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martes, 25 de diciembre de 2018

Me puedes hablar de la pintura El Baño de Mary Cassatt

Mary Cassatt, El Baño, 1892


Mary Cassatt, Niño Alcanzando una Manzana, 1893

Me puedes hablar de la pintura El Baño de Mary Cassatt, Leandra, México DF, México 

Gracias por tu pregunta Leandra. La maternidad es la relación más importante que una mujer puede tener con su hijo. Esta relación será magnificada a través de sus vidas. La representación de este tema ha sido documentada en diferentes matrices por artistas mujeres, a lo largo de la historia del arte. De hecho, una de las primeras esculturas hechas en la civilización, la Venus de Willendorf, invoca el argumento de la fertilidad. En contraste, el tema de la paternidad es casi inexistente, por homólogos masculinos a través de la historia del arte.  Sin embargo, la opresión patriarcal en la esfera pública y el control de las artes ha estado allí probablemente desde el comienzo de la civilización.

Mary Cassatt, La Fiesta del Canotaje, 1893-94

Mary Cassatt, Un Beso Para la Niña Anne, 1897

Desde finales de la década de 1960, los artistas feministas han intentado atreverse al sistema patriarcal con un arte que ha desafiado el rígido arte masculino del sistema. Han tenido éxito hasta cierto punto, pero aún hay más trabajo por cumplir.

Mary Cassatt, Desayuno en la Cama, 1897

Mary Cassatt, Después del Baño, 1901

 Mary Cassatt fue una artista muy respetada en su época y miembro del grupo impresionista. Cassatt, como la mayoría de las mujeres de su época, se limitaba a los espacios de feminidad, que eran los interiores, los dominios domésticos y los jardines. La idea de la maternidad y la esfera privada fue impuesta por la sociedad patriarcal. La contraparte masculina usó temas en los dominios públicos y principalmente para la mirada masculina utilizando a las mujeres como un objeto visual de consumo, creando así una dicotomía de representaciones por género. Cassatt creó imágenes universales de humanismo raramente vistas en la historia del arte. Ella enfatizó particularmente las imágenes familiares en la relación madre-hijo. Irónicamente, nunca tuvo hijos, pero el amor materno fue el tema principal de su trabajo. Esto significa que ella era una gran observadora de la vida a su alrededor y podía cumplir muy bien sus intenciones en su trabajo.

Mary Cassatt, Madre e Hija, 1905

Berthe Morisot, En la Villa a la Orilla del Mar, 1874
Mostró los placeres y alegrías de cuidar y criar a un niño con tal naturalismo, que sus intenciones se trasmiten al espectador. Ella fue influenciada por Degas y por la fotografía en la espontaneidad y forma de imposición de sus temas. Nunca miran al espectador, son casuales y van en sus actividades particulares. Ella estuvo casi influenciada por la exposición de grabados japoneses que se mostró en París en 1890.


Berthe Morisot, La Lección de Costura, 1884


Debido a su adinerada familia, su trabajo mostraba a madres burguesas cuidando a sus hijos. a mediados del siglo XIX, la economía florecía en Francia y había una gran sociedad burguesa. Las sirvientas se ocupaban de la mayoría de los hogares burgueses con niños, pero Cassatt pintaba a las madres con sus hijos, definiendo el papel de las madres con sus hijos. Ella desafió al sistema de arte con su forma de trabajar, ya que usó diferentes medios usando pasteles y grabados en sus mejores trabajos. Sus obras artísticas fueron producto de la opresión de la dominación masculina, ya que las mujeres en ese momento eran homogéneas en su dependencia de sus esposos. Esta es una de las características del feminismo material. Todo su trabajo, así como el de su colega impresionista Berthe Morisot, fue en relación con el feminismo material.

El Baño 1892, 100.3 cm × 66.1 cm, se encuentra en el Art Institute of Chicago.  es una de sus obras más representativas, representa la esfera de la mujer a finales del siglo XIX en Francia: el dominio domestico de la familia burguesa y la madre que cuida a sus hijos. La textura y el patrón del vestido de la madre es una atracción en sí misma, obliga al ojo a mirar y encontrar belleza en un simple vestido a rayas.

