¿Con qué pintor actual podríamos comparar a Berni?

Diego Rivera, Cargador de Flores, 1935

David Alfaro Siquieros, La Niña Madre, 1936

Cándido Portinari, Labrador de Cafe, 1934

Mario Urteaga, La Siembra, 1934

¿Con qué pintor actual podríamos comparar a Berni? Carolina, Daireaux, Argentina

Gracias por tu pregunta Carolina. En realidad en el arte visual cada artista es único, cada artista tiene su propio lenguaje visual muy particular. Pueden pertenecer a un mismo movimiento artístico, Arte Pop, Surrealismo, Impresionismo, Arte Grafiti, arte Conceptual, etc. pero todos deben tener un lenguaje visual diferente. Eso es lo más importante en el arte, tener un lenguaje visual propio. Antonio Berni, Rosario, Argentina, 1905, trabajo en el movimiento de Realismo Social. Hay otros artistas que han hecho arte en este movimiento tales como, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, David Alfaro Siqueiros, Pedro Figari, Mario Urteaga, Guayasamin, y otros, pero nadie ha hecho lo mismo que él. Berni es un artista sin precedentes. Utilizo el collage como su medio, pero no el collage de papel, si no, pegando objetos para darle más presencia y significado a su obra. Una cosa es dibujar una lata usada y otra cosa es pegar una lata para hacer denotar un basural.  Su obra te impacta por su realismo y mensaje directo.

Antonio Berni, Juanito Bañandose, 1961

Antonio Berni, Juanito Pescando entre Latas, 1972

Antonio Berni, Juanito Jugando el Trompo, 1972

Antonio Berni, Juanito con la Moto, 1972

Antonio Berni uso al personaje Juanito Laguna en su obra, que es el arquetipo de los niños pobres que conoció. Berni hizo a Juanito, jugando, pescando, jugando con su trompo, mirando la televisión, durmiendo, en navidad o volando su barrilete (cometa, chiringa, o chichigua). Ramona Montiel es el otro personaje que usa Berni, ella sale de la miseria y se convierte en prostituta para sobrevivir. Berni hace a Ramona aparece rodeada hombres que la explotan, Ramona como costurera, Ramona posando, bailando y trabajando en el cabaret, con una adivina, Ramona esperando en la carretera y Ramona en su matrimonio por conveniencia, etc.

Con la obra Ramona también uso el collage para darle volumen y uso, telas, bordados (puntillas), tela de vestido de novias, botones, ropa, zapatos, flores artificiales y joyas de plástico. Berni utilizo diferentes caras para personificar a Ramona, porque no era una mujer sino muchas como ella.

Antonio Berni, Las Vacaciones de Juanito, 1972

Antonio Berni, Juanito va a la Fabrica, 1977

Antonio Berni, La comunion de Ramona, 1962

Antonio Berni, Ramona Adolescente, 1973

Igualmente la cara de Juanito no era la misma en todas sus obras, el nombre de Juanito era para catalogar y no personalizar a un niño en particular.  La obra de Berni de Juanito Laguna esta compuesta de objetos y materiales como latas, plásticos, cartones, hierros, maderas, botellas, telas, zapatos, juguetes, llantas y señales de tránsito, etc. La idea de Berni es que todo lo desechable de los ricos era común alrededor en los barrios de los pobres. Pare Berni era importante construir sus obras cono los mismos desperdicios que se encontraban en las ciudades pobres, para así hacerlo mas real y que impacte mas al observador.

Antonio Berni, Ramona con Medias Caladas, 1975

Antonio Berni, Ramona y la Adivina, 1976

Antonio Berni, Chelsea Hotel, 1977

Antonio Berni, La Boda, 1976

Carolina, la obra de Berni no se parece a ningún otro artista habido ni por haber. Es mas Berni fue un prodigio ya que hizo su primera exposición a los 14 años. Su obra es única y muy buena y muchos museos desearían tener una obra de el.  ¿Con que pintor actual lo podríamos comparar? Cada artista tiene su sitial en el mundo del arte y es muy difícil de comparar. Berni fue de vanguardia, muy bueno y único  Lo notable que podría decir que ya lo han dicho muchos críticos es que Berni es uno de los artistas más importantes de Argentina y de Latino América y eso es mucho de decir de un artista.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen

Comparación de La Maja Desnuda de Goya y la Olympia de Manet

Giorgione, La Venus Dormida, 1507-10

Tiziano, La Venus de Urbino, 1538

Quisiera saber cual es la comparación artística de las obras de La Maja Desnuda de Goya y la Olympia de Manet. Patty, Lima, Perú

Estimada Patty que buena pregunta. Lo más importante de la Maja Desnuda, 1790-1800, de Francisco de Goya, es que la mujer no provoca sexualmente, se nota la belleza sexual de la maja. No es cuadro erótico, si no placentero que donde puedes apreciar la mujer sin excitarte. Aunque algunos dicen que es erótico, a mi no me parece así. Goya para minimizar la excitación la puso en un sofá y no en una cama. Se puede ver que hay una luz natural que viene de una ventana en la parte izquierda, por la sombra de su cuerpo. Ella esta recostada sobre una fina sabana y sobre almohadas con encajes que están sobre la fina tela de terciopelo del sofá. La mirada de la maja es hacia el espectador, Goya hizo eso para jugar con el espectador. Su sonrisa casi inocente no excita al espectador.  La maja no tiene joyas, si no al natural para ser apreciada por su belleza innata. Cuando la inquisición se entero de este cuadro interrogo a Goya por lo obsceno del cuadro y le prohibió su exhibición publica. Hasta ese momento en España nadie había pintado un desnudo así, de una mujer real con tono sexual y provocativo en cierta manera. La maja no tenia excusas de ser un desnudo mitológico.

Francisco de Goya, La Maja Desnuda, 1790-1800

Manet, Olympia, 1863

El cuadro de Olympia, 1863 de Manet, fue inspirado en la Venus de Urbino, 1538, de Tiziano. Que Tiziano a su vez saco la imagen de la Venus Dormida, 1507-10 de Giorgione. Quien poso para el cuadro de Olympia fue una modelo y prostituta, era la preferida de Manet, Victorine Meurent. A quien uso también en Desayuno Sobre la Hierva, Traje y Espada, la Mujer con un Loro y otros cuadros mas. La Venus de Urbino era la Venus romana del amor, de la belleza y fertilidad. Pero Olympia era una prostituta y eso creo un escandalo ya que solo se aceptaban desnudos mitológicos. La sirvienta negra trae un ramo de flores que son del cliente a quien Olympia mira, al espectador, aquí Manet juega con el espectador, igual que Goya. La sirvienta negra, no es una doncella que sirve a la Venus, como en el cuadro de Tiziano, es la mucama y también esta trabajando para la dueña de la casa. La sirvienta mira a Olympia y nos invita que nosotros también la miremos. El gato significa lujuria, relaciones promiscuas y eróticas, un gato negro esta asociado con Satanás y con la muerte, aunque en este caso no aplica, el gato siempre trae malas connotaciones. La orquídea de color rosa que Olympia tiene en la cabeza simboliza seducción, sensualidad, belleza suprema, fecundidad y que quiere seducir al cliente. El lazo que tiene en el cuello simboliza, un regalo, aquí esta tu regalo, le dice al cliente. Con su mano colocada cerca de la pelvis, muestra feminidad y a la vez sensualidad. Olympia tiene una sola sandalia, esto en las pinturas alegóricas es símbolo de la inocencia perdida. Olympia a diferencia de la Maja Desnuda tiene varias joyas, tiene aretes de perla (pantallas o pendientes) y tiene un brazalete de oro que la hace más adornada y deseable.

Patty lo mas importante del cuadro de Olympia, es que Manet rompe con los moldes académicos de las que enseñaban en las escuelas de arte de la época. Otra cosa que lo hace importantes que Olympia mira al espectador y lo convierte en su cliente, el que le ha traído las flores. Ese juego que Monet hace con el espectador no se da en muchos retratos y también es la primera vez que se retrata a una prostituta en su trabajo. El retrato de la Maja Desnuda fue de la Duquesa de Alba quien era una mujer aristócrata y distinguida. En la Maja Desnuda se ve un cuerpo hermoso de una mujer distinguida, en Olympia se ve una prostituta trabajando. Aunque las dos están desnudas las lecturas son muy diferentes como te lo explique arriba.

