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martes, 18 de septiembre de 2012

¿Cual el significado de la obra la Rueda de Bicicleta?

Marcel Duchamp, Rueda de Bicicleta, 1913

Marcel Duchamp, Hombre Sentado Junto a una Ventana, 1907


Marcel Duchamp, Dulcinea, 1911

Marcel Ducahmp, Virgen y Esposa, 1912

Marcel Duchamp, Desnudo Bajando una Escalera, 1912

¿Me gustaría saber el significado de la obra  la Rueda de Bicicleta de Marcel Duchamp? ¿Es decir, por qué eligió este elemento y qué quiso representar con él? Cristel, Lima, Perú

Estimada Cristel, que buena pregunta. Siempre antes de hacer una obra hay precedentes a esa obra y una mentalidad detrás de esa obra. Empezando que la obra de Duchamp siempre tuvo un poco de humor y misterio. Cuando hizo Rueda de Bicicleta, el tenia solo 26 años y ya había experimentado en su pintura con Post-Impresionismo, cubismo, fauvismo y surrealismo, aunque este movimiento todavía no existía. Eso quiere decir que le gustaba experimentar con lo que hacia. Una buena obra que hizo fue  Desnudo Bajando una Escalera, 1912, que fue hecha como obra cubista, pero que tenía algo de Futurismo, porque hay movimiento en la figura y cuando uno experimenta así, se toca con otros movimientos. Después de experimentar con todos estos movimientos la búsqueda continúa. Sin antes haber hecho escultura, Duchamp construyo una escultura con objetos ya existentes, un banco de cocina y una rueda de bicicleta. Lo hizo por experimentar como ya antes lo había hecho con la pintura. Un artista hace obras con lo que esta mas a la mano, con lo que mas le gusta y como no hacer algo con un banco si él se sentaba allí. La bicicleta es algo de placer y entretenimiento.

Marcel Duchamp, Red de Paraderos, 1914

Marcel Duchamp, Rueda de Bicicleta, 1913

Marcel Duchamp, Secador de Botellas, 1914

Un artista al hacer esculturas piensa en la forma y el espacio y lo que hace ese espacio. La mayoría de esculturas tienen un frente, dos costados, y una parte de atras, esta escultura tiene dos lados de frente y dos de lado.

Duchamp, trabajo con dos circunferencias, la del banco y la de la bicicleta. El simbolismo del círculo es muy grande y poderoso. Como no tiene principio, ni fin, representa lo eterno y lo absoluto, por tanto representa a Dios. Si el círculo tiene un punto en el medio representa el ojo de Dios y esta rueda lo tiene. La rueda esta flotando y el banco esta en el suelo. Es la unión de lo divino con lo terrenal. La rueda da vueltas y el banco esta estable, el metal es mucho mas fuerte, la madera se rompe y lo divino es eterno y lo terrenal de destruye rápidamente igual que la madera. La rueda es negra y el banco es blanco, aquí tenemos el día y la noche, lo opuesto de lo circular y son las líneas rectas de las patas del banco. La rueda tiene 4 patas que serian los 4 puntos cardinales. En el arte hay mucho simbolismo.
Estoy seguro que Duchamp no quiso darle esa lectura, pero eso es lo que simboliza la rueda encima del banco.
Marcel Duchamp, Farmacia, 1914

Marcel Duchamp, Anticipo de un Brazo Roto,  1915

Marcel Duchamp, Fontana, 1917
La lectura en el arte, es la interpretación de las formas y colores, en esta escultura se lee las formas y lo que representa y simboliza cada objeto. Duchamp quiso experimentar con objetos no tradicionales para crear una escultura, objetos cotidianos para darle otra lectura y otro significado. Con esta obra hizo su primer Ready Made (en español es, arte encontrado)  que significa usar un objeto cotidiano sin modificarlo y hacerlo una obra de arte. Duchamp continúo con sus Ready Mades, Secador de Botellas, 1914, Anticipo de un Brazo Roto, 1915, Fontana, 1917. En 1914 hizo un Rectificado Ready Made, cuando hizo Farmacia, la reproducción de otro artista que ha sido alterada por el artista, al ponerle dos gotas de pintura, una de color verde y la otra de color naranja. En 1919 hizo otro Rectificado Ready Made cuando le puso bigotes a la Mona Lisa en la obra LHOOQ. Otra gran obra fue el Gran Vidrio, La Novia puesta al Desnudo por los Pretendientes, 1915-23.