Berthe Morisot, Madre e Hija, 1894

Berthe Morisot,  La Cuna, 1872 
El rico adorno en la decoración de la habitación, como el papel de la pared en el lado izquierdo, la cómoda decorada y la alfombra oriental, establecen los estándares para el estatus social de la familia. El abrazo protector de la madre asegurando al bebé en sus piernas, mientras que la otra mano lava los cautivadores pies de la niña. Los tonos bien equilibrados de la piel de la niña son de excepcional realismo. Lo natural en el que tanto la madre como la niña interactúan en sus movimientos y gestos es muy natural. Te hace pensar que está pintado a partir de una fotografía por la toma y los recortes que son de una fotografía en los 4 lados de la madre. La vista aérea dada en este lugar de trabajo coloca al espectador en la misma sala que ellos al lado de la jarra blanca.

La madre y la hija están viendo la vasija donde la madre le lava los pies a su hija. Esto lo hace así Cassatt para hacer el punto de vista de la madre, la hija y del espectador. La madre tiene la boca ligeramente abierta como si le esta diciendo algo. Las dos cabezas están juntas haciendo esto una manera física de amor. La niña, pone su mano izquierdo en la rodilla de su madre apoyándose para mantenerse derecha. Esta mano esta abierta como la de su madre que la aguanta en la cintura. La otra mano de la niña que se agarra la pierna tiene la misma forma de la mano de la madre lavándole el pie. Esto lo hizo Cassatt para decir que la hija seria igual que la madre.  Mandando un mensaje subliminal de amor tanto de madre a hija, como de hija a madre  y el futuro de la niña.

Espero mi respuesta sea de tu agrado.


Augusto Chimpen


domingo, 9 de diciembre de 2018

Me podrías leer la Anunciación de Botticelli de San Martino de la Scala


                   Sandro Botticelli, Anunciación della Scala, 1481

Me podrías leer la Anunciación de Botticelli de San Martino de la Scala.  Verónica, Lima, Perú

Gracias por tu pregunta Verónica. Fresco es una clase de pintura de mural, que fue la primera actividad artística de la humanidad. Estas son encontradas en las cuevas de Altamira y Lascaux, 17,000 BC. Los frescos fueron muy populares en el Renacimiento y el precio dependía del tema, número de personajes en la obra, el número de asistentes que el artista tenía, quien suplía los materiales, el tamaño y la fecha de terminación.

                     Sandro Botticelli, Anunciación, 1485-92

Pintar un fresco era muy dificil porque la pared tenia que estar preparada por los alumnos del artista. Por las implicaciones del yeso húmedo tenía que ser pintado de arriba hacia abajo. Uno de los más impresionantes frescos es el Andrea Mantegna, Camera degli Sposi por el ilusionista y escorzo como lo principal del mural. El mural más importante es La Última Cena de da Vinci.

El fresco de la Anunciación del Sandro Botticelli 1444-1510 fue hecho en la logia de la iglesia del hospital Sant Martino della Scala en Florencia. El fresco se daño en el siglo XXVII y en 1920 fue sacado y trasladado a la Galería degli Uffizi. La fecha del fresco es conocida por documentos de dos pagos hechos a Botticelli para la Anunciación el 8 de abril y el otro el 8 de mayo de 1481.


                  Sandro Botticelli, Anunciación, Cestello, 1489

La iconografía del fresco representa una muy importante narrativa basada en la Biblia de Nuevo Testamento. Lucas 1:26-36. Cuando el Arcángel Gabriel, le da el mensaje a a Virgen María, que ella va a tener un hijo con la intervención del Espíritu Santo. Gabriel significa “Dios es mi fortaleza” y es el guardián del tesoro celestial, es el Ángel de la redención y el principal mensajero de Dios.

Esta narrativa religiosa era muy conocida en el Renacimiento y fue hecha por cada artista de ese tiempo y en diferentes versiones por el diferente patrocinio. No solamente las comisiones de la iglesia, pero también de las poderosas familias ricas como los Medici en Florencia, Este en Ferrara, Sforza en Milán, Cornaro en Venecia y los Gonzaga en Mantua.


