¿Quería saber sobre las Vanguardias Rusas?

¿Quería saber sobre las Vanguardias Rusas, cuáles son los movimientos, de qué se trata y por qué se las llama así? Mariana Mendoza, Argentina


Estimada Mariana, todas las obras de arte pertenecen a un movimiento artístico. Esa es parte de la diversión para el observador en el arte. Si sabes eso, vas a apreciar más la obra.


El primer movimiento ruso fue Los Itinerantes que empezó en 1870 y término en 1923. Los principales artistas de este movimiento fueron: Ilya Repin, Surikov Vasily, Ivan Kramskov, Nikolai Katsakin y Vladimir Makovsky. Los Itinerantes era una asociación de artistas socialmente y políticamente motivados; su meta era pintar el paisaje rural y las condiciones sociales urbanas de la vida cotidiana, imponiendo una reacción ante el rígido conservadurismo de la Academia Imperial de Artes de Saint Petersburg. Su fin era que su trabajo fuera más accesible a una audiencia geográficamente y económicamente diversa. Los Itinerantes querían enseñar las fuerzas y dificultades del país de una manera cariñosa, nacionalista pero realista. Este movimiento se llama Itinerantes porque sus exhibiciones viajaban por todo el país.

Ilya Repin, Los Sirgadores del Volga, 1870, 73

Mundo del arte, es el segundo movimiento ruso, que existió desde 1898 hasta 1906. Sus principales representantes fueron Leon Bakst, Sergey Diaghilev, Dmitri Merezhovsky y Mikhail Vrubel. Fue un movimiento de artistas, escritores y músicos fundado en 1898 en San Petersburg por el empresario de ballet Sergey Diaghilev. El grupo publicaba una revista llamada Mir Iskusstva y realizó exhibiciones de arte extranjero que ayudó a establecer  el arte Simbolista y el Arte Nouveau en Rusia, tratando de contrarrestar el movimiento con énfasis en lo social de los Itinerantes. Este movimiento de arte estaba en contra de lo que enseñaban en las escuelas de arte. Usaron colores claros, composiciones simplificadas y elementos primitivos.



Mikhail Vrubel, Princesa del Cisne, 1900

 El Neo Primitivismo empezó en el 1908 y duró hasta el 1912. Los principales artistas de este movimiento fueron Natalia Goncharova, Mikhail Larionov, Marc Chagall, Vladimir Tatlin y Kazimir Malevich. Es un movimiento que fue inspirado en arte de niños, en imágenes de iconos rusos ortodoxos y en arte popular. Su arte era muy colorido, pintado con fuerza y no tenía la ilusión tradicional de perspectiva.

Marc Chagall, El Cumpleaños, 1915

El cuarto movimiento fue el Rayonismo, desde 1912 hasta 1914. Las principales figuras fueron Natalia Goncharova, Mikhail Larionov y Sergey Romanovich.  El nombre Rayonismo fue puesto por el pintor Mikhail Larionov.  Apareció en el “Manifiesto Rayonist” en Moscú en 1913.  El manisfesto anunciaba que Rayonismo era la síntesis del Cubismo, Futurismo y el Orfismo.  Las pintura Rayonistas pueden ser figurativas, retratos, paisajes o completamente abstractas pero todas tenían mucho color y eran pintadas vigorosamente y caracterizadas por el énfasis en líneas que eran llamadas rayos, que eran derivadas del futurismo “líneas de fuerza”. Los rayos eran intencionados para expresar nuevas ideas de la “continuación del  espacio y tiempo”, formuladas por el físico Albert Einstein y Ernst Mach y probar la sensación de la cuarta dimensión. El Rayonismo duró poco tiempo porque Larionov y Goncharova se mudaron de Moscú, pero dejaron a los artistas rusos con la abstracción. 

