. En el muro de la derecha Rivera pinto el mundo precolombino gobernada por el rey dios Quetzalcoalt. En el mural de la izquierda se muestra la revolución actual liderada por Karl Marx, que llevaba un fututo aparente  de armonía entre la industria y la naturaleza. En el muro central muestra la conquista española del siglo XVI, en la parte inferior esta el príncipe azteca Cuauhtemoc y lucha contra Hernán Cortez, también se encuentran secuencias de cristianización y educación. En el arco central hay dirigentes de la revolución sosteniendo una cartel son su lema “Tierra y Libertad”.

Diego Rivera, El Hombre Controlador del Universo, 1934


       8. Diego Rivera, El Hombre Controlador del Universo, Palacio de Bellas Artes

Rivera había pintado este mural primero en 1933 en el Centro Rockefeller en New York, porque Rivera pinto el retrato de Lenin, lo que fue rechazado y destruido por esa razón.  Entonces Rivera lo pinto en 1934 en el Palacio de Bellas Artes de México DF. El tema se divide en tres partes. La parte central, aparece un obrero operando una maquina que controla el universo, manipula la vida, y divide el macrocosmos y el microcosmos. El panel de la izquierda se puede ver el efecto de la sociedad capitalista según la representación de Charles Darwin, insinuando la ciencia en contraste con la escultura de piedra que simboliza la religión y temas de luchas de clases y guerras. El panel derecho simboliza el mundo socialista con las figuras de Lenin, Karl Marx, Leon Trotsky y Friederich Engels y está representado el ejército rojo y la clase obrera unida, representados por los trabajadores en la Plaza Roja.

Diego Rivera, Sueño de una Tarde Dominical en la Alameda Central
                              9. Diego Rivera, Sueño de una tarde Dominical en la Alameda Central, 1946-47

Fue hecho  para el restaurante Versalles del hotel del Prado, hasta que fue dañado por el terremoto de 1985 y después fue restaurado y traspasado al Museo Mural Diego Rivera. El mural muestra a Rivera de niño en un paseo por la Alameda Central acompañado de aproximadamente 150 personajes emblemáticos de 400 años de la historia de México. La figura central es La Catrina con una golilla de plumas que simbolizan a Quetzalcoatl del brazo de Jose Guadalupe Posada y de la mando del niño Diego Rivera. A su detrás esta Frida Kahlo que tiene en su mano el símbolo del Yin y Yang. El sector izquierdo enseña la época colonial, la independencia y la invasión norteamericana y europea. También aparecen Hernán Cortez, Juan Zumarraga, el Virrey Luis de Velazco y Castilla, el emperador Maximiliano, su esposa Carlota y Benito Juárez entre otros más. El sector derecho ilustra el movimiento campesino, la lucha popular y la revolución, aquí aparecen Porfirio Díaz, Francisco Madero y Emiliano Zapata.


Diego Rivera, Los Murales Industriales de Detroit, 1932-33

        10. Diego Rivera, Los Murales Industriales de Detroit, 1932-33

Los Murales Industriales de Detroit son 27 paneles, el tema es la industria en la empresa Ford Motor Company, juntos rodean el corredor Rivera que forman la sala del Instituto de Artes de Detroit. Estos paneles muestran todo el proceso de la fabricación de autos, desde la extracción de materias primas, después el fundido de los metales, el moldeado, el montaje de los motores, el cableado,, los neumáticos, los asientos hasta el ensamblaje total hasta la salida de los nuevos autos hasta los patios de la fabrica.

Bansky, Paloma de la Paz Blindada, 2007

      11. Bansky, Paloma de la Paz Blindada, Cisjordania, Belén, 2007


Puse a Bansky porque vivimos en tiempos de guerra especialmente en Israel y Palestina. El arte siempre tiene que hacer efecto en la sociedad. El arte tiene que dejarse sentir para elevar a la gente.  La paloma tiene un chaleco anti-balas, pero alguien le ha apuntado al corazón. Ni la paz es respetada. ¿En qué mundo vivimos? La rama de olivo que lleva la paloma en el pico es un símbolo cristiano. Es un símbolo del relato bíblico del Diluvio, donde después de 40 días Noé soltó una paloma que regreso al séptimo día con una rama de olivo. Tenía que incluir este mural que tanto significado toma en nuestros días. Tuve que poner 11 porque no podía quitar a nadie. 

Espero que mi respuesta haya sido de tu agrado. 