                  Sandro Botticelli, Anunciación, Glasgow, 1490

En el fresco Gabriel entra en el patio e interrumpe a María que esta leyendo en el libro de Isaías 7:14, 14 “Por tanto, el Señor mismo os dará una señal: He aquí, una virgen, concebirá y dará a luz un hijo, y le pondrá por nombre Emmanuel”. (El nombre de Emmanuel significa, Dios está con nosotros”). Ella pensó, que bendita la mujer de quien están escritas estas palabras y en ella se cumplió la profecía.

Este fresco es de tamaño natural, 243X550cm. Y hecho de acuerdo con el modelo de sus otras anunciaciones, el Arcángel Gabriel a la izquierda y María en la derecha.  Gabriel esta en el aire en el patio y su túnica representa movimiento por que parte de su capa esta flotando. La cara del Arcángel está en éxtasis y es la cara más linda y poética hecha por Botticelli o cualquier otro artista, incluyendo el Gabriel de da Vinci . El está mirando hacia abajo en símbolo de humillación, con sus brazos cruzados, llevando un lirio, que es símbolo de pureza, maternidad y fertilidad. La flor esta inclinada por la acción del viento y el movimiento. El color de la capa de Gabriel es de mismo color muro del jardín. Esto fue hecho para atraer la vista del observador hacia atrás. A la izquierda de Gabriel salen unos rayos de luz que representan al Espíritu Santo, como está representado en otras Anunciaciones. Los rayos de luz están hechos con pintura bañada en oro. Otros artistas que hicieron esta pintura religiosa usaron una paloma para representar al Espíritu Santo, esto no es inusual pero no se hace a menudo.


                     Fra Angelico, Anunciación, 1437-46

Hay arboles visibles en la parte de afuera y del “hortus conclusus” huerto cerrado por paredes, que simboliza la virginidad de María.  Se ve la perspectiva aérea como es habitual con sus anunciaciones. Otro patrón de Botticelli es que Gabriel y María tienen su propio espacio. Mientras que Gabriel está casi en un escenario al aire libre, la Virgen está en su habitación, en un ambiente privado. Debido a que Gabriel todavía está en el aire, su cuerpo está inclinado y con las paredes inferiores del jardín hay una forma de triángulo, con el propósito de llamar la atención hacia el paisaje y dar la ilusión de profundidad. Esto hará evidente el contraste exterior-interior.

La configuración del fresco es una composición simétrica separada por una pilastra pintada que le da un poco más de espacio a la virgen, ya que ella es más importante. En la habitación hay sensación de tranquilidad, pulcritud y organización.
En el patio debajo de Gabriel hay 2 círculos que significan la eternidad y Dios, como una fuerza eternal y el cielo por la perfecta simetría y su equilibrio invariable. Como emblema de Dios representa su perfección y su poder ininterrumpido. La habitación de María está decorada con un patrón de losas cuadradas. El cuadrado es opuesto al círculo, y representa la tierra, las 4 estaciones, las 4 direcciones del compás, las 4 edades del hombre y los 4 elementos, el fuego, la tierra, el aire y el agua.


                                      Joos van Cleve, Anunciación, 1525

El triángulo equilátero formado por las cortinas donde María esta sentada, simboliza la Trinidad por la misma dirección en sus lados. La Virgen se representada con gracia y ella estaba leyendo la Biblia y está al lado del atril. La cara de María está en perfil de tres cuartos con sus ojos cerrados y su cabeza ligeramente agachada de una manera sub misiva y parece pasiva.

La reacción de la Virgen de la entrada de Daniel es de timidez con un movimiento humilde de sus brazos.  Cuando Gabriel aparece delante de ella, la Virgen está sentada, como si fuera incapaz de levantarse, todo el peso de su misión ya estaba sobre ella. Nosotros sabemos que Gabriel no le ha dado el mensaje a María porque el tiene que estar arrodillado con el gesto de bendición.

La virgen María tiene una capa azul que simboliza humildad, el vestido rojo simboliza amor y sufrimiento, el velo blanco simboliza virginidad y modestia. El jardín con muros, “hortus conclusos” simboliza su virginidad. Ninguno, ni Gabriel ni María tienen aureolas, de las 6 versiones que Botticelli hizo solo 2 versiones no tienen aureolas, la de San Martino y la de la colección Hyde.