Natalia Goncharova, El Bosque, 1913

El Cubo Futurismo es el quinto movimiento ruso, comenzó en 1913 y terminó en 1914. Sus principales figuras fueron Natalia Goncharova, Mikhail Larionov, Lyubov Popova, Olga Rozanova y Kazimir Malevich. Este movimiento incorporaba sujetos neo primitivos derivados del folclore, iconos y arte de niños. En un estilo superficial cubista y futurista que fija formas tubulares contra los fondos geométricos que evocan un mundo mecánico relacionadas con el trabajo contemporáneo de Leger.

Olga Rozanova, Ciudad en Fuego, 1914

 

El  Constructivismo fue el sexto movimiento ruso y empezó en 1913 hasta 1923.  Los principales representantes son Naum Gabo, Lyubov Popova, Aleksandr Rodchenko, Olga Rozanova y Vladimir Tatlin. Este movimiento rechazó la pintura en tela a favor de diseños de objetos utilitarios  con la intención de hacer una producción en masa.  Después de haber visto el primer ensamble de Picasso con hojas de metal y cuerdas de metal y viendo que sus collages y sus pinturas eran hechas de tres dimensiones, Tatlin regresó a Rusia.  Allí empezó a hacer sus contra-relieves,  ensamblajes abstractos con metales industriales, cuerdas y madera que fueron las primeras abstracciones en la historia de la escultura.  Este tenía énfasis en el espacio en lugar de la escultura tradicional, ya que la preocupación era la masa. En 1925 el partido comunista se pronunció en contra de la abstracción y en 1932 todos los grupos culturales fueron  terminados.  En 1934 un nuevo movimiento propagandista Realismo Social empezó como el único movimiento artística oficial de la Unión Soviética.



Vladimir Tatlin, Relieve en una Esquina, 1915

El Suprematismo fue el séptimo movimiento artístico ruso, empezó en 1915 hasta 1923. Sus principales figuras fueron: El Lissitzky, Kazimir Malevich, Ivan Puni, y Aleksandr  Rodchenko.  Fue el primer movimiento artístico que redujo la pintura en solamente figuras geométricas abstractas para deshacerse de las referencias del mundo real. En un ensayo Malevich define el Suprematismo como “la supremacía de la sensación pura” y remonta sus raíces al Cubismo y Futurismo.

Kazimir Malevich, Krasnodar, 1916-17

Cada movimiento tiene un nombre especifico que dice de qué se trata lo visual del movimiento. Como te habrás dado cuenta, el arte de algunos artistas no es estático ya que algunos de los artistas estuvieron en varios movimientos. Mariana lo que tienes que acordarte es que a todos estos movimientos se les conoce como la Vanguardia Rusa, que ocurrieron desde 1890 hasta 1930. Se le llama asi porque fueron siete movimientos nuevos creados por los rusos y eso es todo un evento muy importante en el mundo del arte.

Espero mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen

¿Quiénes son los artistas más importantes en collage?

Picasso, Guitarra, Diario, Vaso y Botella, 1913

Pablo Picasso, Bodegón con Caña de Silla, 1812

George Braque, Bodegón con Tenora, 1913

George Braque, Bodegón con Tenora, 1913

Richard Hamilton, ¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos? 1956

Lucas Samaras

Mimmo Rotella, Marilyn N.1, 2004

Henry Peach Robinson, Los Ultimos Instantes, 1858

¿Quiénes son los artistas más importantes en el ámbito del collage actualmente y desde sus orígenes? Susana, Lima Peru

Estimada Susana, el término collage viene del francés coller (pegar). Collage es pegar papel u objetos en una superficie plana. El collage fue usado por primera vez por Picasso en su obra Bodegón con Caña de Silla, 1912. Picasso en lugar de pintar el asiento de la silla, pegó una tela con el diseño de una silla de caña al cuadro, eso altero la distinción entre la realidad y la ilusión en el arte.

El collage no es un estilo o movimiento, es una técnica. Hay collages en el cubismo, dada, surrealismo y arte pop. George Braque fue otro de los precursores del collage ya que hizo bastantes collages, como lo puedes observar en su obra. Juan Gris también hizo cubismo y collages.