Augusto Chimpen

miércoles, 28 de enero de 2015

¿Porque hay tantas versiones de los Girasoles de Van Gogh?

Van Gogh, Florero con 5 Girasoles, Agosto 1888

Van Gogh, Florero con 15 Girasoles, Agosto 1888

Van Gogh, Florero con 12 Girasoles, Agosto 1888

Van Gogh, Florero con 3 Girasoles, Agosto 1888
¿Porque hay tantas versiones de los Girasoles de Van Gogh? Vanessa, Lima, Perú.

Gracias por tu pregunta Vanessa. Los Girasoles de Van Gogh son una serie de 7 cuadros pintados con el mismo tema, un bodegón de girasoles. Los 4 primeros fueron pintados en agosto de 1888 y los otros 3 fueron pintados en enero de 1889. En esta serie hay 3 cuadros con 14 girasoles, 2 con doce girasoles, uno con cinco y otro con tres girasoles. El cuadro de 5 girasoles fue destruido en la Segunda Guerra Mundial, el 6 de agosto de 1945.

En 1886 Van Gogh se instala en Paris, y conoció a Pissarro, Toulouse Lautrec, Signac y Gaugin, con quien compartió sus deseos de una evolución del Impresionismo. Fue Toulouse Lautrec quien le dijo que se mude a Arles y llego allí el 20 de febrero de 1888.

Van Gogh, Florero con 15 Girasoles, Enero 1889

Van Gogh, Florero con 15 Girasoles, Enero 1889

Van Gogh, Florero con 12 Girasoles, Enero 1889
En 1887, antes de hacer los girasoles en las bases Van Gogh pinto 4 cuadros de girasoles en una superficie plana. Existe la posibilidad que la forma y color de esta flor lo cautivaba mucho. Probablemente los hizo como un estudio porque algunos girasoles están marchitados, otros con vida, así como están en los girasoles en bases. Igualmente en 1886 Van Gogh hizo un bodegón con girasoles y rosas demostrando su gusto por esta flor.

Van Gogh, Rosas y Girasoles, 1886
Un artista le da significado a todo lo que pinta, pintar un girasol muerto, significaba, decir que nuestras vidas son cortas. Por eso en los girasoles que pinto después tienen girasoles  frescos, otros a mitad de vida y otros secos. Esto significa las tres etapas de la vida, la niñez, edad madura y vejez.

Para Van Gogh los girasoles significaban alegría, dado que pinto 4 de estos cuadros de girasoles cuando esperaba por su héroe, el pintor Paul Gaugin en Arles en el sur de Francia. Estos cuadros eran para impresionar a Gaugin, como un gesto de amistad. Hizo los girasoles porque para Van Gogh son símbolos de alegría, en la literatura holandesa el girasol es símbolo de devoción y lealtad y sus diferentes etapas de deterioro nos recuerdan el ciclo de la vida y de la muerte. La convivencia con Gaugin solo duro 2 meses debido a los diferentes temperamentos donde hubo varias peleas, hasta que el 23 de diciembre Van Gogh ataco a Gaugin con una navaja de afeitar. Después Van Gogh uso esa navaja para cortarse la oreja. 

Van Gogh, 4 Girasoles Cortados, Agosto- Septiembre, 1887

Van Gogh, 2 Girasoles Cortados, Agosto-Septiembre, 1887

Van Gogh, 2 Girasoles Cortados, Agosto-Septiembre, 1887

Van Gogh, 2 Girasoles Cortados, Agosto-Septiembre, 1887
Tanto le gustaron los girasoles que Van Gogh quería pintar una docena de cuadros con este tema.

Con la esperanza de llegar a vivir con Gaugin en nuestro estudio, quiero pintar una serie de cuadros. Nada más que girasoles. Si llevo a cabo mi plan, pintare una docena de cuadros. El conjunto es una sinfonía en azul y amarillo. Trabajo todos los días desde que sale el sol. Porque las flores se marchitan enseguida y hay que pintarlo todo de una vez. Carta a su hermano Theo