                         Rafael, Anunciación, 1502-04     
                                                          
En la pintura de Leonardo da Vinci, la Virgen María acepta el anuncio de Gabriel porque su antebrazo esta extendido con el gesto de bendición. La versión de Botticelli de la Anunciación de Cestello, es una de sus más impresivas versiones, por su excelente estado de trabajo y de su enfoque altamente religioso. Donde Gabriel está arrodillado y bendiciendo a María.  Aunque el espacio de María es más pequeño que el de Gabriel la proeza de esta pintura es la interacción religiosa muy intensa entre Gabriel y la Virgen. Ella está aceptando el mensaje con humildad y timidez.

En este fresco Botticelli enseña las influencias del Renacimiento del norte poniendo énfasis en el paisaje idealizado, el rio, roca cortada y los árboles, esto fue hecho para representar la técnica de perspectiva aérea de la cual Leonardo vendría a ser un maestro. Porque Botticelli era un pionero del retrato, otra influencia del norte, por esta razón Botticelli fue el principio del Alto Renacimiento.


                                Leonardo da Vinci, Anunciación, 1472-75

El propósito de Botticelli no es solamente el evento de la Anunciación, pero el mundo terrenal en el que Dios entra. El artista usa una alfombra oriental donde la Virgen tiene sus pies. El simbolismo de este objeto es la oposición entre judaísmo y cristianismo, entre la sinagoga y la iglesia. Este fresco está lleno de simbolismo y Botticelli usa el tremendo espacio para experimentar con diferentes objetos y está usando el medio a su favor.


                         Andrea Mantegna, La Camara de los Esposos, 1465-74

La fortaleza de la Anunciación de Botticelli de San Martino es el simbolismo, la armonía, la tranquilidad de la composición y la relación de exterior y lo terrenal celestial. La belleza de la obra no pone en peligro el sentimiento religioso de que la obra emana.

Espero mi respuesta sea de tu agrado.


Augusto Chimpen

miércoles, 21 de noviembre de 2018

Me podrías hablar de la pintura los Rompe Piedras de Courbet


                  Gustave Courbet, Los Rompe Piedras, 1849

Me podrías hablar de la pintura los Rompe Piedras de Courbet, Jenny Bogotá, Colombia

Gracias por tu pregunta Jenny. Esta es una pintura que me impresiono mucho, por el efecto psicológico del trabajo duro que representa la obra. Los Rompe Piedras, 1849, es un óleo sobre tela de gran escala 165 x 257 cm. En esta época esta escala era solo para obras históricas. Esto rompió la importancia de pinturas de genero sobre las pinturas históricas. Esto después influyo en los impresionistas en romper la jerarquía de pinturas creada por la Academia de Bellas Artes, donde el tamaño de gran escala era solo para obras históricas y religiosas, las de genero eran más pequeñas y los bodegones más pequeños aún.

Esta obra ya no existe porque fue destruida con otras 154 pinturas en Dresden en febrero 1945 cuando era transportada hacia un castillo de Königstein por un bombardeo de las fuerzas aliadas durante la Segunda Guerra Mundial. Esta obra fue exhibida en el Salón de París en 1850. El Salón de París, era una exhibición curada por la Academia de Bellas Artes.

Esta obra no es un retrato, porque no se puede reconocer a los sujetos por sus caras, es una obra de genero porque muestra 2 personas trabajando y pertenece al movimiento Realista. La postura de los cuerpos fue hecha de una manera que da la impresión de trabajo duro realizado por los dos hombres. La pierna derecha del hombre maduro esta tan cerca a nuestro plano que nos invita al interior de la pintura, los cuerpos de los hombres son de tamaño natural.

El joven se para de pie y su gesto es de aguantar con su pierna bastante peso de las piedras. Las extremidades del hombre maduro están en todas direcciones, porque esta arrodillado y trabajando y dando la idea de movimiento poniendo énfasis en el martilleo que está haciendo.

No mostró sus caras de compasión y para darles dignidad. Los dos hombres dan la sensación de masculinidad por el trabajo físico energético que hacen.