Después del primer collage de Picasso, el segundo collage más famoso es de Richard Hamilton con su obra ¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos? 1956, que fue la semilla para que el arte pop naciera.

No son muchos los artistas que han usado la técnica de collage. Entre algunos de ellos están la inglesa Sarah Lucas, Betye Saar, Miriam Shapiro, Lucas Samaras y Kurt Switters.

Lo contrario de collage, es decollage, en donde en lugar de pegar materiales para hacer una obra, el decollage se crea rasgando y cortando partes de la imagen original. Los principales artistas de esta técnica son Mimmo Rotella, Francois Dufresne, Wolf Vostell y Jacques Villegle.

En fotografía la terminología que se usa para hacer lo mismo que collage se llama fotomontaje. Esto conlleva hacer una fotografía compuesta de varios negativos. El fotógrafo ingles Henry Peach Robinson fue el primero que uso esta técnica. Su fotografía Últimos Instantes, 1858, fue el primer fotomontaje.

Susana eso es todo lo que te puedo decir sobre collage, que es muy interesante la forma de realizarlo, combinando dibujos con papel.  También existe el decollage que es la técnica opuesta al collage, donde se rompe y rasga figuras pegadas en el plano, así como lo hace Mimmo Rotella. Actualmente, no hay artistas que destacan con esta técnica, los artistas que te nombre si destacaron en su tiempo, pero el collage no esta de moda ahora, lo que esta de moda es el arte conceptual, las instalaciones y el video arte. Espero que mi respuesta te haya gustado. Gracias por tu pregunta.

Augusto Chimpen

¿Por qué el cuadro La Muerte de Marat es tan importante?

Miguel Ángel, Piedad, 1498-99,  174 X 195 cm



Peter Paul Rubens, El Descendimiento de la Cruz, 1612-14,  420 X 310 cm




Jacques Louis David, La Muerte de Marat, 1793, 165 X 128 cm 

 ¿Por qué el cuadro La Muerte de Marat es tan importante? Adriana, Cali, Colombia


Estimada Adriana, Jean Paul Marat era doctor, científico escritor y político, políglota en inglés, francés, español, italiano y alemán. Marat se convirtió en político para ayudar a la revolución francesa. Era el editor del periódico L’Ami de Peuple (El Amigo de la Gente). Marat tenía una influencia radical para los cambios de la aristocracia.

La Muerte de Marat,  de Jacques Louis David se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Bélgica y es un retrato histórico hecho para inmortalizarlo y hacerlo un mártir. Marat era líder de la Revolución Francesa de 1789. El retrato fue comisionado por la Convención Nacional, que era la asamblea que gobernaba la revolución. Marat tenía 49 años cuando murió, pero David hizo el retrato idealizado porque Marat es pintado joven, fuerte y sano. Tenía una enfermedad rara en su piel, que contrajo cuando se escondía de la policía Royal en los desagües de Paris, por eso tenía que trabajar horas tras horas sentado en la bañera con una madera y usarla como escritorio mientras tomaba baños medicinales.

David era amigo de Marat y su intención era pintarlo como un hombre secular, pero santo y hacerlo un ejemplo de virtud. La enfermedad de Marat no se puede notar en la pintura. Hay razón para cada detalle en el cuadro; hay una economía de objetos y esto es para hacerlo más simbólico.

David lleva al observador como testigo en el cuarto donde Marat ha sido acuchillado, se encuentra agonizando y está en un baño de sangre. Marat se encuentra segundos antes de dar el último suspiro, el todavía agarra la plumilla en posición de escribir y con la mano izquierda sostiene el papel entregado por la asesina Charlotte Corday. El papel dice que ella necesita ayuda de “la terrible desgracia que tengo me da derecho a pedir vuestra amabilidad....” La intención de David de poner la nota es que se interprete que Marat iba a responder la nota. Corday, partidaria de la aristocracia, lo engañó para entrar a verlo y lo apuñaló cuando leía la nota.