Lo más importante de estos girasoles y que no ha sido recreado otra vez por ningún artista es que 3 de los cuadros con 14 girasoles son casi idénticos. Cambia el color de las flores, el fondo, la mesa y el color de las vasijas pero la forma y posición del arreglo floral es idéntico. Para hacer las cosas extrañas o más originales los 2 cuadros que tienen 12 girasoles con casi idénticos igualmente. Al parecer Van Gogh los tenía en su estudio y los podía copiar y cambiar el fondo para darle otra lectura. Al final si ves todos juntos ninguno se parece a otro, solo la forma y posición de las flores es idéntica. Otra cosa muy importante de esta serie es que te puedes dar cuenta del estado emocional del artista cuando los hizo. En el cuadro de 3 y 5 girasoles te puedes dar cuenta que estaba triste por los colores oscuros que uso. El número de girasoles también puede decirnos que son pocos y que no hay plenitud. Lo contrario pasó con los cuadros que tienen 12 y 14 girasoles, donde el amarillo es el color más usado y hay bastantes girasoles. Estas pinturas son más alegres y demuestran el estado emocional de Van Gogh. Vanessa para responder a tu pregunta, Van Gogh pinto los girasoles para impresionar a Paul Gaugin y porque le gusto mostrar la belleza con la naturaleza de los girasoles y quería mostrar su color preferido, el amarillo, color que fue inspirado por los Impresionistas

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.


Augusto Chimpen

martes, 30 de diciembre de 2014

No entiendo nada de arte, pero me gustaría conocer algo más de arte

Barnett Newman, Voz de Fuego, 1967

Barnett Newman, El Hombre Heroico y Sublime, 1950

Barnett Newman, Catedra, 1951
No entiendo nada de arte, pero me gustaría conocer algo más de arte. Chari, Andalucía, España


Estimada Chari, gracias por tu pregunta. Tu estas como muchos, no saber nada de arte. Pero no importa si no sabes, lo importante es que te guste el arte. Si vas a un museo o galería trata de  aceptar las obras que ves y que te gustan. No las rechaces porque no las entiendes. No rechaces las obras conceptuales o de vanguardia hechas con objetos. Trata de pensar la idea de la obra. Piensa que esa obra es única, tiene vida propia, es original, no hay otra igual, ni parecida, a menos que sea del mismo artista. En arte lo que vale es la originalidad, la unicidad y la estética envuelta en la obra. Por ejemplo la obra de Barnett Newman Voz de Fuego, el artista dijo que esa obra la ideo cuando estaba viendo una fogata en el campo. Por eso el color rojo esta en el medio y el azul del cielo oscuro a los costados. Pero esta obra no es para una casa por la altura, esta obra fue hecha para un museo. Toda la obra de este artista es franjas con colores. Pero puedes creer que él pasaba horas pensando en el espesor de las franjas y los colores que iba a poner. Además el es único artista que se hizo famoso con este estilo de pintura. Eso es lo importante hacerse famoso teniendo un estilo muy particular.

 A mi mama le gustaba el arte aunque, no sabía nada, ni lo entendía. Mi madre no sabía a qué movimiento pertenecía la obra que veía, pero le gustaba verla y la apreciaba. Ver una obra, apreciar su estética y su originalidad no toma mucho. Muchas veces no sabía que significaba la obra. Eso es lo que le pido a la gente que no sabe de arte. Si les gusta una obra, no la nieguen, abran su espíritu, el arte es más espiritual que material. Hay obras en museos que las veo en mi computadora y me enriquecen espiritualmente, me alivian la tensión, la presión, me relajan. En realidad no tienes que tener las obras en tu casa para sentir el placer. Solo tienes que apreciarlas. Si sabes un poco de la obra la vas apreciar más. Si tienes obras en tu casa el gusto y placer va ser más grande obviamente. 
Mucha gente no sabe el misterio de la Mona Lisa, pero les gusta el retrato. Así debe ser con todas las obras. Eso lo puedo llamar el “efecto Mona Lisa”, que aceptes las obras así no las entiendas. Si la Mona Lisa es un retrato, pero hay mucho más que un retrato, hay una interacción entre el paisaje y la Mona Lisa, igualmente hay un simbolismo dentro de ese retrato, que solo leyendo un poco más sobre esa obra lo sabrás. Pero cuando sabes más sobre estos detalles lo vas apreciar más porque conoces más sobre la obra.

Si quieres aprender un poco mas arte, primero tienes que saber que medio es, pintura, escultura, fotografía, grabado, acuarela, cerámica, técnica mixta, instalación o video arte. Sabiendo el medio te puedes imaginar como el artista hizo la obra. Lo segundo que tienes que saber, el tema de la obra, un retrato, un paisaje, un bodegón, una escena de género,  abstracto, religioso, histórico, etc. Lo tercero que es importante es saber a qué movimiento de arte pertenece la obra. Al saber esto vas a saber más la intención del artista, dado que todos los movimientos tienen una finalidad. Lo último que tienes que saber son los detalles de la obra. Cuando ves la obra, la comparas con otra obra parecida y piensas cual te gusta más. Te doy unos ejemplos de lo que te hablo.