En esta pintura la ropa de los hombres está desgastada para retratar la miseria y el trabajo sucio que hacen. Courbet utiliza la vestimenta rota para evocar un sentimiento al espectador. El hombre viejo tiene el chaleco roto y el talón de las medias con hueco y su pantalón con una tela diferente porque estuvo roto. La diferencia de edades es muy importante en la obra, para enseñar las polaridades de la edad, Courbet enseña la colina oscura y el cielo azul y lo pesado de las piedras del joven y el señor maduro tiene sus dos manos en el martillo liviano rompiendo la roca.  El pantalón del viejo es del color de la yerba que se esta muriendo a su costado, representando su edad y su condición. El joven tiene un pantalón del color de las rocas que representa más duro y resistente.
La piel del muchacho de su brazo y cuello esta blanca y suave, mientras que las manos y la cara del señor maduro esta oscura y quebrantada.

El muchacho tiene la camisa rota en la espalda y la manga y la basta de su pantalón rota y solo tiene un solo tirante para aguantar el pantalón.

La canasta con las herramientas a la izquierda del joven, esto significa que el trae las herramientas para trabajar. La olla y la leña a la derecha del señor maduro significa que él está encargado de cocinar. Courbet pinto la colina oscura para que el observador se concentrara en ver a las 2 personas trabajando en el primer plano.
Coubert pasaba por ese camino y los vio trabajar, les hablo y los invito a su estudio para estudiarlos y hacer más exacto los cuerpos y saber más sobre su trabajo para hacerlo más exacto. 

Algunos críticos dicen que Courbet firmo 2 veces esta obra. Porque puso el tirante del joven como una G de su firma. Esto es posible, querer impregnar su nombre con un joven fuerte y trabajador.
Coubert hizo esta obra en formato grande que era solamente para obras heroicas porque él pensó que estos trabajadores eran héroes.


Augusto Chimpen


sábado, 18 de agosto de 2018

¿Para ser llamado artista hay que ser famoso?

Ramiro Llona, Futuro Inmediato, 1985

Ramiro Llona, La Silla Verde, 1995

Ramiro Llona, Anunciación, 2002
¿Para ser llamado artista son requisitos el tener fama e influir en la gente?
¿Se puede ser un artista desde el anonimato?



Gracias por tu pregunta Alondra.  ¿Para ser llamado artista son requisitos el tener fama e influir en la gente? No hay que ser famoso para ser artista. Imagínate de otra profesión como chef, hay unos chefs famosos, otros que son conocidos y otros que nadie conoce, pero todos son chefs y viven de su profesión.  Yo pienso que para ser llamado artista uno tiene que vivir de hacer arte y vender su obra en galerías. Si hay algún artista que tiene otro trabajo, también es llamado artista si vende su obra y le ayuda a vivir. ¿Que si hay que influir en la gente? Mas que toda su obra tiene que impactar estéticamente a la gente. Si la obra no es única, si no tiene estética su obra no vale mucho. La principal cualidad de una obra es si tiene estética, la segunda es unicidad, que sea único y que tenga el lenguaje visual del artista.   

Fernando de Szyszlo, Yana Sungo, 1987

Fernando de Szyszlo, Sol Negro, 2007

Fernando de Szyszlo, Trashumante, 2017


¿Se puede ser un artista desde el anonimato? No hay artistas anónimos, pero si hay artistas que la gente no conoce. Todos los artistas firman bien claro su nombre y ponen el año que se terminó el cuadro en la parte baja derecha mayormente. Detrás de la pintura siempre escriben su nombre, firman nuevamente y escriben el nombre del cuadro. Esto lo hacen así para que siempre sepa toda la información del cuadro.



Leoncio Villanueva, El Regalo, 1984

Leoncio Villanueva, Las Musas, 2016

Leoncio Villanueva, Las Hojas Muertas, 2016


¿Sin reconocimiento no puedes ser catalogado artista? Hay muchos artistas que no son reconocidos y son artistas. Lo principal para un artista es hacer obras de arte, venderlas y sobrevivir haciendo arte. El reconocimiento no es importante, es ser feliz haciendo lo que a uno le gusta y hacer lo que es su pasión. 