Marat tiene los ojos cerrados, sonriendo pacíficamente y con mucha tranquilidad, como durmiendo. Su brazo cae casi sin vida en la misma posición de Jesucristo de la escultura Piedad de Miguel Ángel. Su cabeza cae para el lado izquierdo tal como la cabeza de Jesucristo en Descendimiento de la Cruz, hecha por Paul Rubens y por Rembrandt. Los dos usaron la misma posición de la cabeza. La cabeza de Marat está cubierta por una tela blanca con vinagre que lo hace un turbante y que lo usaba contra la enfermedad de la piel que tenía.

La herida mortal de Marat y el cuchillo son vistos en la sombra. La petición de la asesina está bien iluminada en la mano de Marat. Su cara, sus brazos y los objetos en la caja de madera están con una fusión de luz, pero su cuerpo tiene sombras, creando así una interacción de elementos. Los pliegues de las telas crean también armonía, dando una fuerte sensación de realismo.

La luz natural de la ventana viene de atrás de Marat porque las sombras están en su cuerpo y debajo del papel. Eso quiere decir que la luz que está en la derecha es una luz espiritual y por eso no da sombras.
La parte oscura de atrás, que ocupa la mitad del cuadro, fuerza al observador a mirar a Marat y así intensificar el primer plano donde se encuentra Marat. El cuarto no está decorado, la pared vacía y la caja de madera fueron hechas para enseñar que Marat era pobre pero que quería ayudar a otros. Los colores amarillentos fueron usados para suavizar el horror de la escena; y la luz espiritual de la derecha es para mostrar que el cielo lo está llamando. El cuadro fue hecho en forma rectangular verticalmente, apuntado al cielo donde Marat iría después de muerto.

El papel encima de la caja de madera dice “tu le darás este dinero a la madre de los 5 niños de quien su marido murió defendiendo la patria” Con esta nota David quiere poner a Marat como un héroe y como un santo que estaba dispuesto a ayudar en las dificultades a la gente de Francia, siendo por lo tanto “el amigo de la gente”. Aunque enfermo siempre estaba dispuesto a ayudar a otros.

David juega con el espacio de la pintura, haciendo la caja de madera en la orilla del plano del cuadro. El dinero y la nota están tan cerca de la orilla del cajón de madera que está en el espacio del observador. Si alguien abriera una ventana en la habitación, el viento los botaría a los pies del espectador.

Adriana, lo que tienes que recordar es que esta pintura es considerada la pintura más importante de David porque su intención de hacer a Marat un mártir, con simplicidad y virtud son sentidas por el observador. David, quien fue profesor de arte, usó iconografía religiosa del pasado para hacer a Marat un héroe de la revolución. La pintura causó mucha pena en su tiempo y todavía lo hace hoy día.

Gracias por tu pregunta Adriana. Me gusta esta clase de preguntas sobre la lectura o interpretación de las obras famosas.


Augusto Chimpén

¿Qué influencia tuvo la fotografía en el Impresionismo?

Claude Monet, Almiares Efecto de Mañana, 1890



Claude Monet, Almiares al Medio Dia, 1890



Claude Monet, Almiares en la Tarde, 1890

Claude Monet, Almiares fin del Verano, 1891

Claude Monet, Almiares Atardecer con Nieve, 1891

Claude Monet, Almiares con Nieve, 1891

Pierre Auguste Renoir, El Columpio, 1876

Camille Pissarro, Boulevard Montmartre, 1897

¿Quisiera saber qué tanto influyó la creación de la fotografía para que surgiera el arte impresionista? Adriana, Aguascalientes, México

Estimada Adriana, la fotografía influyó a que el arte no sea más imitador del mundo real, porque la fotografía lo hacía mejor. La fotografía influencio a los artistas a ser más creadores y no imitadores. La fotografía hizo que los artistas vean el mundo en una manera muy personal y de no tratar de imitar lo que veían, si no lo que sentían. Desde que se inventó la fotografía, la luz era importante para el resultado en la fotografía. El Impresionismo fue un movimiento donde la luz era muy importante también, Claude Monet pintó varios cuadros con la misma imagen done la luz cambiaba según las horas del día. Monet ocupo la mayor parte de su vida explorando los efectos de la luz en sus paisajes. Monet dijo, “Para mí el paisaje no existe por derecho propio, puesto que su aspecto cambia en cada momento, pero la atmosfera que lo rodea lo trae a la vida, la luz y el aire que varían continuamente”. La imagen de la fotografía era igual al del mundo real y la luz hacia la fotografía más oscura o más clara. Monet también se percató de los efectos de la luz en el paisaje y usó esos efectos para sus cuadros.