Mark Rothko, No. 5/No. 22, 1949

Mark Rothko, No. 14, 1960

Mark Rothko, Anaranjado, Rojo, Amarillo, 1961

Mark Rothko, Sin Título, (Azul Dividido por Azul), 1966

La obra de Mark Rothko, Magenta, Negro, Verde y Naranja, el medio, es una pintura. El tema es abstracto, pertenece al movimiento Abstracto Expresionista y los detalles es que casi ninguno de sus cuadros se parecen, aunque todos tienen el mismo concepto. Ningún otro artista trabajo como él. Rothko  se hizo muy famoso pintando esas franjas de colores y formas rectangulares. En algunos cuadros el fondo también cambia de color, creando más confrontación aun. En el movimiento Abstracto Expresionismo los artistas ponían sus emociones en sus obras. Los rectángulos de Rothko eran acerca de fuerza, dominación y confrontación. Los colores más grandes dominaban a los más pequeños. Rothko decía, “me interesa expresar mis emociones humanas básicas: tragedia, éxtasis, muerte. La gente que llora ante mis cuadros, tiene la misma experiencia religiosa que yo cuando los pinto”. 

Alberto Giacometti, El Hombre que Camina I, 1961

Alberto Giacometti, Tres Hombres que Caminan, 1948

Alberto Giacometti, Hombre Señalando, 1947
La obra de Alberto Giacometti, El Hombre que Camina I, el medio es una escultura, el tema es la figura de un hombre caminando, esa obra pertenece al movimiento Surrealista, donde los sueños y cosas imaginarias del subconsciente se plasmaba en las obras. Los detalles de esta obra son que el hombre no tiene rodillas, las piernas, los brazos son muy delgados y los pies era muy grandes para su cuerpo. Giacometti hizo muchas obras de este tipo, de diferentes tamaños, algunos parados también.

Pablo Picasso, Cuatro Perfiles Enlazados, 1949

Pablo Picasso, Toro Bravo, 1955

Pablo Picasso, Paloma, 1949

Pablo Picasso, Bailarines, 1956
La obra de Picasso, Cuatro Perfiles Enlazados, el medio es cerámica, el tema son retratos figurativos, el movimiento es Surrealismo, dado el dibujo realizado. El detalle seria que ves cuadro perfiles dibujados enlazados. Picasso fue casi el único artista que hizo platos.

Thomas Struth, Louvre 4, 1989

Thomas Struth, Instituto de Arte de Chicago, 1990

Thomas Struth, Museo del Prado 4, Madrid, 2005

Thomas Struth, Estacionamiento de Autos, Dallas, 2001
La obra de Thomas Struth, Louvre 4, el medio es fotografía, el tema es gente en un museo viendo una obra de arte, el movimiento es Fotografía Directa, que es un movimiento donde la fotografía hace una escena lo más realista y objetiva, sin la manipulación de la cámara o de la exposición cuando se revela la misma. El detalle seria que Struth hizo varias series de vistas de muchos museos.

Alberto Durero, Liebre Joven, 1502
La obra de Durero, Liebre Joven, el medio es una acuarela, el tema es la imagen de una liebre, el movimiento es el Renacimiento y el detalle es que esta misma liebre fue pintada por otros artistas, Hans Hoffmann y Joris Hoefnagel, fueron unos de ellos.

Hans Hoffmann, Liebre (Copia de Durero), 1582

Joris Hoefnagel, Liebre Joven 
Para finalizar si no sabes de arte, vas a un museo y quieres saber más sobre alguna obra que te gusto, anota el nombre del artista, el nombre de la obra y las buscas en el internet. Si vas a una galería, preguntale a alguien allí, a que movimiento pertenece este artista. Pregunta que significa la obra que te gusto, alguien te va ayudar. Hay un refrán que dice “Quien hace una pregunta es ignorante cinco minutos, quien no la hace será siempre ignorante”.  Chari siempre anota, pregunta y busca la información en la Internet, esa es la única manera de aprender de algo.

Espero que mi respuesta sea de tu agrado.



Augusto Chimpen