Joan Miro, Personaje,1970
 
Jeff Koons, Cadena de Cachorros, 1988

¿Cuál es la definición de artista según tu opinión?
Un artista es el que hace arte con sus manos para para embellecer al mundo, para dar una emoción y un mensaje. El arte es el idioma universal que no necesita traducción. Con el tiempo el arte ha cambiado tanto que artistas como Jeff Koons llevaron una postal a un grupo de artistas y les dijo “quiero esto en una escultura de tales dimensiones”. Y esos artistas lo hicieron. Pero la obra es de Koons porque él se la ideo. Otros artistas hacen una obra en plastilina pequeña y la mandan hacer de 2 metros de alto. La obra es de quien pone la idea.   

Espero que mis respuestas hayan sido de tu agrado.


Augusto Chimpen

sábado, 11 de noviembre de 2017

Me podrías hablar de la obra, Matrimonio Arnolfini de Jan Van Eyck

Jan Van Eyck, Matrimonio Arnolfini, 1434


Me podrías hablar de la obra, Matrimonio Arnolfini de Jan Van Eyck. Gerry, San Juan, Puerto Rico

Gracias por tu pregunta Gerry. Mientras más historias cuenta un cuadro más vale artísticamente. Esta obra es un retrato de la pareja del comerciante italiano, Arrigo Giovanni Arnolfini y su novia, Giovanna Cenami en el momento del matrimonio en secreto. El matrimonio en esa época podría hacerse sin un religioso, solo con dos testigos, Arnolfini era un afluente hombre de negocios y se puede ver en el cuarto parte de su suceso. La alfombra oriental, los muebles de madera tallada, las finas telas, el espejo con 10 escenas de las 14 pasiónes de Cristo, la lujosa araña de metal, la exquisita tapicería, el abrigo de piel que él tiene y el vestido ostentoso largo de la novia.

En cada objeto del cuarto hay un simbolismo para dar más detalles de la pareja y su futuro. Las naranjas en la mesa simbolizan fertilidad y pureza. Las naranjas eran muy caras en y enseñarlas es símbolo de riqueza porque eran importadas de España probablemente.  La manzana en la ventana simboliza el pecado original. La vela prendida en el candelabro simboliza la presencia de Dios. El perro simboliza fidelidad. Los dos están descalzos y el piso está limpio, simboliza que el cuarto ha sido hecho sagrado y sus sandalias se pueden ver al frente del cuadro y al lado del sofá al fondo. El abrigo de piel que lleva el novio simboliza las riquezas de sus negocios. El exuberante vestido verde de la novia con telas de piel de armiño en las mangas, el verde simboliza la vegetación y la primavera y el triunfo sobre el invierno. El velo blanco en la novia simboliza inocencia y pureza.  Las joyas, pulseras, collar y el cinturón brocado son de oro, denotan el alto poder adquisitivo de la pareja.  Giovanna agacha su cabeza en señal de modestia y sumisión. La cama tiene a la imagen de la Virgen Santa Margaret, que es la patrona del nacimiento de los niños. Igualmente, en la cama hay una pequeña escoba, que va ser el trabajo de la esposa de hacer para tener la casa limpia y el trabajo doméstico.

El espejo redondo, el circulo simboliza la eternidad y la perfección de Dios. En el espejo se puede ver a Jan van Eyck, de azul, quien fue testigo del matrimonio, hay otra persona que podría ser el también el clericó. Está escrito en la pared en Latín, Johannes de eyck hic 1434, que significa Jan van Eyck estuvo aquí en 1434.

Se piensa que la novia está embarazada por eso lleva su vestido a la cintura, para disimular el embarazo, pero esto no está documentado. Mas bien hace gesto al embarazo que supuestamente viene. Se sabe que ellos nunca tuvieron niños. Ella se agarra el vestido para que este en alguna acción.  Ninguno de los dos sonríe, es porque Arnolfini está con su mano levantada en el instante de jurar su amor y bendecirla y no es momento de sonreír. Los suecos del hombre están al frente representando la importancia en el matrimonio y que va salir a trabajar. Los de Giovanna están cerca a la cama, denotando que va ser encargada del interior de la casa.  Detrás de las manos hay una gárgola que denota el mal y el infierno. Jan Van Eyck les puso el bien y el mal, para que ellos escojan su futuro. En él cuadro hay más símbolos de Cristo y de Dios, pero el mal siempre es una alternativa.  El artista pinto una ventana por 2 razones, para dar luz y aclarar el ambiente y para no hacerlo interior solamente. Jan Van Eyck pinto este cuadro con lupa, era la única manera de pintar tan diminutos detalles. 