Espero que mi respuesta sea de tu agrado.

Augusto Chimpen

Consulta sobre la obra de Campo de Trigo con Cuervos de Van Gogh

Van Gogh, Campo de Trigo con Cuervos, 1890

¿Cual es el tema y motivo que el artista desarrolla en la obra Campo de Trigo con Cuervos de Van Gogh?

¿Cuál es la dirección dominante que se percibe en la obra y porque?

¿De acuerdo con la resolución expresiva que el artista ha indicado para representar la escena, le obra trasmite dinamismo o estatismo y porque? Ayelen, Buenos Aires, Argentina

Estimada Ayelen, gracias por tu pregunta. Campo de Trigo con Cuervos fue una de las tres últimas pinturas de Van Gogh, antes de su muerte en julio 29 de 1890. El tema de esta obra es un paisaje, el motivo de pintar este paisaje fue expresar una emoción. La dirección dominante que más se percibe son los tres caminos que hay en la obra porque están bien demarcados, el camino de la izquierda tiene un borde verde que lo hace mas intenso. Hay otro camino que va hacia la derecha, esto es algo imaginario que el espectador se puede dar cuenta. La otra dirección metafórica que se puede ver es la indecisión a donde ir, que camino tomar y la soledad. Hay confusión, hay oposiciones de color y forma. De color porque el trigo es amarillo y es un color cálido y los colores cálidos nos hacen sentir mas calientes porque pueden aumentar ligeramente nuestra circulación y la temperatura corporal. El cielo es azul y verde que son colores fríos, igualmente los colores fríos nos pueden hacer sentir mas frío porque pueden disminuir ligeramente su circulación y nuestra temperatura corporal. El marrón de los caminos es un color neutral que no cambia nuestra temperatura corporal. El contraste de forma es de los campos de trigo y el de los caminos que son más delineados en su forma.

Quizás la forma mas escalofriante es el horizonte del trigo que debería de ser horizontal pero Van Gogh lo hizo en forma zigzag porque estas líneas transmiten confusión, nerviosismo como cambian dirección rápidamente con frecuencia y pueden implicar peligro y destrucción. La tormenta cargada de nubes oscuras simboliza golpes del destino y desastres. El detalle que habla sobre la muerte son los cuervos, que son asociados con el diablo y la muerte, como se puede observar en la pintura hay una manada que vienen hacia el espectador o van hacia el lado derecho.

La obra trasmite cierto dinamismo, no es estático ya que las aves vuelan. Como las aves vuelan en forma V, a mi me parece que las aves vuelan hacia el espectador, pero hay una menor opción que vuelan hacia la parte derecha. El camino que va a la derecha es diferente al otro camino creando confusión al espectador. Lo que si este cuadro se siente la tristeza y soledad porque los caminos están vacíos. El simbolismo de los caminos es viajar y buscar un destino. ¿Pero adonde si todos tienen diferentes direcciones? Este cuadro Van Gogh lo pinto cuando estaba muy depresivo y pudo poner sus emociones en su obra.

Ayelen espero mi respuesta sea de tu agrado.

Augusto Chimpen

¿Cuales son las obras más representativas e importantes de nuevas versiones de otras obras?

Jan van Eyck, Matrimonio Arnolfini, 1434

Fernando Botero, Matrimonio Arnolfini, 1997

Jacques Louis David, La Muerte de Marat, 1793

Edvard Munch, La Muerte de Marat, 1907

Pablo Picasso, Mujer con Cuchillo, (la Muerte de Marat), 1931

En el arte se ven muchas piezas que han sido inspiradas en otras grandes obras y reformadas tomando sus elementos más representativos y característicos pero aun así transformando estos conceptos en la visión del artista. Quiero decir que artistas como Munch y Picasso han pintado sus propias "Muerte de Marat", Dalí pinto varios "Angelus", Botero ha hecho el "Matrimonio Arnolfini", etc, los ejemplos son casi ilimitados, artistas que hacen sus propias versiones de obras que les gustaron o los influenciaron profundamente (como en el caso de Dalí y el Angelus). Mi pregunta es. ¿Cual cree usted que son las obras mas representativas e importantes de nuevas versiones de otras obras? Camilo, Bogotá, Colombia

Jean Francois Millet, Angelus, 1857-59

Salvador Dali, Angelus, 1935

Estimado Camilo, gracias por tu pregunta. Si ha habido artistas que han hecho reproducciones de obras importantes, así como lo dices,  el Matrimonio Arnolfini por Jan van Eyck,  La Muerte de Marat, de Jacques Louis David, El Angelus de Jean-François Millet. Pero también hay otras como Las Señoritas de Avignon de Robert Colescott,  Venus de Milo de Niki de Saint Phalle, Estudio Después del retrato de  Velázquez del Papa Inocencio X de Francis Bacon, Las Meninas de Pablo Picasso, La Ultima Cena de Andy Warhol y las latas de sopa Campbell’s y Kate Moss de Bansky. Esa técnica o método se llama Apropiación, cuando un artista se apropia de una imagen creada por otro artista y en otro contexto de publicidad u otro medio. En este caso estamos hablando solamente de obra apropiadas de otros artistas y de obras famosas. 

Pablo Picasso, Las Señoritas de Avignon, 1907

Robert Colescott, Las Señoritas de Alabama Vestidas, 1985

Niki de Saint Phalle, Venus de Milo, 1962

Salvador Dali, Venus de Milo con Cajones, 1964

Rene Magritte, Las Esposas de Cobre, 1931

Si te das cuenta de todas las obras mencionadas son iconos del arte. Justamente son reproducidas por lo buenas que son, obras malas o de mediana calidad no son reproducidas.

Diego Velazquez, Papa Inocencio X, 1650

Francis Bacon,  Estudio Después del Retrato del Retrato de Velazquez del Papa Inocencio X,  1953

Andy Warhol, Lata de Sopa Campbell's, 1964

Andy Warhol, La Última Cena, 1986

Diego Velázquez, Las Meninas, 1656

Pablo Picasso, Las Meninas, 1957

Estimado Camilo, en mi parecer las obras más importantes de las nuevas versiones en la técnica de Apropiación son las latas de sopa Campbell’s de Warhol, la obra de Robert Colescott, la de Niki de Saint Phalle, Francis Bacon y la de Botero. Justamente esto es uno de las características del postmodernismo, traer algo clásico, modernizarlo y darle una nueva lectura.

Espero que mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen

¿Cual el significado de la obra la Rueda de Bicicleta?

Marcel Duchamp, Rueda de Bicicleta, 1913

Marcel Duchamp, Hombre Sentado Junto a una Ventana, 1907

Marcel Duchamp, Dulcinea, 1911

Marcel Ducahmp, Virgen y Esposa, 1912

Marcel Duchamp, Desnudo Bajando una Escalera, 1912

¿Me gustaría saber el significado de la obra  la Rueda de Bicicleta de Marcel Duchamp? ¿Es decir, por qué eligió este elemento y qué quiso representar con él? Cristel, Lima, Perú

Estimada Cristel, que buena pregunta. Siempre antes de hacer una obra hay precedentes a esa obra y una mentalidad detrás de esa obra. Empezando que la obra de Duchamp siempre tuvo un poco de humor y misterio. Cuando hizo Rueda de Bicicleta, el tenia solo 26 años y ya había experimentado en su pintura con Post-Impresionismo, cubismo, fauvismo y surrealismo, aunque este movimiento todavía no existía. Eso quiere decir que le gustaba experimentar con lo que hacia. Una buena obra que hizo fue  Desnudo Bajando una Escalera, 1912, que fue hecha como obra cubista, pero que tenía algo de Futurismo, porque hay movimiento en la figura y cuando uno experimenta así, se toca con otros movimientos. Después de experimentar con todos estos movimientos la búsqueda continúa. Sin antes haber hecho escultura, Duchamp construyo una escultura con objetos ya existentes, un banco de cocina y una rueda de bicicleta. Lo hizo por experimentar como ya antes lo había hecho con la pintura. Un artista hace obras con lo que esta mas a la mano, con lo que mas le gusta y como no hacer algo con un banco si él se sentaba allí. La bicicleta es algo de placer y entretenimiento.