Marcel Duchamp, L.H.O.O Q., 1919

Marcel Duchamp, Gran Vidrio, la Novia Puesta al Desnudo por sus Pretendientes,  1915-23
La obra Fontana fue presentada en la primera exhibición de la Sociedad de Artistas Independientes de 1917  por Duchamp, con el pseudónimo R. Mutt y fue rechazado por indecente. Eso le dio más publicidad a Marcel Duchamp y a sus ready mades. Esto le ayudo a difundir el mensaje que no hay diferencia entre “arte” y el aspecto mas común de la vida humana. Duchamp rechazó la suposición que el arte debe ser ligado al arte hecho por la mano del artista y dijo que una obra de arte debe ser principalmente acerca de la idea del artista. Una idea que llegó a ser uno de los principios más importantes del siglo XX. Fontana después fue exhibido en la galería 291 del fotógrafo Alfred Stieglitz.

Cristel para concluir te digo el significado de esta obra era usar objetos cotidianos y hacerlos arte. Duchamp hizo esta escultura para experimentar y porque se veía bien. Quiso representar la nueva forma de hacer esculturas. Duchamp transformo el arte con estos objetos.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen

viernes, 31 de agosto de 2012

¿Qué es un ensamblaje artístico?

Pablo Picasso, Guitarra, 1913


Marcel Duchamp, Rueda de Bicicleta, 1913

Joseph Beuys, Trineo, 1969

Joseph Beuys, Traje de Fieltro, 1970


¿Qué es un ensamblaje artístico? ¿Como lo puedo hacer, he oído que se puede hacer de cualquier material y se le debe dar un significado, eso es correcto? Ricardo

Consiste en pegar o soldar objetos no artísticos para crear una escultura u objeto tridimensional. Es como un collage tridimensional. El ensamblaje como técnica tuvo apogeo en los años 1950s. Los artistas mas representativos de esta técnica son: Joseph Beuys, Bruce Conner, Joseph Cornell, Edward Kienholz, Marisol, Louise Nevelson, Arman, Karel Appel, Louise Bourgeois, Robert Rauschenberg y John Chamberlain.

Bruce Conner, Niño, 1959-60 

E
Edward Kienholz, La Espera,  1964     

Joseph Cornell, Farmacia, 1943

Joseph Cornell, Cacatua y Corchos, 1948

El primer artista que hizo un ensamblaje fue Pablo Picasso en 1913 cuando creo la Guitarra hecha con cartón, papel, cuerda y alambre pintados. Marcel Duchamp, también juntaba una rueda de bicicleta y un banco y lo llamo su “ready made”.  Este estilo renovó la forma de hacer esculturas de la manera tradicional que era moldear y tallar piedras o modelar un molde que entonces sería transmitido en bronce.  Los ensamblajes también son abstractos como las piezas de metal de carrocerías de carro que usa John Chamberlain. Louis Nevelson también hizo enigmáticas y delicadas abstracciones con madera pintada. También pueden ser como las figuras misteriosas de Bruce Conner. Ensamblaje es una técnica, no un movimiento artístico. El uso de elementos y objetos que no pertenecen al arte pueden darle crudeza de Bruce Conner o una apariencia poética como las obras de Joseph Cornell.

Armand, Relojes Despertadores, 1960


Arman, Estacionamiento a Largo Plazo, 1982



Arman, Sillas, Violonchelo, 1993

Robert Rauschenberg, Monograma, 1955

Ricardo, si lo puedes hacer juntando objetos de tu casa pero tienen que estar unidos para formar un objeto escultural con una idea y dar una emoción. En Latín América se uso poco el ensamblaje. Por ejemplo el trineo de Joseph Beuys, lo hizo porque su avión de guerra se cayó, sobrevivió el accidente y fue salvado por una tribu nómada, que lo enrollaron en grasa y telas de fieltro  para protegerlo del intenso frio de la nieve, solo así pudo sobrevivir y lo llevaron en un trineo. Por eso es que al frente del trineo hay grasa.  Así que esa obra y otras donde usa la tela de fieltro le trae memorias de su salvación. Suerte con tus proyectos de hacer ensamblajes.

Robert Rauschenberg, Cama, 1955

John Chamberlain, Craneo del Angel, 1974

John Chamberlain, Caminata de Bizcocho de Ganzo, 2009

Marisol, La Familia, 1962
Marisol, Mujeres y Perro, 1964

Espero mi respuesta te ayude.

Augusto Chimpen



martes, 21 de agosto de 2012

¿Cómo se comparan dos obras de arte?

Jackson Pollock, Hombre, Toro, Ave, 1938-41


Jackson Pollock, Hombre Desnudo con Cuchillo, 1938-41

Jackson Pollock, Los Postes Azules, 1953

Asumiendo que tenemos dos obras de arte del mismo estilo; producidas por artistas con formación académica completa y cierto reconocimiento.    ¿Existe alguna forma objetiva (que todos podamos seguir) de calificar una obra de arte por sobre la otra?    ¿O es más bien el arte tan subjetivo y emocional que esto no es posible y depende de cada observador? Paco, Lima

Estimado Paco, muy buena tu pregunta. La gente usualmente no sabe estas preguntas porque no están al tanto como funcionan los museos y el arte en su apreciación. Primeramente cada artista tiene una línea tradicional de su obra, por la cual es reconocido.  Por ejemplo Jackson Pollock que es conocido por sus goteos o “drippins”, en su juventud hizo cuadros figurativos.  Pero como Pollock creo algo nuevo con sus goteos, esa fue su línea tradicional de su obra. Una obra figurativa de Pollcok no tiene el precio de una de sus obras tradicionales. En segundo lugar hay obras mejores, que dan mas impacto al verlas. Hay mas contraste de colores, mas formas, más calidad estética, sobre otras obras. El tamaño también es importante. Una obra más grande impacta más al espectador.  Te puedes  dar cuenta que la obra Los Postes Azules es de menor calidad estética que Uno, Numero 31. De eso estamos hablando.

Jackson Pollock, Convergencia, 1952

Jackson Pollock, Uno, Numero 31, 1950
Igualmente puedo decir que Picasso tenía obras muy buenas y otras de menor calidad estética y te mando por ejemplo, El Sueño es una obra maestra, mientras que la Mujer Dormida es solo una obra regular. También te puedes dar cuenta que la obra, Mujer con Pelo Amarillo es una obra maestra. La base de la calidad de las obras es la estética y la presentación de la idea en la imagen.

Picasso, El Sueño, 1932

Picasso, Mujer Dormida, 1934

Picasso, Mujer con Pelo Amarillo, 1931
Sabiendo de calidades de obras entonces puedes comparar obras de diferentes artistas.  Hay artistas más famosos que otros. Uno es más famoso que otro por que expuso en más museos que otro. Porque tiene más obras en museos más importantes. Siempre los curadores saben en que nivel están los artistas. Según este nivel se miden la importancia de los artistas. El CV de artista es quien dice quien es más importante. Hay artistas que tienen obras en 30 museos, otros solo en 10, otros en 40 museos. Entonces es el que esta en 40 museos tiene más importancia que el que tiene 30 y así sucesivamente. La cantidad de bibliografía también es importante. Si comparamos dos artistas del mismo estilo por ejemplo Richard Estes y John Salt que los dos fueron los artistas que sembraron el hiperrealismo como movimiento a mediados de 1960. Richard Estes es más conocido que John Salt y sus obras costarían más que las de Salt. El tema también influye, ya que Estes pinta paisajes urbanos con énfasis en reflejos de ventanas mientras que Salt pinta carros viejos, a mucha gente no le gusta este tipo de pintura y eso también influye en que un artista sea más conocido que otro y el valor estético y monetario.  Estos son los parámetros que usan los museos para determinar que artista es mejor que otro u que obra es mejor que otra. No depende de cada observador, los curadores de los museos saben  el peso de las obras y de los artistas. Tu me dices “que todo podamos calificar una obra sobra la otra”. Allí es diferente, porque la gente no tiene la información a la mano. Eso ya es cuestión personal de gustos. Pero siempre recomiendo que se enteren en que museos el artista tiene obras. Artistas que no son muy conocidos tienen en al menos 5 museos.