Gerry lo que tienes que acordarte es que este cuadro es una alegoría de un matrimonio ideal, prosperidad, riquezas y felicidad.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.


Augusto Chimpen

domingo, 2 de julio de 2017

Me gustaría saber las lecturas de las obras de Kandinsky, Amarillo, Rojo y Azul y Composición VIII.


Kandinsky, Lineas Negras, 1913

Kandinsky,  Primera Acuarela Abstracta, 1910




Kandinsky, Jardin Murnau, 1910

Kandinsky, Composicion IV, 1911

Me gustaría saber las lecturas de las obras de Kandinsky, Amarillo, Rojo y Azul y Composición VIII. Paco, Lima, Perú

Gracias por tu pregunta Paco. A Kandinsky se la considera el padre del arte abstracto. Él fue el primer pintor quien realizo una obra abstracta, la cual fue Líneas Negras, 1913. Su obra siempre ha sido una mezcla de figurativismo y total abstracción.
Para mí el primer trabajo abstracto es Primera Acuarela Abstracta, 1911, como su nombre lo indica, pero como es una acuarela entonces no se le da mucha importancia como Lineas Negras que es un óleo sobre tela.

Hay 2 clases de abstracción, la geométrica o borde duro a la Kandinsky pertenece. La otra es abstracción orgánica que representa formas biomorfas. Kandinsky fundo el movimiento Jinete Azul. En 1912 escribió el libro, Lo Espiritual en Arte, Kandinsky decía que el buscaba una síntesis de su intelecto y su emoción donde él quería que su pintura fuera tan directamente expresiva como la música, el color y sus propiedades emocionales de cada tonalidad. Su obra después tendría influencias de los movimientos Suprematismo y Constructivismo. 

Kandinsky, Paisaje con Lluvia 1913

Kandinsky, Sin Titulo, 1925

Kandinsky, Amarillo, Rojo y Azul, 1925

En la obra Amarillo, Rojo y Azul, 1925, 127X200cm, se encuentra en Centre Georges Pompidou, Paris.

Hay 2 clases de títulos en las obras de arte, los que te dicen más de la obra como las de Kandinsky y los que no te dicen nada, como Pintura Número 1, numero 5, etc. El énfasis de Kandinsky es en los 3 colores del nombre del cuadro y él quiere que el espectador ponga énfasis allí también. 

En la parte izquierda hay lo que parece una cara amarilla, se puede notar la cabeza, el ojo, la nariz, la boca y el cuello, también tiene detalles con pelo. Como siempre Kandinsky jugando con el figurativismo dentro de su arte abstracto. Si partimos visualmente el cuadro en la mitad, en la parte izquierda están los colores calidos y en la parte derecha los colores fríos. En la parte izquierda solo hay líneas rectas y semicirculares. En la parte derecha son figuras con colores, casi no hay líneas y la única línea gruesa es curvilínea en forma de zigzag, que denota movimiento. El lado izquierdo es más estatico. El rojo está en el medio en diferentes formas. El azul está en un círculo grande donde hay un circulo que se parece a una luna con el azul. Así Kandinsky creando oposiciones de forma, color y sensación. Lo más importante de esta obra es que se puede ver tensión y dinamismo en el cuadro, porque lo que quería Kandinsky era trasmitir emociones con el color.

En la obra Paisaje con Lluvia, 1913 se puede ver casas y una lluvia gruesa en el medio del cuadro. Pero si no fuera por el nombre del cuadro yo juraría que es una obra abstracta.

En la litografía Sin Título, 1925, se puede notar una persona en forma abstracta geométrica. Se puede ver las piernas, los brazos, la cara. Esto demuestra la figuración y abstracción de Kandinsky en sus obras.

En la obra Proceso suave, 1928 se puede ver que es un puerto, al fondo se puede ver un barco, pero solo si lo vez cautelosamente, a primera impresión es una obra abstracta. Eso es lo que Kandinsky quería con su obra, esconder figuras dentro de su abstracción y que el público descubra que hay en la obra escondido.