Monet uso bastantes colores, de contrastes frescos de la sombra y de luz del día caliente en sus obras. Esto se puede ver en su serie Almiares (tambien llamada La Recogida del Heno) donde hizo varios cuadros usando la misma imagen, pero en diferentes tipos de luz y diferentes estaciones del año. Estaba interesado en captar las variaciones del paisaje según la luz y las sensaciones que éstas daban al espectador. También en el Impresionismo la imagen real del mundo se empezó a descomponer, usando pinceladas gruesas que estaban supuestas a ser unidas por los ojos del observador.

El Impresionismo puede ser visto como el final del Naturalismo en el arte, donde el artista trataba de pintar algo que se parece al mundo real. Por esta razón, las brochas gruesas de los impresionistas inspiraron a los artistas a ser más psíquicos y usar su personalismo y que el arte no sea conforme a la naturaleza. Auguste Renoir, Mary Cassatt, Camille Pissarro y Edgard Degas también usaron la luz como fuente de inspiración en sus obras, en la obra El Columpio de Renoir se puede ver la luz a través de las hojas del árbol, en los cuerpos de los personajes y en el suelo. En la obra de Camille Pissarro Boulevard Montmarte, se puede ver la luminosidad que está reflejada en la pista de la ciudad.

Lo que tienes que acordarte Adriana es que el arte es producto de la sociedad que lo rodea. Espero mi respuesta te haya ayudado.


Augusto Chimpen

¿Cuál es la obra más importante del siglo XIX?

Tiziano, Concierto Campestre, 1510

Rafael, La Pesca Milagrosa, 1515-16

Raimondi, El Juicio de Paris, 1515

Edouard Manet, Desayuno sobre la Hierba, 1863

¿Cuál es la obra más importante del siglo XIX? Yadira, San Juan, Puerto Rico.


Estimada Yadira, algunos historiadores de arte no responden esta clase de preguntas porque consideran que en el arte no hay primeros, ni segundos, etc. Yo si estoy de acuerdo en decir cuál es la obra más importante para que la gente aprenda más sobre arte. Además, algunos podrían decir que una obra es la más importante por unas razones y otros podrían decir que es otra obra.

Para mí, la obra más importante del siglo XIX es Desayuno Sobre la Hierba (Le déjeuner sur l'herbe) de Edouard Manet, 1863, que se encuentra en el Museo de Orsay en Paris. El cuadro es 208 cm X 264.5 cm, de formato grande, que en ese tiempo era solo para hacer obras históricas y mitológicas según la Academia de Bellas Arte de Francia, quienes eran los que ponían los parámetros del arte de la época. El Desayuno Sobre la Hierba fue inspirado del cuadro Concierto Campestre, 1508 de Tiziano. Todos los personajes fueron sacados de otras obras que eran conocidas por todos los estudiantes de arte de la época. El personaje de atrás, la mujer en el riachuelo, fue sacado de un dibujo de Rafael, La Pesca Milagrosa, pero en el dibujo la figura es un hombre. Los tres personajes que se encuentran al frente, fueron sacados de un grabado de Marcantonio Raimondi, El Juicio de Paris y en esa obra ellos aparecen en la parte inferior derecha. La mujer, que se está mojando los pies, fue pintada muy grande y no hay una buena perspectiva allí. Ella debió ser pintada más pequeña dado que es más grande que el bote a su costado, el cual sí fue hecho usando dimensiones y perspectivas. En el cuadro hay 3 temas, el retrato de las personas, un paisaje y un bodegón en la parte inferior delantera, que era algo nuevo en una obra.