Marcel Duchamp, Red de Paraderos, 1914

Marcel Duchamp, Rueda de Bicicleta, 1913

Marcel Duchamp, Secador de Botellas, 1914

Un artista al hacer esculturas piensa en la forma y el espacio y lo que hace ese espacio. La mayoría de esculturas tienen un frente, dos costados, y una parte de atras, esta escultura tiene dos lados de frente y dos de lado.

Duchamp, trabajo con dos circunferencias, la del banco y la de la bicicleta. El simbolismo del círculo es muy grande y poderoso. Como no tiene principio, ni fin, representa lo eterno y lo absoluto, por tanto representa a Dios. Si el círculo tiene un punto en el medio representa el ojo de Dios y esta rueda lo tiene. La rueda esta flotando y el banco esta en el suelo. Es la unión de lo divino con lo terrenal. La rueda da vueltas y el banco esta estable, el metal es mucho mas fuerte, la madera se rompe y lo divino es eterno y lo terrenal de destruye rápidamente igual que la madera. La rueda es negra y el banco es blanco, aquí tenemos el día y la noche, lo opuesto de lo circular y son las líneas rectas de las patas del banco. La rueda tiene 4 patas que serian los 4 puntos cardinales. En el arte hay mucho simbolismo.

Estoy seguro que Duchamp no quiso darle esa lectura, pero eso es lo que simboliza la rueda encima del banco.

Marcel Duchamp, Farmacia, 1914

Marcel Duchamp, Anticipo de un Brazo Roto,  1915

Marcel Duchamp, Fontana, 1917

La lectura en el arte, es la interpretación de las formas y colores, en esta escultura se lee las formas y lo que representa y simboliza cada objeto. Duchamp quiso experimentar con objetos no tradicionales para crear una escultura, objetos cotidianos para darle otra lectura y otro significado. Con esta obra hizo su primer Ready Made (en español es, arte encontrado)  que significa usar un objeto cotidiano sin modificarlo y hacerlo una obra de arte. Duchamp continúo con sus Ready Mades, Secador de Botellas, 1914, Anticipo de un Brazo Roto, 1915, Fontana, 1917. En 1914 hizo un Rectificado Ready Made, cuando hizo Farmacia, la reproducción de otro artista que ha sido alterada por el artista, al ponerle dos gotas de pintura, una de color verde y la otra de color naranja. En 1919 hizo otro Rectificado Ready Made cuando le puso bigotes a la Mona Lisa en la obra LHOOQ. Otra gran obra fue el Gran Vidrio, La Novia puesta al Desnudo por los Pretendientes, 1915-23.

Marcel Duchamp, L.H.O.O Q., 1919

Marcel Duchamp, Gran Vidrio, la Novia Puesta al Desnudo por sus Pretendientes,  1915-23

La obra Fontana fue presentada en la primera exhibición de la Sociedad de Artistas Independientes de 1917  por Duchamp, con el pseudónimo R. Mutt y fue rechazado por indecente. Eso le dio más publicidad a Marcel Duchamp y a sus ready mades. Esto le ayudo a difundir el mensaje que no hay diferencia entre “arte” y el aspecto mas común de la vida humana. Duchamp rechazó la suposición que el arte debe ser ligado al arte hecho por la mano del artista y dijo que una obra de arte debe ser principalmente acerca de la idea del artista. Una idea que llegó a ser uno de los principios más importantes del siglo XX. Fontana después fue exhibido en la galería 291 del fotógrafo Alfred Stieglitz.

Cristel para concluir te digo el significado de esta obra era usar objetos cotidianos y hacerlos arte. Duchamp hizo esta escultura para experimentar y porque se veía bien. Quiso representar la nueva forma de hacer esculturas. Duchamp transformo el arte con estos objetos.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen