Diferencia entre arte moderno y arte contemporáneo

Claude Monet, Impresión, Sol Naciente, 1982

Edgar Degas, En las Carreras Ante las Tribunas, 1866-68

Alfred Sisley, Vista del Canal San Martin, 1870

¿Me gustaría saber la diferencia entre arte moderno y contemporáneo? ¿El arte como reflejo social es considerado arte contemporáneo o moderno? Andrea, Pereira, Colombia

El arte moderno empieza en 1870 en París, cuando los artistas empiezan alejarse de la pintura académica. Lo que enseñaban en las escuelas de arte era pintar temas de historia, religiosos, héroes, o mitológicas. Los colores eran oscuros y se pintaban en un estudio. El primer movimiento del arte moderno fue el Impresionismo, porque empezaron a pintar temas del día, madres con sus hijos, paisajes, bailarinas, retratos, caballos y ellos pintaban al aire libre, rompiendo la tradición de pintar en el estudio. Sus cuadros tenían mucha luz y colores claros. Otra cosa importante que paso fue que el arte era mayormente apoyado por el gobierno, la iglesia y por algunos patrones. A partir del impresionismo el arte se empezó a vender por galerías al público. Paul Durand-Ruel fue el más importante galerista de arte impresionista en las últimas décadas del siglo XIX haciendo exhibiciones en Paris y Londres. Los artistas del Impresionismo fueron Claude Monet, Renoir, Mary Cassatt, Edgard Degas, Camille Pissarro, Berte Morrisot, Gustave Caillebotte, Frédéric Bazille y Alfred Sisley entre otros. Entre los pintores académicos para que veas la diferencia son William Adolphe-Bouguereau, Pierre Auguste Cot, Alexander Cabanel, Thomas Couture, Léon Bonnat y Paul Delaroche, entre otros. 

Gustave Caillebotte, Calle de París, Día Lluvioso, 1877

Mary Cassatt, El Baño, 1892

Camille Pissarro, Boulevard Monmartre, 1897

Después del Impresionismo vino el Post-impresionismo con Paul Gaugin, Van Gogh, Paul Cezanne y Henri Toulouse Lautrec. Fue la obra de Cezanne que puso las bases para el cubismo.  Con las Señoritas de Avignon, 1907, Picasso rompió la perspectiva creada desde hace 600 años en el Renacimiento. En 1913 Picasso rompió la base de la escultura creando una obra con cartón y cuerdas de metal, convirtiéndolo en un ensamblaje. Igualmente Marcel Duchamp con su Rueda de Bicicleta hizo la primera obra de arte Cinetico, (que se mueve). Igualmente este fue su primer Ready Made, (objeto completamente hecho). Duchamp con esta obra dio las bases para el Dadaísmo. Rene Magritte causo furor con su obra Esto no es una Pipa, 1929. Porque no lo es, es la representación de una pipa. Pero esas contradicciones chocan a las masas. En 1931 Salvador Dali nos hace su obra más importante, La Persistencia de la Memoria. El hizo esta obra para que después que la hayas visto nunca te olvides que la has visto.

Pierre Auguste Cot, Primavera, 1873

Alexander Cabanel, Samson y Dalila,  1878

William Bouguereau, Elegía, 1899

En 1939 empieza la Segunda Guerra Mundial que duraría 6 años hasta 1945. El fin de la segunda guerra mundial como un gran evento de paz e inicio de una paz mundial. Hizo cambios en el mundo comercial, democrático y artístico igualmente. Con el fin de la Segunda Guerra Mundial termina el arte moderno y comienza el arte contemporáneo hasta nuestros días.  El fin de la guerra marca el tiempo artístico de un cambio. El primer movimiento del arte contemporáneo es el Abstracto Expresionismo con Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Lee Krasner y Philip Guston entre otros.

Vincente van Gogh, El Cuarto de van Gogh, 1889

Paul Gaugin, Mujeres de Tahiti, 1892

Paul Cezanne, Monte San Victoria, 1904

Para responder tu pregunta cuál es la diferencia entre el arte moderno y contemporáneo. Fue tiempo e intención. En el arte moderno, un cambio de actitud para pintar nuevos temas de nuevas manera nunca enseñadas en las escuelas de arte. El arte contemporáneo fue marcado por el fin de la Segunda Guerra Mundial y dura hasta nuestros días. El movimiento Abstracto Expresionista es el primer movimiento creado en Estados Unidos de influencia en el mundo de arte. Este movimiento fue creado por la ayuda de artistas de Europa que salieron por la guerra. Dejo a New York como el centro del arte en el mundo, lugar que ocupaba París.