La obra causo furor cuando fue presentada en 1863, fue considerada vulgar por la mujer desnuda, con los hombres vestidos. La mujer desnuda tiene el cuerpo de la esposa de Manet, Suzanne Leenhoff y la cara de su modelo preferida, Victorine Meurent. El hombre de la derecha es su cuñado Ferdinad Leenhoff, y el de la izquierda su hermano Eugène Manet. Los hombres están vestidos como dandis en vestimenta típica de moda de la época. Los hombres están conversando e ignoran a la mujer. La mujer desnuda era aceptada si representaba una alegoría, mitología, o una belleza clásica, pero no una persona real desnuda con dos hombres vestidos. Además, era la primera vez que una mujer desnuda mira al espectador y eso era lo más chocante. Las personas forman una pirámide, lo que da más estabilidad a los personajes.

El estilo utilizado por Manet rompe la tradición académica de pintura. Aunque parece una pintura realista, no lo es ya que fue tomada de personajes ya existentes en otras obras de arte, y ya que cambió la cara de la esposa por la de su modelo. Es una obra clásica en su origen. Aquí Manet prefiere la libertad personal de su creación en contra del arte académico que la escuela de Bellas Artes quería que los artistas hicieran. Ese es el mérito más importante de esta obra, la libertad de creación de Manet. También se podría interpretar como una versión moderna del Concierto Campestre de Tiziano. Esta obra es considerada una obra pre-impresionista por usar personas allegadas a él, porque algunas partes del cuadro parecen sin terminar y porque usó pinceladas gruesas en partes del paisaje.

Yadira lo que hace también a esta obra importante fue la mirada de la mujer, sin pudor, sin pecado original, natural, que nos resulta atrevida y agresiva. Esa mirada acariciadora, invitadora, nos deja perplejos en el sitio y nos mete en el cuadro. El desafío de Manet de introducir al espectador en la obra nunca antes se había hecho. Este cuadro rompió la tradición académica de la época porque sirvió para el desarrollo del impresionismo. Por todas estas razones yo considero esta obra la más importante del siglo XIX.

Gracias por tu pregunta Yadira, espero que la respuesta haya sido de tu agrado.


Augusto Chimpen

¿Cuál es la primera y más significativa expresión artística de la humanidad?

Venus de Willendorf

Venus de Willendorf

Venus de Brassempouy

Venus de Kostenki

Venus de Laussel

Venus de Grimaldi



Lascaux, escena del hombre muerto




Lascaux, escena del caballo chino




Lascaux, escena de ciervos nadando




Lascaux, escenas de caza


¿Cual se considera la primera y más significativa expresión artística de la humanidad? ¿Considerando que es probablemente una obra antigua, sería válido catalogarla como arte aún cuando no siguió ningún patrón académico? Paco, Lima.

Estimado Paco esta pregunta es muy interesante porque cuestiona la primera obra significativa de arte hecha por humanos. Una de las obras humana más antiguas que se conoce es la Venus de Willendorf, 24,000 a 20,000 AC, mide 11.1 cm de altura y 5.7 cm de ancho. El material de la Venus es de piedra caliza y está coloreada con un tono ocre rojizo. Hay varias hipótesis de por qué fue hecha: como amuleto de buena suerte, la representación de una diosa que sería la madre tierra, que es la representación idealizada del sexo femenino con su capacidad de engendrar vida. Mi teoría es que era un amuleto para favorecer la fecundidad. La obra más antigua que se conoce es la Venus de Brassempouy, que es 30,000 AC, pero solo hay la cabeza y el cuello de esa pieza. A pesar que hay muchas Venus con las mismas características que la Venus de Willendorf, tales como la Venus de Lespugue, la Venus de Kostenki, Venus de Laussel, Venus de Grimaldi, todas mujeres grandes, con senos grandes y desnudas, la Venus de Willendorf es la más famosa porque tiene más estética, es simétrica, más realista y humanizada.

Paco, para continuar con tu pregunta ¿Cuál es la obra más significativa expresión artística de la humanidad?, tendría que ser las cuevas de Lascaux, 17,000 AC, al suroeste de Francia porque estas cuevas tienen seis galerías que contienen aproximadamente 2,000 figuras que se pueden agrupar en tres categorías, animales, humanos y abstractos. En las cuevas se encuentra la imagen de un toro de más de 5 metros de largo. Entre los animales que están pintados hay toros, osos, caballos, rinocerontes, bisontes y venados. No hay imágenes de renos, que era su primera alimentación, por lo que aduce que se hacían los dibujos para hacer ritos para celebrar la caza y/o para tener poderes sobre los animales cuando los hacían antes de la cacería. Muchos de los toros aparecen en movimiento, así que no eran solamente dibujos simples. El que los hizo fue un artista muy bueno.

Algunos dibujos están a más de tres metros del suelo, eso quiere decir que tuvieron andamios móviles para realizar estos dibujos en las paredes y techos de la cueva. Hay una escena en la cueva que se llama “el hombre muerto” donde hay una figura antropomorfa (que tiene apariencia humana) que es un hombre muerto con cara de pájaro. Al frente del hombre muerto hay un bisonte moribundo que aparentemente mató al hombre y tiene los intestinos que se están cayendo, herido por una flecha y una lanza visibles. Hay un pájaro en un palo, que podría representar la otra vida del muerto. Las aves porque tienen la habilidad de volar están asociadas con dioses. En otra escena llamada “los caballos chinos”, se pueden ver flechas en la cacería de los caballos. En otra pintura denominada “ciervos nadando” se pueden ver los ciervos cruzando el rio. Esta escena narrativa demuestra la complejidad de los dibujos rupestres y el talento artístico de los que hicieron los dibujos que habitaban estas cuevas. Como no había iluminación en la cueva, tenían que iluminar con velas hechas de grasa de animales. Paco, por la magnitud de las pinturas rupestres en las cuevas de Lascaux, yo considero que esta es la obra antigua más significativa de la humanidad.

La última parte de tu pregunta es muy interesante porque dices que si sería válido catalogarlo como arte aun cuando no tuvo un patrón de arte académico. Arte es todo lo que se crea, con un toque personal para embellecer al mundo. Esa es la finalidad del arte, en el tiempo de que hicieron las pinturas de las cuevas de Lascaux las hicieron por dos razones, para decorar y embellecer las cuevas y para hacer el chamanismo sobre los animales y sobre la caza de esos animales. Además, las figuras tienen estética y son agradables al ver. También esto demuestra que desde el inicio de la humanidad el hombre ha sido artista por naturaleza y ha convivido con arte.

Paco esta es tu segunda pregunta en mi blog por lo cual te agradezco mucho. Espero mi respuesta sea de tu satisfacción.


Augusto Chimpen

¿Qué innovaciones tiene Virgen de las Rocas, de Leonardo da Vinci?



Leonardo da Vinci, Virgen de la Rocas 1483-86


La Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci, es una de las obras que más me subyuga. Dentro del Renacimiento Italiano marcó un gran cambio, Leonardo con esta obra introdujo innovaciones que rompieron esquemas en su tiempo, quisiera saber más acerca de ello. Clara, Lima


Estimada Clara, Leonardo hizo dos versiones de esta obra con el mismo nombre. Una se encuentra en el museo Louvre en Paris y la otra se encuentra la National Gallery en Londres. La versión de la cual voy hablar se encuentra en el Louvre, hecha en 1483-86. Las dos versiones son casi iguales con algunos detalles cambiados. Las innovaciones que trajo este cuadro son muchas, entre ellas es el sfumato (esfumado, es la suave graduación de color y sombras para crear profundidad y volumen), Leonardo fue el inventor de esa técnica. Se puede ver el sfumato en las caras de todos los personajes, María, Juan bautista el pequeño a la izquierda, el arcángel Gabriel a la derecha y del niño Jesús. Los personajes por primera vez no tienen aureola, esa fue otra innovación de Leonardo en esta pintura.

Otra innovación que trajo esta obra es por el uso de perspectiva aérea que se puede ver a través de la cueva, en las rocas de color más claro, esa degradación de color sirve para crear los efectos atmosféricos naturales del ojo humano para crear recesión y distancia. Otra innovación importante fue de contar varias historias en una sola escena. La mayoría de artistas de la época contaban una historia en sus cuadros, pero Leonardo pinto obras que decían varias historias en una sola escena. Quizás la innovación más importante fue la creación de una composición piramidal que por primera vez se hacía y que fue un sello en casi todas las composiciones de la Virgen María. La composición piramidal da más estabilidad a las figuras en la composición.

Usualmente en obras de la Virgen María hechas por otros artistas Giotto, Fra Filippo Lippi, Sandro Botticelli o Jan van Eyck la ponen como reina en un trono como reina de los cielos, aquí Leonardo la pone sentada en el suelo haciéndola más humilde. La virgen tiene su brazo derecho abrazando a Juan el Bautista. Las diferentes historias pasan al mismo momento, Juan el Bautista tiene las manos en gesto de oración hacia Cristo. A su vez Cristo bendice a Juan el Bautista y también señala hacia el cielo, en referencia a la dimensión celestial más alta a que Cristo es predestinado. El arcángel Gabriel esta señalando a Juan el Bautista que es el mensajero de la salvación que será conseguida a través del bautismo y el sacrificio de Cristo. El arcángel tiene alas pero no están bien diferenciadas para hacerlo más humano. La Virgen está representada en su papel protector como una madre y criadora, hace un gesto de acariciar a Cristo con su mano izquierda.

Lo importante aquí Clara es que el paisaje no es real, es místico y por lo cual es un paisaje espiritual. En la parte de atrás es pura roca que simboliza la solidez, firmeza y fuerza de Dios, también hace alusión a la Biblia en Salmos 92:15. Para proclamar: El Señor es justo; él es mi roca y en el no hay injusticia. En las rocas en la parte izquierda hay una cueva que representa la matriz maternal, también simboliza el origen de la vida y de la resurrección puesto que Cristo nació en una cueva y fue enterrado en una cueva. En la cueva hay un rio que viene de las montañas de afuera. El agua por sus propiedades de limpieza simboliza la pureza y la inocencia, en el bautismo el agua lava los pecados del pasado. Esto también tiene una connotación cristiana escrita en la Biblia en Juan 4:13-14. Todo el que beba de esta agua volverá a tener sed —respondió Jesús—, pero el que beba del agua que yo le daré, no volverá a tener sed jamás, sino que dentro de él esa agua se convertirá en un manantial del que brotará vida eterna.

La Virgen tiene un manto de color azul que simboliza el cielo y el amor divino. El manto de la Virgen también tiene color amarillo, que simboliza el sol y el color de Dios y su divinidad. La Virgen está representada como una mujer idealizada y perfecta, con gracia, con fuerza y elegancia. Gabriel tiene un manto rojo que es el color de la sangre y el fuego, simboliza amor y poder. Juan el Bautista y Cristo están desnudos y eso representa armonía con la naturaleza así como en el paraíso la ropa no era necesaria. La planta anemone en la parte izquierda abajo simboliza la muerte y luto, ha sido asociado con la crucifixión de Cristo, porque aparece en varias pinturas de la crucifixión abajo o cerca de la cruz. Los pétalos rojos simbolizan la sangre de Cristo. Detrás de Juan el bautista hay una planta de palmera que también hace insinuación de un verso en la Biblia en el mismo capítulo de Salmos 92:12. Como palmeras florecen los justos. Clara cada cosa que pinto Leonardo da Vinci en este cuadro tiene un significado muy profundo. Clara espero mi respuesta haya sido de tu agrado.


Augusto Chimpen