Kandinsky, Composición VIII, 1923

Kandinsky, Proceso Suave, 1928

En Composición VIII, 1923, 140 x 201 cm esta obra se encuenra en el museo Guggenheim de New York.
Kandinsky solo lo nombre lo indica el énfasis es en la composición no en el color como la otra obra arriba. En esta obra hay por lo menos 17 círculos, también hay triángulos, hay una línea gruesa curvilínea en zigzag y otras semicirculares que insinúan movimiento. En el centro del cuadro hay 4 triángulos, uno celeste, otro marrón y verde y dos blancos en el medio. A mí me parece que Kandinsky quería insinuar montañas dentro de su abstracción.  Se nota dinamismo, movimiento, no hay tensión porque el color gris de fondo no es opuesto con otro color de gran manera.

En la parte baja hay 8 semicírculos, que dan el nombre al cuadro. Kandinsky está jugando con lo real del número del nombre de la obra y su abstracción. Lo principal de esta obra es que las formas fluyen libremente para crear movimiento y armonía tal como la música lo hace.

Espero que mi respuesta hay sido de tu agrado.



Augusto Chimpen

domingo, 4 de diciembre de 2016

Lectura de Blanco Sobre Blanco de Malevich

Malevich, Bañistas Vistas por Detras, 1908-09

Malevich, Bañista, 1911

Malevich, Carpintero, 1912

Lectura de Blanco Sobre Blanco de Malevich, Felipe, Molina

Gracias por tu pregunta Felipe, me gusta responder preguntas de lecturas de obras de arte famosas. Para entender más una obra de arte, es importante saber a qué movimiento pertenece y cual es lo importante de ese movimiento.

Malevich, Afilador de Cuchillo, 1912


Malevich, Cabeza de Niña Campesina, 1913

Malevich, Vaca y Violin, 1913



La obra Blanco Sobre Blanco, se encuentra en el MOMA de New York, mide 79.4 x 79.4 cm. Esta obra pertenece al movimiento Suprematismo, donde Malevich uno de los principales fundadores de ese movimiento. Malevich dijo, el arte del Suprematismo es sentimiento puro y sus obras eran destinadas a transmitir fenómenos contemporáneos como la sensación de vuelo y el sentimiento de desaparecer, la atracción magnética al simbolizar los avances tecnológicos en formas geométricas.

Malevich, Un Ingles en Moscu, 1914

Malevich, Suprematismo, Composicion Avion Volando, 1915

Malevich, Cruz Negra, 1915


Malevich crea esta obra sin sentido de, profundidad, volumen o color, y deja solo una figura geométrica monocromática. Por esa razón dentro del cuadrado hay otro cuadrado inclinado, que da la sensación que se está moviendo, porque la base del movimiento era, trasmitir sensaciones de vuelo y movimiento.

El Suprematismo fue el primer movimiento reducir la pintura a la abstracción geométrica pura.

Malevich, Plano Amarillo en Disolucion, 1917-18 

Malevich, Blanco Sobre Blanco, 1918

Malevich, Cruz Supremacista Hieratica, 1921
Malevich creía que la creación y recepción del arte era una actividad espiritual independiente, divorciada de cualquier noción de propósito político, utilitario o social.

Él sentía que este sentimiento místico o sensación, en contraposición a las emociones humanas, podría ser mejor transmitido por los componentes esenciales de la pintura pura que son, la forma y el color.

Malevich, Cuadrado Negro en Fondo Blanco, 1929

Desde su inicio Malevich paso por varios estilos, figurativo, cubista y futurista hasta llegar el Suprematismo. Malevich decía que el Suprematismo estaba basado en el Cubismo y el Futurismo, aunque no tenía ninguno de esos movimientos en su arte. Pero el Cubismo cuadraba todo y el Futurismo daba la sensación de movimiento en su arte. La suma de cuadrar todo y hacerlo mover, eso era el Suprematismo.

Malevich en 1929 hizo la obra Cuadrado Negro en Fondo Blanco, el cuadrado negro no está paralelo al borde blanco dando la sensación que se acaba de mover. Con esta obra Malevich juega con el observador, el blanco viene a ser casi el marco de la obra y el color negro es la ausencia de color. Esta obra viene a ser la culminación de su obra geométrica cuadrada.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.




Augusto Chimpen