Richard Estes, 43 y Broadway, 2005

John Salt, Estacionamiento con Tronco de Árbol, 2007

Harold Edgerton, Bala Atravesando Manzana, 1964

Walter de Maria, Campo de Relámpagos, 1977
 Hay obras que tu la vez y dices esta obra tiene algo especial y las hace únicas de inmediato. Te pongo los ejemplos del fotógrafo Harold Edgerton,  Walter de Maria, Giancarlo Vitor, Ana Mercedes Hoyos  y  Erick Sánchez, que ha pintado un tornado en forma figurativa abstracta rompiendo la tradición de la representación del a figuración. Tú te haces importante cuando rompes tradiciones y abres nuevos caminos y eso es lo que han hecho estos artistas.


Giancarlo Vitor, Sin Titulo, 2008

Ana Mercedes Hoyos, Bazurto, 2005

Erick Sanchez, El Viento ya no  Esta a Favor, 2011
Paco en el arte hay un dicho, "es mejor tener una buena obra de un artista no tan conocido, que una mala obra de un artista conocido".  Eso te dice que no es tan importante quien la hizo, si no que la obra sea buena, al final eso es lo que vale, que la obra sea buena y no el artista que la hizo.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen

viernes, 27 de julio de 2012

¿Qué es el dadaísmo?


Marcel Duchamp, Rueda de Bicicleta, 1913


Marcel Duchamp, Secador de Botellas, 1914

Marcel Duchamp, Anticipo de un Brazo Roto, 1915

Marcel Duchamp, Fontana, 1917

¿Me podrías decir que es el dadaísmo? Didier, Irapuato, Mexico
Estimada Didier, el dada es un movimiento artístico que se formo en Zúrich, Suiza en 1916. Poco después se expandió a New York, Paris, Barcelona, Hannover y Colonia. Hugo Ball fue en que fundo este movimiento, después seguirían los artistas Tristan Tzara, Jean Arp, Raoul Hausmann, Hans Richter, Kurt Schwitters, Marcel Duchamp, Francis Picabia, Max Ernst y Man Ray. 
Jean Arp, Ombligo de Torso, 1915

Francis Picabia, Balance, 1919

Raoul Hausmann, El Espíritu de Nuestro Tiempo, Cabeza Mecánica,  1920
La formación del Dada tiene raíces en la primera Guerra Mundial. Este movimiento se oponía a lo establecido, era un total rechazo a lo anterior y clasico. Empezó cuando se desarrollaba la Primera Guerra Mundial, era una respuesta a la trágica muerte de 10 millones durante la guerra. Si la nueva era de tecnología podría causar tanta destrucción, los artistas de este movimiento echaban la culpa a las fuerzas racionales de la sociedad, para traer la civilización europea al borde de la propia destrucción. Los artistas respondieron con arte que era lo opuesto a lo racional. Hicieron arte que era absurdo, con humor, inquietante, impredecible en la creación artística y que causaba confrontación. 

Kurt Schwitters, Merzbild 46, 1921

Man Ray, Regalo, 1921

Max Ernst, El Ángel del Hogar, 1937
Los artistas de este movimiento, quieran destruir las convenciones del arte y así creando un anti-arte. Estaban contra la belleza del arte, contra los códigos de la tradición. Marcel Duchamp que exhibió objetos comerciales como su arte y los denomino Ready Mades. Entre los cuales estaba un urinario, un secador de botellas y una pala de nieve.  Duchamp decía que su selección de objetos no era basado en lo estético, si no en la indiferencia visual del objeto.  Esta separación de objetos de su contexto para lo que fueron hechos y presentarlos como arte trastorno la convenciones visuales del arte. 

El Futurismo influencio la creación del Dada. El movimiento Dada sirvió de influencia al Surrealismo y el arte pop.  En Latinoamérica no tuvo apogeo este movimiento.

Espero mi respuesta sea de tu agrado.

Augusto Chimpen