Pablo Picasso, Bodegón con Guitarra, 1913

Marcel Duchamp, Rueda de Bicicleta, 1913

 Jose Clemente Orozco, Trinchera, 1923-27

Andrea sobre el arte como reflejo social que trata de problemas de la sociedad, pobreza, el trabajo manual, campesinos trabajando fue en el arte moderno, en Rusia hubo el movimiento Los Itinerantes en 1870 hasta 1923. La meta de los Itinerantes era pintar el paisaje rural y las condiciones sociales urbanas. Otro movimiento social fue el Muralismo Mexicano, que tuvo muchos temas sociales y los artistas buscaban educar a las masas para saber su cultura y apreciar sus orígenes. Esto paso en 1920 hasta 1960, pero es considerado un movimiento de arte moderno. Así que el arte como un reflejo social tuvo incursiones en el arte moderno.

Rene Magritte, Esto no es una Pipa, 1929

Salvador Dali, Persistencia de la Memoria, 1932

Jackson Pollock, Uno, Numero 31, 1959

Espero mi respuesta haya sido de tu satisfacción.

Augusto Chimpen

Clyfford Still, 1956J, 1956

Fernando de Szyszlo, Duino Nueve (Orrantia), 1992

Barnett Newman, La Promesa, 1949

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¿Cuáles son los criterios de belleza en una obra de arte?

Andy Warhol, Lata de Sopa Campbell con Abridor, 1962

Andy Warhol,  Lata Rota de Sopa Campbell, 1962

Andy Warhol, Marilyn, 1964

¿Cuáles son los criterios de belleza en una obra de arte (pintura)?  Eduardo

Estimado Eduardo, gracias por tu pregunta. Es muy buena tu pregunta. Para mí lo más importante es la estética, que sea bonita la obra. Sin estética la obra no sirve mucho. Ya he hablado antes del arte comercial que también es bonito, pero no te da una emoción. Solo es bonito estéticamente, no te eleva. El arte visual si te da una emoción así sea arte abstracto. Para empezar cada obra tiene lo que decimos “vida propia”, respira, da vida, embellece, da más energía al espectador y al ambiente.

Barnett Newman, Voz de Fuego, 1967

Barnett Newman, Jericho, 1969

Barnett Newman, Yo Soy, 1970

Aparte de que tenga estética, tiene que haber sido el único de haber hecho algo así. Por eso ninguna obra de un artista bueno se parece a otro artista que está en el mismo movimiento. En arte Pop nadie hizo Marilyn o latas de sopa Campbell. Cada artista usa sus propias imágenes que se hace famoso haciéndolas.

Cada obra tiene que ser la primera que se hizo así, la exclusividad ser único así también añade importancia a la obra. Por que define la imaginación del artista de crear su propio lenguaje visual y con estética. Igualmente la obra tiene que sorprenderte, por su estética y presencia. Si no te sorprende no hay explosión de emoción en el espectador.

Mark Rothko, Naranja y Amarillo, 1956

Mark Rothko, Azul, Naranja, Rojo, 1961

Mark Rothko, Sin Titulo, 1953

Por ejemplo la obra de Barnett Newman Voz de Fuego, el dijo una vez que estaba en una fogata y vio el fuego en medio de la oscuridad y de allí se ideo pintar esa pintura. El tamaño la hace más impresionante todavía. Es tres veces grande que tú, te hace diminuto, por lo tanto te impresiona más. No hay otro artista que haya pintado como él. De allí la importancia de ser el único.

En el caso de arte abstracto que te da una emoción. Por ejemplo en las obras de Mark Rothko describen confrontación. Cada forma representaba algo una situación o un espacio personal. En arte el tamaño, forma y color dan sensaciones. Por ejemplo el color rojo simboliza sangre, pasión, fuego, es el color del poder y acción, del pecado y sufrimiento. El color azul, simboliza el cielo, el amor espiritual, verdad y fidelidad, por eso el manto de la Virgen es azul. El verde, simboliza esperanza, regeneración y fertilidad. El amarillo es simbólico del sol, de la verdad, de Dios y la divinidad. También es simbolizado en forma negativa como símbolo de celos, engaño, inestabilidad, cobardía, y traición. El blanco es símbolo de pureza, luz, inocencia, virginidad, alegría, gloria y fe. Por eso Cristo siempre esta de blanco después de la resurrección. El color negro simboliza luto, penitencia,  muerte y es un color negativo, denotando malas cualidades del diablo, muerte y el bajo mundo.

Las formas también simbolizan emociones, por ejemplo el rectángulo y el cuadrado simbolizan estabilidad, honestidad, tranquilidad, racionalidad, conformidad, igualdad, integridad y seguridad.  El cuadrado significa perfección por sus 4 lados iguales.  El triangulo sentado en su base simboliza estabilidad, tensión dinámica, acción y agresión. Triángulos tienen energía, poder y son dinámicos y pueden sugerir conflictos of fuerzas. El circulo como no tiene principio ni fin representan eternidad y simbolizan el sol, la tierra, la luna, objetos celestiales y el universo. También sugieren integridad, protección, son cálidos, reconfortante y dan una sensación de sensualidad, amor, lo infinito, la unidad y la armonía.

Aparte hay simbolismo en miles de objetos, animales, plantas etc. por ejemplo, una silla vacía es simbolismo que hay ausencia de algo, un libro es símbolo de conocimiento, ser educado o trasmitir conocimiento. Las frutas representan el placer carnal. El perro es símbolo de fidelidad, el gato tiene el simboliza lujuria, crueldad y mala suerte si es negro. El león es símbolo de fuerza, valor, coraje y fortaleza. El girasol es símbolo de logro espiritual, flexibilidad, oportunidad, pero también son símbolos de buena suerte, riqueza y ambición. Los símbolos en arte es la más vieja manera de comunicación.

Mark Rothko, Naranja, Rojo, Amarillo, 1961

Mark Rothko, Naranja, Rojo, Naranja, 1961-62

Mark Rothko, Magenta, Negro, Verde y Naranja, 1949

Te digo esto solo para darte información con lo que los artistas saben y trabajan. Que todo lo que se pone el artista en su obra está puesto con una función para mandar un mensaje al espectador y hace que la obra sea buena o no sea tan buena.

  Como te dije la obra de Mark Rothko  se trata de confrontaciones por ejemplo en la obra Anaranjado y Amarillo. Te puedes dar cuenta que el anaranjado no es paralelo el lado derecho tira hacia arriba, el color de fondo no es parejo, en la parte de arriba es más oscuro. La forma anaranjada es más grande que el amarillo, por lo tanto más importante. Siempre en la obra de Rothko hay una figura más grande que las demás, eso significa que ese color gano la confrontación.  En la obra Magenta, Negro y Verde en Anaranjado, se pueden ver 6 diferentes formas. Empezando que allí no hay color magenta, tampoco hay anaranjado, el fondo es color ocre tierra. Rothko quería interactuar con el espectador con el nombre. ¿Sera que quería decir, no te lleves por lo que dice la gente, si no por lo que ves?

Rothko decía, “No soy un pintor abstracto… No me interesan las relaciones del color, ni la forma, ni nada; lo único que me interesa es expresar mis emociones humanas básicas: tragedia, éxtasis, muerte. La gente que llora ante mis cuadros, tiene la misma experiencia religiosa que yo cuando los pinto”.

Por eso como dije antes las forman toman forma de confrontación donde el rectángulo más grande es más poderoso que el pequeño. El éxtasis que habla Rothko es la belleza de las formas, colores y su interacción dentro de la obra. La tragedia es la confrontación que hay entre los rectángulos, como el color negro simboliza la muerte, cuando Rothko uso el negro simboliza la muerte también. Eso se puede ver en la obra Sin Titulo donde el rectángulo azul está rodeado de negro. En la obra de Rothko hay dos maneras con las que el trata los rectángulos, muy pegados como si estuvieran casi juntos y bien separados, como se puede ver en la obra Azul, Naranja, Rojo. En la parte de abajo se pueden ver el color ocre casi junto con el azul, mientras que los dos azules están más separados. Aunque los dos rectángulos azules parecen del mismo color, el azul de abajo es más oscuro. No ha habido otro pintor que haya hecho algo parecido a lo de Rothko. Su obra explora el potencial del uso del color y forma en la psique humana. La obra Naranja, Rojo y Amarillo de 1961 fue vendida en el 2012 en 86.9 millones, un record de precio en una obra de arte contemporáneo. 

Franz Kline, Hazelton, 1957

Frank Stella, Ifafa II, 1968

Jackson Pollock, Uno, Numero 31, 1950

En la obra de Franz Kline Hazelton, se puede sentir la emoción de fuerza por las líneas gruesas que hacen las formas abstractas. En la obra de Frank Stella Ifafa II, se puede ver y sentir orden y oposiciones. En la obra de Jackson Pollock Uno, Numero 31, la emoción es de desorden pero armonía en una imagen total, sin partes mayores o menores ni centro.

Te explico esto para que veas que hasta los cuadros abstractos dan emociones y sensaciones a los espectadores. Toda buena obra te da una emoción.

Eduardo para capitular tu pregunta, los principales criterios de belleza en una pintura son los siguientes, que tenga estética, que sea único, que te de una emoción y que te sorprenda.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen